La importancia de la figura humana en su obra
Jean Auguste Dominique Ingres nació en Montauban (Francia) el 29 de agosto de 1780.
Fue un pintor francés. No fue, en sentido estricto, neoclásico ni académico, sino un ferviente defensor del dibujo. Es a la vez neoclásico y romántico. Ingres es un claro exponente del romanticismo en cuanto a temáticas, líneas abstractas y tonos planos de color intenso.
El arte está enormemente influenciado por el neoclasicismo que, frente al barroco anterior, busca la pureza de las formas inspiradas en los modelos de la antigüedad. El inglés Adams, el italiano Cánova y el francés David, se convierten en los principales teóricos de la segunda etapa del neoclasicismo. Madrazo y Aparicio son los portavoces del movimiento en España .
Muy pronto Ingres mostró un notable talento pictórico, inclinación que su padre, un modesto pintor, escultor y decorador, fomentó por todos los medios.
Sin duda, Rafael, Tiziano y Rubens constituyen su primer y decisivo encuentro con el arte.
Pintura del primer dibujo conocido de Ingres 1789.
A los 11 años ingresó en la academia de Toulouse.
Allí estudió pintura con Roques y el escultor Vigan y al mismo tiempo aprendió a tocar el violín, aflicción que le acompañaría durante toda su vida.
Siguiendo la trayectoria habitual de todo artista, en 1797 Ingres se trasladó a París para completar su formación. Es así como comienza a frecuentar el estudio de David con gran seriedad. La técnica del maestro, el frío academicismo que ya en esta época condicionó en gran medida la pintura de Ingres, hasta el punto de ser considerado el más importante de sus discípulos. Sus primeros cuadros en lucha entre el amor a la antigüedad y la reproducción objetiva de la realidad, tienen una gran belleza de trazos.
Los embajadores de Agamenón . París, Escuela de Bellas Artes
En 1800 ganó el segundo premio en el concurso de la Escuela de Roma y al año siguiente obtuvo el Premio de Roma con un cuadro Los embajadores de Agamenón que J. Flaxman clasifica como "preferible a todo lo visto hasta ahora en la pintura francesa contemporánea".
Autorretrato Chantilly
En 1802 participó en el Salón con su primer retrato femenino y dos años más tarde pintó su Autorretrato Chantilly, Museo Conde.
Ingres aprovecha la oportunidad que le ofrecen los retratos para plasmar su gran sentido de la realidad sin dejar de lado su tema de estudio preferido. Es decir las obras clásicas italianas expuestas en el Museo del Louvre.
Finalmente, en septiembre de 1806, Ingres parte hacia Roma. Durante el viaje, hace una breve escala en Florencia para estudiar al pintor Masaccio que, junto con Masolino, inició los frescos de la capilla Brancacci a finales de 1424.
Admirada por esta obra, Ingrid la describe en sus escritos como la cúspide y culminación de la pintura.
También Roma, y especialmente la Capilla Sixtina y las salas del Vaticano, le impresionaron vívidamente.
En las visitas que realiza a estos lugares elabora varios temas que luego retomará en diversos periodos de su vida: Júpiter y Tetis , La enfermedad de Antíoco , Venus anadiomena ... pero el éxito todavía le da la espalda.
Mademoiselle Caroline Rivière - 1806 Museo del Louvre
Madame Rivière
Entre los años 1805-1806 pintó tres retratos por encargo: además de Mademoiselle Rivière, Ingres pintó Monsieur y Madame Rivière. Todos fueron expuestos en el Salón de 1806, y fueron criticados por considerarse arcaicos.
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Edipo y la Esfinge, 1808
El bañista de Valpinçon
Tampoco corren mejor suerte Edipo y la Esfinge , 1808, París, Lourdes y la bañista de Valpinçon . Las críticas que recibe son tan duras y duras como en los cuadros anteriores.
En esta época Ingres se dedicó especialmente al dibujo.
La línea es fundamental para el pintor y todo, incluso el humo, debe interpretarse con líneas.
En su opinión, la función del color es resaltar la materia encerrada en el dibujo..."No conozco ningún caso en el que un buen dibujante no tenga además la capacidad de colorear según su propio trazo", prosigue. a estado
Al finalizar su internado en Villa Médicis, Ingres decidió quedarse en Roma, que en aquel momento, debido al furor clasicista, se había convertido en uno de los centros cosmopolitas más brillantes de la época.
Su último envío a París desde Roma, Júpiter y Tetis , es duramente criticado, como también lo serán Ruggero y Angélica en 1819, obra que Delacroix, en cambio, juzga muy favorablemente.
En 1812 fue invitado a participar en los trabajos para la decoración del Palacio del Monte Cavallo que culminaron con sus obras Rómulo transporta las armas del derrotado Acrón al templo y El sueño de Ossian.
De esta época también se conservan numerosos retratos sobre lienzo o simplemente bocetos.
ingres pintó La gran Osalisca en el año 1814.
Como muchos de sus desnudos femeninos, La Gran Odalisca tiene un carácter escultórico que da la impresión de una masa compacta, contorneada y de color uniforme, aunque los críticos vieron en él un exceso de pesadez e inmovilidad. La figura de la Odalisca desconcertó a la crítica de la época por sus "tres vértebras de más", por su palidez y por la inexpresividad de sus músculos, padeciendo una severa languidez que muchos no entendían.
El pintor describe una silueta reptante en forma de S, prometedora y seductora al mismo tiempo, que delata la aprensión que afecta su deseo por el cuerpo femenino. Pero Ingres parece recordarnos aquí, a través de esta imagen fría e incitante, el símbolo de la serpiente que promete el fruto prohibido. Dentro de esa misma línea simbólica se sitúa la ambigüedad de la mirada de la Odalisca, desafiante y desdeñosa a partes iguales. La frialdad de la factura corresponde a un deseo manifiesto de distanciar una imagen temida, inquietante y enigmática. Los tonos oscuros del telón contrarrestan, en gran medida, el poderoso hilo comunicativo entre el rostro de la Odalisca y el espectador y también evitan que el cuadro se colapse hacia la izquierda.
La familia A. Lethiere, 1815, Museo de Arte de Boston.
"La familia de Alexandre Lethiere" o "La familia Alexandre Lethiere", fue pintada en 1815.
. El cuadro representa a la familia de Alexandre Lethiere, pintor francés y amigo de Ingres. La pintura está realizada en estilo neoclásico y presenta a Lethiere, su esposa y sus dos hijos.
Por eso siente una admiración infinita por Rafael, con quien se identifica plenamente, porque ambos tienen una extraordinaria habilidad para dibujar.
Bartolini vivía en Florencia e Ingres se quedó en su casa durante unos días, de camino a Roma en 1819.
En agradecimiento, Ingres realizó este bello retrato de su amigo, con un aspecto francamente romántico y no acorde a los postulados del Neoclasicismo que practicaba Ingres: el joven escultor aparece medio vuelto, con una mirada penetrante y el cabello rizado algo desordenado.
Su ropa oscura se pierde sobre el fondo negro, de modo que sólo dos elementos destacan en la imagen: por un lado, el rostro orgulloso, hábilmente resaltado por el cuello blanco de la camisa, como también vemos en el retrato de Joseph Ingres. .
Por otro lado, llama la atención la mano, separada del cuerpo, que sostiene una pequeña cabeza esculpida con el rostro de un dios griego. Esto nos habla de la filiación de ambos con el arte de la Antigüedad, que utilizarán como motivo en sus respectivas obras.
De la actividad creativa de este período se conservan numerosos estudios sobre los pintores toscanos de los siglos XV y XVI.
Sobre este tema Ingres escribe: "Soy un conservador de las buenas doctrinas y no un innovador. No soy, como afirman mis detractores, un imitador servil de la escuela de los siglos XV y XVI”.
Este período también corresponde a los trabajos preparatorios de la primera comisión oficial del nuevo gobierno francés.
El Voto Luis XIII -1824 Montauban, Catedral de Notre Dame.
En el Salón de París de 1824 se exhibieron los paisajes de Constable y Tourner. El asesinato de Quíos de Delacroix y El voto de Luis XIII de Ingres , que tuvieron una acogida triunfal.
En agosto de 1820, el Ministerio del Interior de Francia encargó a Ingres un gran cuadro con el tema El voto de Luis XIII, destinado a la decoración del crucero sur de la catedral de Montauban dedicado a la Asunción de la Virgen.
Un año después comenzó la imagen en Florencia, finalizándola en 1824. Representa la consagración del reino de Francia por Luis XIII el 15 de agosto de 1638, día de la Asunción de la Virgen.
Así vemos al rey arrodillado, con su armiño y manto de terciopelo bordado con flores de lis -símbolo de la monarquía francesa- ofreciendo su corona y cetro a la Virgen María, situada sobre un trono de nubes, sosteniendo al Niño Jesús.
Al pie del altar aparecen dos angelitos sosteniendo un cartel. Ingres utiliza una iluminación naranja para representar la apariencia sobrenatural, un recurso muy común en el Barroco.
Dos ángeles abren unas gruesas cortinas para poder contemplar a la Virgen, dando una mayor sensación de efecto. La figura de María es un evidente homenaje a Rafael, que recuerda a las tradicionales Vírgenes italianas.
Debido al deseo de satisfacer a su cliente y cosechar un éxito rotundo, Ingres se dedicó a conciencia a preparar la obra, realizando numerosos dibujos de todos los elementos que la componen, apreciando la calidad de los detalles de la ropa y destacando su dibujo característico. profesor francés
La señora Moitessier de pie
Sorprendentemente, dada su facilidad para dibujar, a Ingres le resultó difícil terminar las pinturas al óleo.
Fueron necesarios 4 años, por ejemplo, para terminar El retrato de la señora Moitessier.
Comenzó a trabajar en la versión sentada, que originalmente estaba destinada a incluir a la hija de Moitessier, Catherine.
El trabajo avanzó lentamente a medida que Ingres encontró a Catherine "imposible" y la eliminó de la composición alrededor de 1847.
El trabajo se suspendió en 1849, cuando la muerte de la esposa de Ingres en junio lo dejó sin poder trabajar durante varios meses y la señora Moitessier quedó embarazada de su segundo hijo.
En junio de 1851, la mujer a la que llamaba "la belle et bonne" ("la bella y buena") le recordó que su retrato aún no había sido terminado, Ingres comenzó de nuevo, pintando el retrato de ella de pie, que terminó en diciembre de 1851. Luego volvió al retrato sentado, que completó en 1856. A su primer triunfo en el Salón le siguieron muchos otros reconocimientos públicos.
Regresa a París y monta un taller.
Entre sus alumnos se encuentran Amaury-Dubal, Cambón Chasseriau y Flandrin.
En 1820 recibió el encargo de decorar una nueva sala del Louvre y realizó La Apoteosis de Homero 1827, París, Louvre.
La rapidez en la ejecución del lienzo sugiere que probablemente el artista ya tenía en mente trabajar sobre este tema.
Pese a ello, en el transcurso de su realización cambió de opinión en numerosas ocasiones en diversos aspectos del cuadro, especialmente en la elección de los personajes, como lo demuestran los múltiples estudios y bocetos preparatorios, de los que en él se conservan unos 300. Museo de Montauban.
En cuanto a la composición, el grupo central se inspira en el relieve La Apoteosis de Homero, de Arquelao de Priene (siglo III a.C.), conservado en el Museo Británico (Londres). Los grupos secundarios tienen influencia rafaelesca, especialmente de La Escuela de Atenas y El Parnaso. Victoria también tendría rasgos de Rafael. Esta influencia rafaeliana se nota especialmente en los rostros, que en ocasiones han sido criticados por ser excesivamente fríos e inertes. En cambio, los cuerpos están mejor resueltos, sin duda porque trabajó con mayor libertad estilística, aportando sus propios conocimientos de anatomía.
Ingres expresa su satisfacción por el reconocimiento obtenido en estos años de intenso trabajo en una carta en la que declara: "He aquí, cada esfuerzo mío es recompensado... lo que, salvo algunas excepciones, hace que mi arte sea cada vez de mayor calidad". día."
Virgilio lee la Eneida a Livia, Octavia y Augusto. 1832, Nueva York, propiedad de Wildenstein.
Hacia 1832 Ingres pinta a Virgilio lee la Eneida en Libia a Octavia y Augusto.
La escena representada hace referencia a la lectura de la Eneida por parte de su autor, Virgilio, al emperador Augusto, su esposa Livia y su hermana Octavia. Los dos personajes de la derecha, que contemplan la escena, son Cayo Mecenas y Marco Vipsanio Agripa.
Ingres se basó en los comentarios a la Eneida escritos por el gramático Elio Donato en el siglo IV.
En el transcurso de la lectura, el poeta llegó a un pasaje en el que Eneas desciende a los infiernos y Anquises anuncia la muerte de Marcelo, el hijo de Octavia.
Al escuchar estos versos, Octavia se desmayó en el regazo de Augusto, mientras Livia tuvo que controlar su sorpresa, ya que era una de las sospechosas de la muerte de Marcelo para darle prioridad en la sucesión al trono a su hijo Tiberio.
Para los elementos iconográficos del cuadro, Ingres se inspiró en varias referencias: la decoración y el mobiliario son de estilo pompeyano; la figura de Virgilio está inspirada en la estatua del poeta del Museo Capitolino; Livia, en la estatua de Agripina del mismo museo; Augusto, en varios bustos romanos del emperador; y Octavia, en una ilustración de Girodet para Fedra de Racine (edición Didot).
Responde a las acusaciones de falta de originalidad. "¡Quién de los grandes artistas no ha imitado también! No se hace nada de la nada y es apreciando los inventos de los demás que se realizan los propios."
En 1833 recibió el nombramiento de vicepresidente, poco después presidente de la Escuela de Bellas Artes.
Martirio de San Simforiano
Ingres se mostró molesto por la negativa acogida reservada al Martirio de San Sinforiano, 1834, Autun, Catedral de San Lázaro, cuadro en el que había trabajado durante mucho tiempo.
La elaboración de esta gran obra le exigió realizar numerosos dibujos preliminares sobre cada una de las figuras. Una de estas obras es la que ahora mostramos, en la que podemos ver las distintas poses que el pintor estudió para cada personaje.
Si los comparamos con el lienzo final, entenderemos mejor el avance de la obra. Además, en la parte superior izquierda, tenemos algunas pruebas de color, que también ayudan a descifrar los secretos del pintor a la hora de realizar sus mezclas, que se mantenían en secreto para cada artista.
Son precisamente los clasicistas y los miembros del Instituto quienes hacen las críticas más severas.
Sin embargo, es cierto que Ingres pierde el control del cuadro cuando intenta describir una serie de personajes. El trabajo es desequilibrado, rígido y forzado.
Gaya Nuño lo considera "profundamente equivocado".
La Odalisca y la Esclava - 1834
Al mismo tiempo y de manera paradójica, la exageración del dibujo, el exceso de fuerza en el desnudo lo separan irrevocablemente de David y lo hacen aparecer como un revolucionario.
A raíz de la decepción sufrida, Ingres acepta el cargo de director de la Academia de Francia en Roma, a cuya reestructuración se dedica de todo corazón.
La enfermedad de Antíoco
La odalisca y la esclava , 1839, y La enfermedad de Antioco constituyen las principales obras producidas en esta época romana.
Respecto al primero de estos dos cuadros, lo repintaría posteriormente en 1842, cambiando el fondo pero manteniendo la misma temática.
En esta época también lo sucedieron dos de los discípulos de David, Gerard y Gros, el primero de los cuales dedicó todo su arte al servicio de Napoleón y tuvo una gran influencia en los círculos intelectuales del país.
A su regreso a París en 1841, Ingres fue recibido triunfalmente.
Es un momento de gloria y exaltación que te ayuda a afirmar tus principios estéticos.
En cualquier caso, a pesar de sus inigualables dotes como dibujante, Delacroix critica duramente su falta de habilidad para el color en sus óleos.
El propio Berlioz acompañará la ceremonia de bienvenida con un concierto.
Algunas de sus pinturas más bellas pertenecen a estos años.
En 1842 muere el joven Fernando Felipe Duque de Orleans, al que Ingres acaba de retratar.
Luis Felipe elige los cartones para el vitral de la capilla conmemorativa.
En 1843 comenzó a trabajar en los dos frescos de La Edad de Oro y La Edad del Hierro en el castillo de Dampierre.
Los numerosos estudios, más de 500, atestiguan la importancia que el autor atribuye a esta sociedad concebida según las imágenes de los antiguos poetas.
Sin embargo, no logró terminarlo debido a la crisis que sufrió con la muerte de su esposa en 1849 y una enfermedad ocular.
Retrato de la baronesa de Rothschild (1848), Colección Rothschild, París
Tras abandonar la Escuela de Bellas Artes, Ingres envió más de 50 lienzos a Montalbán, su ciudad natal, donación que luego completó con un rico legado testamentario. En la misma ciudad Cambón prepara un museo con las obras de Ingres, mientras Magimel inicia la publicación de la producción artística del maestro.
En 1853 pinta la apoteosis de Napoleón, obra que será destruida en el incendio del municipio de 1800 y que integra plenamente el gusto de Napoleón III.
En la Exposición Universal de París de 1855 se organizó una retrospectiva de Ingres y él mismo se encargó de elegir 43 cuadros seleccionados entre sus obras más representativas.
La elección de La bañista de Valpincón se debe sobre todo al esfuerzo del joven Degas, que insiste en la necesidad de su presencia.
Los premiados por Francia son Ingres, Delacroix, Vernet, Decamps y Maissonier
Para Ingres, esta fue la exposición más importante de todas aquellas en las que participó.
Retrato de Delphine Ramel, dibujo de 1855, Museo de Arte Fogg.
Ingres, Retrato de Madame Ingres, 1859, Am Römerholz, Suiza.
En cuanto a su vida afectiva, siente un profundo dolor por la muerte de su esposa y le resulta difícil superar esta crisis.
Tras ser elegido senador en 1862 junto a Delacroix en sus protestas contra la dispersión de la colección Campana en los museos provinciales.
Entre las últimas obras se encuentra El Baño Turco , cuadro al que dedicó esfuerzos.
También trabaja en otro cuadro que resulta ser una copia de una obra de Giotto. En este sentido y cada vez más Ingres afirma "que no siente ningún escrúpulo en hacer copias de los antiguos, ya que la producción de los clásicos es un tesoro común que cada uno puede aceptar como quiera. De esta manera y cuanto saber utilizarnos de ellos, es parte de nosotros mismos."
Tumba de Ingres en el cementerio Père-Lachaise de París. El busto fue realizado por Jean-Marie Bonnassieux.
El 8 de febrero de 1867, después de cenar con amigos, se resfrió y falleció el día 14.
Donó sus objetos más queridos como la paleta o el violín al museo de Montauban, que actualmente es el museo Ingres.
Su afición por la música marcó toda su vida y entre sus amigos se podían citar tanto pintores y artistas como músicos con los que tenían sentimientos en común. Dios había dado los mayores dones a la humanidad a Rafael y a Mozart, talentos a quienes admiró profundamente hasta el siglo XIX. fin.
En toda su obra, Ingres ha dejado los retratos como su obra más auténtica, que realmente muestra sus condiciones excepcionales, como señala Gaya Nuño, pocos dibujantes se han encontrado en toda la historia del arte, tan limpios, tan precisos, tan rigurosos. y exigente como Ingres.
FUENTES
https://www.biografiasyvidas.com/
https://www.buscabiografias.com/
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