Descubriendo la
Belleza de la
Naturaleza Muerta
y la Vida Cotidiana
Jean-Baptiste-Siméon Chardin nació
en París, el 2 de noviembre de 1699.
Está considerado como uno de los
más importantes pintores franceses del siglo XVIII. Se le conoce principalmente
por sus naturalezas muertas y sus retratos.
Los padres eran Jean Chardin y
Marguerite Saintard.
Su padre era un maestro orfebre, artesano
ebanista, fabricante de billares, lo que influyó en la formación artística de
Chardin desde una edad temprana
Se sabe que fue alumno de
Pierre-Jacques Cazes (pintor de paisajes históricos) y que siguió los consejos
de Noël Nicolas Coypel.
El 6 de febrero de 1724 fue
admitido en la Academia de Saint-Luc con el título de Maestro, al que renunció
en 1729.
Según los hermanos Goncourt,
Coypel le pidió que le pintara un fusil en un cuadro de caza, apasionándolo por
las naturalezas muertas.
Bodegón con gato y raya, 1728, Museo del Louvre, París
El buffet
Esas dos obras maestras que le dieron el título de
académico el 25 de septiembre de 1728, «en el talento de los animales y las
frutas», representaban el nivel más bajo de la jerarquía de géneros
(históricos, retratos, paisajes, marinas, flores y frutos) que regía la
Academia Real Francesa.
Bodegón con gato y raya
Chardin representa la parte
inferior ensangrentada de una raya, destripada y colgada de un gancho en la
pared de piedra. El pescado yace encima de una repisa en la que a la derecha
hay varios elementos domésticos sobre un paño blanco: una sartén, una olla y
una espumadera de metal, una jarra de cerámica, una botella y un cuchillo.
Debajo de la raya hay otros dos
peces, y a la izquierda hay unas ostras abiertas y un gato que las pisa con la
espalda arqueada y el pelaje erizado, como asustado por la vista.
La composición se puede analizar
como una serie de pirámides, con la raya puntiaguda en el centro, la jarra y
otros objetos inanimados a la derecha, y los seres vivos el gato y las ostras a
la izquierda.
El mango del cuchillo que cuelga
de la repisa y la esquina de la pared de piedra que pasa junto al gato y se
aleja del espectador, agregan profundidad a la escena.
El buffet
El autor, especialista en sus
primeros años en pinturas de bodegones, representa en este caso una mesa
repleta de alimentos, entre los que resalta un frutero lleno de melocotones,
una naranja a medio pelar, lo que le permitió demostrar su habilidad pictórica
y un plato con ostras.
En el suelo, un perro parece
ladrar al conjunto de alimentos, junto a unas botellas.
El animal sería un motivo difícil
de ejecutar debido a su movilidad, lo que exigiría un esfuerzo considerable
para un pintor caracterizado por su tranquilidad a la hora de representar sus
modelos.
En ambas obras representó un
animal vivo, lo que constituye un modelo muy raro para Chardin pues pintaba muy
despacio, corrigiendo continuamente lo realizado, lo que no es conveniente para
la pintura de animales vivos.
Es probable también que temiera
la comparación con los dos maestros «en el talento de los animales» de la
época: Alexandre-François Desportes (1661-1743) y Jean-Baptiste Oudry
(1661-1755).
Oudry le había precedido en la
Academia Saint-Luc (1708) y en la Academia Real (1717)
Henri Matisse realizó copias de
estas dos obras en 1896.
En 1731 Jean Siméon se casó con
Margarita Saintard, siete años después de haber firmado un contrato de
matrimonio con ella.
Su padre murió poco después y su
hijo Jean Pierre nació en noviembre.
Ese mismo año bajo la dirección
de Jean-Baptiste van Loo (1684-1745) participó en la restauración de los
frescos de la galería Francisco I de Francia del Palacio de Fontainebleau.
Cuatro años más tarde fallecería su mujer Margarita.
Las primeras escenas de género de
Chardin fueron pintadas en 1733. Chardin se dio cuenta de que no podría vender
eternamente bodegones.
Chardin habría comentado a uno de
sus amigos, Joseph Aved (1702-1766), que un salario incluso pequeño era siempre
de agradecer por un retrato aunque el artista no fuera muy conocido, Aved le
habría contestado :
Chardin se lanzó un desafío,
tenía que pintar otra cosa que naturalezas muertas. Pero no era esta su única
razón para cambiar de temática.
La frase le impresionó y,
tomándolo menos como una burla que como una verdad, analizó su arte y cuanto
más lo examinó, más se convenció de que nunca le sacaría provecho.
Temía, puede que con razón, que pintando sólo objetos inanimados y poco interesantes, se cansasen de sus producciones y que pintando animales vivos, quedara muy por debajo de Desportes y Oudry, dos competidores temibles cuya reputación ya estaba establecida.
Chardin se inició en las "scènes de genre" (pintura representando escenas domésticas), lo que no fue fácil para él.
Los clientes de la pintura del siglo XVIII querían sobre
todo imaginación, que era la facultad que más faltaba a Chardin. Tenía
dificultades para componer sus cuadros lo que se explica, en parte, porque
cuando, tras largas y pacientes investigaciones, una estructura le convenía la
reutilizaba en varias obras. Este periodo de la vida de Chardin se abrió con
dos obras maestras:
Señora sellando una
carta (146 x 147 cm, Berlín, Stiftung Preußischer Kulturbesitz)
Señora sellando una carta en 1732 representa a una persona joven que espera con impaciencia que le acerquen luz para poder sellar una carta.
Fue expuesto por primera vez en 1734 en la plaza Dauphine.
La cisterna de cobre
(38 x 43 cm, Museo Nacional, Estocolmo)
En 1732 La cisterna de cobre representa a
una mujer agachada cogiendo agua en una cisterna de cobre.
Como en la obra precedente, una
puerta en el muro del fondo muestra una escena secundaria.
Pero las aberturas son raras en
las obras de Chardin, los interiores cerrados impiden cualquier comparación con
los cuadros holandeses.
Muchacha con volante, 1732 (81 × 64 cm), Galleria degli Uffizi (Florence)
En la Muchacha con volante (también conocido como Muchacha con el juego de la pluma ) el artista no intentó en ningún momento dar sensación de movimiento.
La niña completamente inmóvil, la mirada fija, posa para el artista reflejando con su actitud la vigilancia permanente de la que es objeto.
Este defecto fue sin embargo
utilizado admirablemente en El castillo de naipes y realizó hasta cuatro obras
con pocas variaciones sobre el tema.
La lavandera, c. 1735 (37 × 42 cm), Hermitage (San Petersburgo)
"La lavandera" es una de las obras más destacadas de Jean Siméon Chardin, pintada entre 1733 y 1740.
Esta obra forma parte de una serie de tres versiones, siendo la principal la
que actualmente se encuentra en el Museo del Hermitage en San Petersburgo,
adquirida por la emperatriz Catalina II de Rusia en 1772.
La pintura representa a una joven lavandera ocupada en su labor cotidiana, capturando la esencia de la vida doméstica y el trabajo manual.
Chardin utiliza un
esquema de color sobrio y una composición equilibrada, lo que otorga a la obra
un aire de tranquilidad y dignidad.
Chardin fue un pionero en el género del bodegón y las escenas de género, elevando estos estilos que tradicionalmente eran considerados menores.
Su habilidad para representar lo cotidiano con belleza y profundidad le valió el reconocimiento en su época, siendo admirado por críticos como Denis Diderot
A través de obras como "La lavandera", Chardin logró capturar la dignidad del trabajo diario, reflejando así las virtudes burguesas que resonaban con el público de su tiempo.
El niño de la peonza (1738)
De esta época data El niño de la peonza (1738) que fue pintado en 1738, encontrándose actualmente en el Museo del Louvre, de París (Francia), que lo adquirió en 1907.
Es un retrato de Auguste-Gabriel, hijo menor del joyero Charles Godefroy. Se representa en el cuadro a un niño absorto en la contemplación del giro de una peonza.
El juguete gira sobre la mesa en la que se apoya el niño. En esta mesa, en un segundo plano, pueden distinguirse libros, una pluma y un tintero.
El siglo XVIII se caracterizó por el descubrimiento y valoración del mundo infantil, al que se concedió gran interés, como puede verse en las obras de Jean-Jacques Rousseau.
El cuadro consigue reflejar
sosiego y la felicidad infantil.
Chardin fue presentado en 1740 a Luis XV de Francia en Versalles por Philibert Orry, superintendente de los edificios del rey (Surintendant des Bâtiments du Roi, equivalente a un ministro de cultura actual) e interventor general de finanzas. Chardin, para la ocasión, ofreció dos cuadros al rey,
La bendición y La madre trabajadora. Fue la única vez que Simeón Chardin coincidió con Luis XV.
Bendición, 1740 (49 ×
38 cm), Museo del Louvre (París)
La bendición representa una modesta escena de interior de clase media. Una madre y sus dos hijos se disponen a comer. Pero antes bendicen la mesa.
Mientras pone la mesa, la madre instruye a sus hijos a
dar gracias. Es un tema que ya con anterioridad se había tratado en la escuela
holandesa de pintura del siglo XVII.
Es una obra de composición simple, con grandes espacios vacíos.
La ambientación se reduce al mínimo: una estantería con botellas, una fuente de arcilla y una cacerola en la pared. Una mesa cubierta por un mantel blanco.El ambiente tranquilo y pacífico se ve reforzado por la iluminación y colores tenues.
La forma redonda de la mesa se reitera en la disposición de las figuras en torno a ella. Sus miradas no salen del cuadro, enlazándose entre sí para recrear el mundo cerrado en sí mismo.
La ejecución es refinada; la luz y los colores, moderados
La madre trabajadora o laboriosa.
"La madre laboriosa" es una de las obras más emblemáticas de Jean Siméon Chardin, pintada en 1740 y actualmente exhibida en el Museo del Louvre.
Esta pintura representa una escena
íntima y cotidiana, donde se observa a una madre ocupada en su labor, con su hija en un ambiente acogedor que refleja la vida de la clase media
burguesa del siglo XVIII.
La obra captura un momento de la vida familiar, mostrando a una madre que enseña las labores a su hija . La escena transmite una sensación de ternura y modestia, enfatizando los valores familiares y la virtud del trabajo.
Chardin utiliza
colores cálidos y suaves, creando un ambiente sereno. La madre aparece en el centro,
con su hija lo que refuerza el sentido de unidad familiar.
La pintura se caracteriza
por su realismo y atención al detalle, elementos distintivos del estilo de
Chardin. A través de su técnica, logra dar vida a los objetos cotidianos y a
las expresiones de los personajes.
Ambos cuadros fueron olvidados diez años después de la muerte de Luis XV y redescubiertos en 1845, revalorizados por los gustos de la burguesía del siglo XIX, que apreciará la representación de las virtudes burguesas (honor, orden, ahorro) en contraposición al presunto libertinaje general de la nobleza.
Naturaleza muerta con
jarrón y frutas, 1750 Óleo sobre tela, Karlsruhe
Poco después será protegido por
un personaje importante, el marqués de Vandières, futuro marqués de Marigny y
director de los edificios del rey entre 1751 y 1773.
Con el rango preciso de Director
de los Edificios, Artes, Academias, Jardines y Manufacturas del Rey era hermano
de Madame de Pompadour.
Como su hermana, apreciaba mucho
el talento de Chardin, del cual poseía algunas obras. Será él quien ayude a
Chardin para la obtención de una pensión de 500 libras.
Jean-Pierre, el hijo de Jean
Siméon Chardin, tuvo una carrera prometedora en el ámbito artístico.
Tras obtener el primer premio de la Academia en 1754, viajó a Roma para continuar sus estudios.
Su hijo Jean-Pierre, tras la obtención en 1754 del primer premio de la Academia, viajó a Roma para continuar sus estudios.
Chardin fue nombrado tesorero de
la Academia en 1755 y dos años más tarde Luis XV le concedió una vivienda
oficial en las galerías del Louvre, a instancias del marqués de Marigny, como
él mismo se encargó de anotar:
«Le comunico con placer, Señor,
que el Rey le concede la vivienda desocupada de las Galerías del Louvre tras el
fallecimiento de S. Marteau, sus talentos le alcanzaron la esperanza de esta
gracia del Rey, estoy muy contento de haber podido contribuir a que le fuera
cedida. Soy, Señor, su humilde y obediente servidor.»
Carta del 13 de marzo de 1757,
ortografía y puntuación de la época.
Naturaleza muerta, c.
1760 (33 × 41 cm), Óleo, Museo del Louvre (París)
Naturaleza muerta,
jarro de flores, c. 1760-1763 (44 × 36 cm), Óleo sobre tela, National Gallery
of Scotland, Edimburgo
Muy ocupado por sus funciones de
tesorero y por la responsabilidad de organizar la instalación de los cuadros
para el Salón de la Academia, oficio llamado «tapissier» (tapicero) que le
causará varios altercados con Oudry, Chardin volvió a su primer oficio a partir
de 1748 y pintó cada vez más naturalezas muertas.
Expuso aún algunas escenas de
género pero había dejado de componerlas; serán sólo copias de obras anteriores
o variantes de estas.
Uva y granada, 1763
(47 × 57 cm), Óleo sobre tela, Museo del Louvre (París)
Chardin cambió poco a poco de
estilo. Entre 1755 y 1757, realizó obras en las que multiplicaba y
miniaturizaba los objetos, intentando organizar composiciones más ambiciosas en
las que dará más importancia a las transparencias; cada vez más le preocupará
el aspecto del conjunto, haciendo surgir de una penumbra misteriosa objetos y
frutos.
En 1765 fue aceptado por
unanimidad como asociado libre en la Academia de Ciencias y Bellas letras de
Ruan.
De esa época son algunas naturalezas muertas
(Naturaleza muerta con atributos de las artes).
Después de varios años de cautiverio, Jean Pierre fue liberado en 1767, pero lamentablemente falleció poco después de su liberación
En 1769 el matrimonio Chardin recibió una renta vitalicia de 2000 libras que aumentó al año siguiente.
En 1772 Chardin enfermó. Sufría
probablemente del «mal de la piedra» (cólicos nefríticos).
En 1779 debido a su edad y su enfermedad
dimitió de su cargo de tesorero de la Academia.
La técnica de pintura al pastel, que ya fue practicada por Leonardo da Vinci y Hans Holbein, despegó en el siglo XVIII gracias, entre otros autores, a los retratos de la familia real realizados por Maurice Quentin de La Tour amigo de Chardin.
Retrato de Madame
Chardin, 1775 (pastel, 46 × 38 cm), Museo del Louvre, París
En 1760 Quentin de la Tour
realizó un retrato de Chardin con esta técnica y lo ofreció en 1774 a la
Academia para que esta festejara a Chardin tras dimitir de sus funciones como
tesorero de la Academia.
El retrato fue colgado en la sala
de sesiones el 17 de enero de 1775 en presencia de Jean Simeon Chardin.
1774 marca otro punto de inflexión en la vida de Chardin, tras la sustitución del marqués de Marigny como Director de los Edificios del Rey por del conde de Angevilliers a la muerte de Luis XV.
Las relaciones entre Chardin y el
conde de Angevilliers eran muy distintas de las que tenía con el hermano de la
Pompadour.
Es probable que Chardin tuviera
que enfrentarse a un desdén hostil, sufriendo distintos menosprecios por parte
del conde.
En paralelo, tras la muerte de François Boucher (1703-1770), Primer Pintor del rey, el conde hizo dimitir a Charles-Nicolas Cochin hijo (1715-1790) (otro protegido de Marigny y amigo de Chardin) de su cargo de Secretario de la Academia y nombró en su lugar a Jean-Baptiste Marie Pierre (1714-1789) al mismo tiempo Primer pintor del Rey y Secretario de la Academia.
Jean Simeon Chardin se dedicó realmente a esta técnica a partir de 1770. Explicó este cambio por problemas de salud en una carta al conde el 21 de junio de 1778 en la que le pedía seguir percibiendo la renta de la función de tesorero de la Academia, que había dejado cuatro años antes.
En su respuesta, el conde le dirá
que ya cobraba mucho más que muchos otros "funcionarios" de la
Academia, aun siendo maestro de un género menor.
En este contexto y muy a pesar de
sus enemigos, Chardin se impuso como retratista con sus pasteles.
Entre 1771 y 1779 expondrá en los
Salones distintos autorretratos, retratos de su esposa, distintos cuadros
"de expresión" y una copia de Rembrandt.
Cabeza de un
Viejo1771. Pastel, 44,9 x 37 cm. La Colección Horvitz, Boston.
El 25 de agosto de 1779, Chardin
expuso sus últimos pasteles. Una de las hijas de Luis XV que apreciaban sus
obras compró un Jacquet (nombre genérico para el retrato de un joven lacayo).
El 6 de diciembre de 1779, a las
nueve de la mañana, murió Jean Simeon en su vivienda del Louvre.
El conde de Angevilliers negará la
concesión de una renta a su viuda. Mme de Chardin que murió el 15 de mayo de
1791 en casa de un familiar.
LEGADO Y HOMENAJES
Desde finales del siglo XIV, el
grabado, aparte de técnica esencial para grandes artistas como Rembrandt, fue
el método más importante para la reproducción y difusión de los cuadros.
Durante el siglo XVIII los "coleccionistas" se complacían en la
adquisición de estampas que reproducían sus obras con poemas relacionados.
Chardin es uno de los autores más
copiados en este sentido, convirtiéndose en el autor de moda gracias a sus
obras de género.
Los originales en cambio eran
poseídos por unos pocos admiradores contemporáneos, entre los cuales se
encuentran nombres como Catalina II de Rusia (5 obras), Federico II el Grande
(3 obras), Luis XV de Francia (2 obras) o Luisa Ulrica de Prusia, reina de
Suecia (al menos 10 cuadros).
https://www.virtualuffizi.com/es/jean-baptiste-sim%C3%A9on-chardin.html
https://historia-arte.com/artistas/jean-simeon-chardin
https://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Sim%C3%A9on_Chardin
https://artehistoria.com/personajes/chardin-jean-baptiste-simeon
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