EL 28 DE JUNIO DE 1577 NACÍA
PEDRO PABLO RUBENS
MAESTRO DEL ARTE FLAMENCO
De esta manera describe Roger
de Piles a Peter Paul Rubens en el año 1699.
Era alto y de noble porte,
tenía las facciones regulares, las mejillas rosadas, el cabello castaño y en
los ojos el brillo de una pasión contenida. Era una persona seductora, de
temperamento afable, de conversación grata, de ingenio vivaz y penetrante. Su manera
de hablar era tranquila y juiciosa y el tono de su voz agradable, lo que le
hacía elocuente y persuasivo.
Peter Paul Rubens nació en
Siegen, Sacro Imperio Romano Germánico, actual Alemania, el 28 de junio de 1577
también conocido en español como Pedro Pablo Rubens.
Fue un pintor barroco de la escuela flamenca.
Fue la gran figura del Barroco en la Europa septentrional. Su estilo exuberante enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Sus principales influencias procedían del arte de la Antigua Grecia, el de la Antigua Roma y la pintura renacentista, en especial Leonardo da Vinci, Tiziano y Miguel Ángel, del que admiraba su representación de la anatomía
Pedro Pablo nació en el seno de una familia calvinista flamenca que en 1568 había huido de Amberes a Colonia (Renania del Norte-Westfalia) a causa de las revueltas y persecuciones religiosas. Su padre, abogado, fue Jan Rubens, mientras que su madre fue Maria Pypelincks.
Jan Rubens, su padre, era
abogado y funcionario municipal en Amberes. Cuando se convirtió del catolicismo
al calvinismo tuvo que abandonar Flandes para exiliarse en Siegen (Alemania), donde
nació Pablo Rubens.
En el año 1587 muere su padre, el pequeño Pedro Pablo tenía entonces 10 años .
En 1589 Maria Pypelincks, madre
de Pablo regresa a Amberes con sus tres hijos, y vuelve a convertirse al
catolicismo.
Rubens comienza sus estudios clásicos, formándose en retórica, gramática, latín y griego.
Allí estudió pintura con tres
artistas poco conocidos. Uno de ellos, Otto Vaenius, le indujo a realizar el
tradicional viaje a Italia, que resultó decisivo para la formación del artista.
En el año 1590 entra a servir
como paje de la condesa de Ligne-Arenberg, adquiriendo los principios básicos
de un buen cortesano.
Entre los años 1591 y 1592 ingresa
en el taller del pintor Tobias Verhaecht, especialista en paisajes.
Del año 1595 a 1596 entra en
el taller de Otto van Veen, quien se convertirá en su principal maestro y le
transmitirá los ideales clasicistas del arte de la pintura.
"Estamos ante una de las primeras obras fechadas de Rubens, realizada incluso cuando aun no había recibido el título de maestro independiente al estar como aprendiz en el taller de Otto van Veen, más conocido como Otto Venius.
Su pintura se inscribe dentro de las características típicas de la escuela flamenca al mostrar al personaje en primer plano, recortado sobre un fondo neutro, interesándose por la minuciosidad casi caligráfica de los ropajes y del rostro.
El joven porta en sus manos una medalla, un misal y el puño de su espada. La gorguera que exhibe era habitual en la moda española -no olvidemos que Flandes fue una provincia del Imperio Hispánico hasta 1715- al igual que el color negro para los trajes masculinos.
El interés descriptivo de Rubens es de gran calidad, a pesar de las
malas condiciones de conservación de la obra. La atención del maestro se centra
en el rostro del personaje, intentando transmitir su personalidad,
especialmente a través de sus ojos."(Artehistoria)
En el año 1598 ingresa como
maestro en el gremio de pintores de Amberes.
Pedro
Pablo Rubens realizó entre 1600 y 1608 la copia más conocida de la
obra inacabada de Leonardo da Vinci: un dibujo realizado a partir de las copias
anteriores y de los diseños del propio Da Vinci. Museo del Louvre, París.
Entre los años 1600 y 1608 pinta la obra Batalla de Anghiari.
"Para ampliar sus conocimientos pictóricos, Otto Vaenius aconsejaba a sus discípulos dirigirse a Italia.
Rubens no dudó en seguir la recomendación de su maestro y marchó a Italia en mayo de 1600, permaneciendo allí durante un periodo de ocho años.
Recorrió prácticamente toda la península, excepto el sur, pasando largas temporadas en Roma, Florencia y Venecia.
En estos viajes realizó dibujos de todo lo que le interesó, copiando las obras de Rafael, Correggio, Tiziano, Miguel Angel, Tintoretto o Leonardo, creando un amplio catálogo de dibujos que posteriormente será utilizado en sus composiciones, por lo que recibió "críticas de algunos competidores suyos que le acusaban de incluir en sus cuadros figuras enteras tomadas de los italianos, a lo que él respondía que se sentía libre de hacerlo si podía sacar provecho en ello, con lo que indicaba que no todos eran capaces de hacer lo mismo" según narra S. van Hoogstraeten en 1678.
El fresco de la Batalla de Anghiari de Leonardo decoraba la sala del Consejo del Palazzo Vecchio de la capital toscana, situado frente a la Batalla de Cascina de Miguel Angel.
Por desgracia, ambos frescos han desaparecido y sólo se conocen por copias como ésta que contemplamos, admirada por Rubens debido al dinamismo, la tensión y la violencia que se manifiesta en la lucha.
Las figuras escorzadas de caballos y jinetes serán utilizadas
posteriormente por el flamenco como fuente para algunas composiciones como la
Caza de hipopótamos y cocodrilos o el San Jorge y el dragón del Museo del
Prado." ARTEHISTORIA
El 9 de mayo de 1600 parte para Italia, donde trabajará al servicio
del duque de Mantua Vincenzo Gonzaga.
Permanece en Italia ocho años.
Allí estudia el arte de la Antigüedad y a los maestros del Renacimiento, y
viaja a Roma, Florencia, Venecia, Génova y otras ciudades.
"A su llegada a Italia, Rubens se relacionó con un importante círculo de intelectuales gracias a su hermano Philips, uno de los protagonistas de este retrato múltiple.
También podemos observar a Justo Lipsio, Guillaume Richardot y a Gaspar Scioppius, entre otros, creando el pintor flamenco un retrato de grupo que será muy frecuente en el Barroco centroeuropeo.
Los hermanos Rubens se ubican en primer plano, como anfitriones de la velada, vistiendo a la austera moda romana que se marcaba desde España, dirigiendo el pintor su mirada hacia el espectador.
Al fondo de la escena podemos observar el fondo de la Dormición de la Virgen, la obra de Mantegna que conserva el Museo del Prado.
En esta composición, la
influencia de la pintura flamenca enlaza con la retratística veneciana
encabezada por Tiziano, surgiendo un estilo tremendamente personal con el que
Rubens alcanzará grandes éxitos en toda Europa. Los cuatro filósofos está en
sintonía con este trabajo." ARTEHISTORIA
En 1603 Rubens llega a Valladolid, ciudad en la que la Corte española se había instalado temporalmente, como enviado del duque de Mantua.
En este momento realiza uno de los mejores retratos que guarda el Museo del Prado, el del hombre más poderoso de España durante el reinado de Felipe III: el duque de Lerma. Don Francisco de Sandoval y Rojas monta un brioso caballo blanco; su mano derecha empuña el bastón de general y viste una armadura en la que destaca el collar de la Orden de Santiago.
Está de frente, apartándose del tradicional retrato ecuestre que había establecido Tiziano en el de Carlos V en Mühlberg, donde las figuras eran representadas de perfil.
La situación frontal marca el escorzo de caballo y caballero, permitiendo ver al fondo una escena de batalla ya que sitúa el horizonte muy bajo.
Aun siendo uno de los primeros retratos del maestro se pone ya de manifiesto su capacidad para penetrar en la personalidad de los modelos, mostrándonos el alma del personaje.
Concretamente aquí nos exhibe la altanería y el orgullo del valido, dando la impresión de arrollar al espectador al ser visto desde un ángulo bajo aprendido del Manierismo, por lo que se especula sobre un contacto entre Rubens y El Greco. Rubens inaugura un nuevo concepto de retrato que seguirán Van Dyck y Velázquez. Respecto al estilo, se observa el dibujismo característico de sus primeros años, con un detallismo maravilloso en la armadura o en los engarces del caballo.
Con esta obra el maestro se da a
conocer en España, donde sus pinturas gozarán de gran estima; de hecho, en
estos primeros momentos el propio duque de Lerma intentó retener al artista en
Valladolid, pero el pintor prefirió continuar su estancia en Mantua ya que
Italia le podía enseñar muchas más cosas. Existe un excelente dibujo preparatorio
de este retrato en el que se definen las líneas básicas de la composición.
Regresa a Italia a principios
de 1604.
"A lo largo de su etapa italiana, Rubens estuvo en varias ocasiones en Génova, interesándose por la renovación del retrato.
Génova era uno de los centro bancarios y comerciales más importantes de la época, gobernado por una oligarquía con la que el pintor flamenco estableció estrechas relaciones.
Entre los retratos pintados entre 1606-1607, el de la marquesa Brigida Spinola-Doria ocupa un lugar preferente. La modelo aparece en pie -el tercio inferior fue suprimido en el siglo XIX- vistiendo sus mejores y más elegantes galas, ante la estructura arquitectónica de su palacio.
Existe un boceto preparatorio en el que Rubens nos muestra con mayor amplitud el palacio ya que, durante su estancia en la capital de la república de Génova, se fascinó por los palacios que habitaba la nobleza, "muy hermosos y confortables" en palabras del propio pintor.
La balaustrada del boceto estaría presente en el cuadro definitivo pero éste también sufrió cortes en los laterales.
El retrato pudo realizarse con motivo del enlace matrimonial de la marquesa con Giacomo Massimiliano Doria, en julio de 1605.
Brigida aparece vestida a la española, con un vestido de satén bordado en plata y oro, sujetando en su mano derecha un abanico y adornando su cuello con una amplia gorguera, resbalando la luz por el elegante vestido.
Un cortinaje rojizo cuelga de la arquitectura para recortar el bello rostro de la dama, en el que podemos apreciar su captación psicológica, tomando como modelo a Tiziano, el gran maestro para Rubens.
Este tipo de retratos serán imitados
posteriormente por Van Dyck, tomándose como referencia por los maestros
británicos del siglo XVIII Reynolds y Gainsborough." ARTEHISTORIA
En el año 1608, el delicado estado de salud de su madre le obligó a
regresar a Amberes. Tras la muerte de su madre, se queda allí.
El 3 de octubre de 1609 se casó con Isabella Brant quien pertenecía a la alta burguesía de la ciudad.
En el año 109 pinta Autorretrato con Isabella Brant .
Rubens pintó este famoso retrato para celebrar el matrimonio con su primera esposa, Isabella Brant.
Aunque en el retrato parecen más o menos de la misma edad, Isabella tenía 18 años y Rubens, 32.
Están sentados en el campo, cobijados bajo una enorme mata de madreselva, una planta que simboliza el amor. Miran hacia nosotros para hacernos cómplices de su relación, con rostros amables que transmiten confianza.
La posición de sus cuerpos nos demuestra que es una pareja feliz y bien avenida. Están inclinados uno hacia el otro, formando un óvalo perfecto que se escora ligeramente hacia la derecha (en el barroco las diagonales son casi obligatorias).
En el centro de este óvalo están sus dos manos unidas, un gesto que simboliza su compromiso. No hay ningún elemento que aluda a la profesión del artista, que se presenta ante el mundo como un caballero, con espada incluida.
Las telas son puro lujo y
ostentación. Nos perdemos en los pliegues de la falda granate de Isabella, en
el dibujo de su corpiño de brocado, en los delicados encajes de los cuellos y
puños, en su elegante sombrero de paja forrado de terciopelo verde, en el
brillo de las medias naranjas de Rubens y en el efecto tornasolado de su
chaqueta.
Rubens era considerado el pintor más importante de Flandes y requerido como
pintor de corte del archiduque austriaco Alberto y de su esposa, la infanta
española Isabel, que gobernaban los Países Bajos como virreyes al servicio del
rey de España.
En el año 1609 trabaja como
pintor de la corte de los archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia en
Bruselas, y para el patriciado de Amberes, ciudad donde reside y donde
establece su estudio.
En el año 1609 pinta La Adoración de los Magos (Museo del Prado) para el Ayuntamiento de Amberes, el primero de muchos grandes encargos que recibirá de las principales instituciones de la ciudad.
La Adoración de los Magos es una de las mayores obras que guarda el Museo del Prado, siendo pintada por Rubens en dos partes claramente diferenciadas. El lienzo original, es decir, la zona de la izquierda que recoge la Adoración, fue encargada por uno de los magistrados de la ciudad de Amberes - llamado Nicolas Rockox- al maestro en 1609 para decorar el Salón de los Estados del Ayuntamiento.
Con motivo del viaje del marqués de Siete Iglesias, lugarteniente del todopoderoso valido español -Duque de Lerma- a Amberes en 1618 recibió como regalo esta Adoración, que fue ampliada en sus partes derecha y superior por Rubens durante su estancia en Madrid en 1628-1629.
Rubens fue un gran admirador del Renacimiento italiano, especialmente de la Escuela veneciana, donde buscó su fuente de inspiración.
Considerará a Tiziano como su "padre espiritual" pero también admirará las obras de Tintoretto y Veronés. Esta influencia veneciana es la que apreciamos en la parte inicial de la Adoración, en la izquierda.
El Niño es el foco del que parte la luz, iluminando los rostros de los Reyes Magos y sus correspondientes pajes.
La riqueza de las telas, la variedad del color y la cantidad de figuras existentes sorprende al espectador. Sin embargo, en la zona añadida en 1628 existe un evidente homenaje a Miguel Ángel en las figuras de los porteadores y de los jinetes sobre sus caballos.
En esta zona todo es escorzo y movimiento, que contrasta con la serenidad de la zona inicial. Las masas musculosas y en tensión son muy significativas del impacto que produjo en el maestro la contemplación de la Capilla Sixtina de Roma.
La zona superior, con los angelitos que van hacia el Niño, también es un añadido del año 1628.La atmósfera que ha obtenido el maestro con el juego de luces procedente de las antorchas, la riqueza de los paños de brillante colorido y la postura de las figuras, hacen de esta escena una clara representación de las Adoraciones del Barroco.
Otra de las cuestiones que causa mayor sorpresa al espectador es la inexistencia de un espacio vacío que nos permita apreciar alguna nota de paisaje. A pesar de estar la escena llena de figuras, Rubens ha sabido obtener el efecto de profundidad al colocar los personajes en diferentes planos, en un equilibrio de masas perfecto, que no provoca que una zona se recargue más que otra.
Hasta el propio artista no quiso perderse el acontecimiento y se
autorretrató en la zona derecha, sobre un caballo, de espaldas. Mención
especial merece el interés del maestro por captar la expresión de las figuras,
que parecen auténticos retratos, especialmente el pajecillo negro que sopla en
la zona izquierda de la composición.
En 1611 nace Clara Serena, su
primera hija y muere su hermano Filips Rubens, destacado filósofo neoestoico.
En el año 1614 nace Albert, su
primer hijo varón.
En 1616 Anton van Dyck entra
en el taller de Rubens, dando comienzo a una amplia colaboración.
En ese mismo año de 1616 pintó
El rapto de las hijas de Leucipo.
Se trata de un tema
mitológico, el rapto de las hijas de Leucipo por Cástor y Pólux.
Rubens realizó este lienzo
durante los primeros años de su trayectoria artística. Se sitúa en la
transición entre el clasicismo y el barroco. Mientras la composición es clásica
y equilibrada, el sentido de movimiento y dinamismo son característicos del
barroco.
Entre las obras mitológicas más importantes salidas del pincel de Rubens destaca el Rapto de las hijas de Leucipo, una de sus escenas más dramáticas y violentas, más barrocas.
Los hijos gemelos de Leda y Júpiter, Cástor y Polux, decidieron raptar, con ayuda de Cupido, a las hijas del rey de Mesenia, Leucipo, llamadas Hilaíra y Febe, que ya habían sido comprometidas a otros hermanos. Cástor y Polux son también conocidos como los "Dióscuros", hijos de Zeus, y en una de sus estatuas emplazada en el Quirinal de Roma se inspiró Rubens para realizar esta escena.
También tomó como referencia el Rapto de las Sabinas, grupo escultórico ejecutado por Juan de Bolonia en la plaza de la Signoria de Florencia.
Los Dióscuros eran excelentes jinetes por lo que el pintor flamenco los sitúa a caballo en el momento de perpetrar el rapto, reforzando la violencia con el caballo encabritado del fondo y la resistencia ejercida por Hilaíra y Febe, cuyos escorzados cuerpos parecen querer salir del lienzo.
Las figuras se estructuran en dos diagonales entrelazadas, ocupando buena parte del espacio pictórico y en forma compacta, incluyéndose dentro de un círculo muy definido. Su acentuado dinamismo refuerza el dramatismo de la escena, complementando las poses y los movimientos de los personajes. Incluso encontramos un atractivo contraste entre los cuerpos sonrosados de las mujeres y la piel tostada de los hombres, describiendo de manera espectacular la viveza de cada una de las anatomías, tomando como punto de partida las figuras de Miguel Angel.
Concretamente, la joven que alzan los dos hermanos está inspirada en la figura de la Noche de la tumba de Guiliano de Medicis -también se apunta al Laoconte, estatua helenística admirada especialmente por Rubens- mientras que la más cercana al espectador tiene como referencia a la Leda de Leda y el cisne, cuadro desaparecido de Miguel Angel que el propio Rubens copió en su estancia italiana.
Algunos especialistas consideran que en esta figura debemos encontrar un significado simbólico ya Cástor y Polux nacieron de la unión de Leda y Júpiter, convertido en cisne, por lo que ambos hechos se relacionan.
Los contrastes anteriormente aludidos continúan en las tonalidades de las telas o de los caballos, incluso en la pose de cada uno de los animales, uno encabritado y el otro más sereno.
Curiosamente, Cástor y Polux desposarán a las princesas y se comportarán como maridos modélicos, hecho que aquí el pintor simboliza en la presencia de Cupido sujetando las bridas del caballo. La pasión brutal es frenada por el amor.
También se ha querido ver en esta escena una ascensión del alma al cielo debido al movimiento ascendente que prima en la composición, movimiento que se refuerza por el empleo de una línea del horizonte tremendamente baja.
También se ha interpretado como una alegoría del
matrimonio o de la armonía conyugal e incluso como una alegoría política.
Independientemente de lo que quisiera tratar el maestro flamenco en la tela,
nos hallamos ante una de sus obras maestras en las que sintetiza su estilo,
convirtiéndose en el pintor más admirado de su tiempo. ARTEHISTORIA
En el año 1618 nace Nicolás, segundo
hijo varón del artista.
En 1620 recibe el encargo de
la decoración de la iglesia de los Jesuitas de Amberes, en la que Van Dyck
representa un papel destacado.
En el año 1621 María de
Médicis le encarga el ciclo de pinturas para su palacio de Luxemburgo en París.
Hacia 1622 inicia sus
actividades diplomáticas al servicio de la Monarquía Española.
Autorretrato. Galería Nacional Australiana
En el año 1623 pinta su
Autorretrato.
"Rubens siempre se autorretrata como un perfecto caballero, vistiendo elegantemente y con los elementos distintivos de su clase: el sombrero, la espada y exquisitos trajes.
La serie de autorretratos "caballerescos" se inicia en la década de 1620 y concluye con el majestuoso ejemplar que guarda el Kunsthistorisches Museum de Viena.
El lienzo de la National Gallery de Canberra es una réplica del pintado a petición del príncipe Carlos Estuardo de Inglaterra, conservado hoy en la Royal Collection de Windsor Castle.
El pintor se muestra casi de perfil, recortada su amplia figura ante un cielo de atardecer, predominando las tonalidades oscuras del traje. La intensa e inteligente mirada del pintor es el elemento primordial de la composición, dirigiéndose al espectador para afianzar su concepto del artista como miembro de la nobleza.
Este retrato fue regalado a
Peiresc, un humanista provenzal que Rubens había conocido en París, con el que
mantuvo una estrecha relación, tal y como se refleja en la abundante
correspondencia entre ambos, tratando especialmente asuntos alusivos a la
Antigüedad, sobre todo lo relacionado con joyas y gemas antiguas, llegando
incluso a proyectar la edición de un libro sobre este tema".
(Artehistoria)
En el año 1623 muere su hija
Clara Serena.
En 1624 a instancias de Isabel
Clara Eugenia, Felipe IV le otorga patente de nobleza.
En el año 1625 Isabel Clara Eugenia le encarga el diseño de
la serie de tapices sobre la Eucaristía para el convento de las Descalzas
Reales de Madrid.
En el año 1626 muere su esposa
Isabella Brant.
Entre los años 1628 y 1629 llega a Madrid como diplomático para informar al rey sobre el estado de las negociaciones de un tratado de paz con Inglaterra. Se instala en el Alcázar de Madrid, donde entra en contacto con Velázquez.
En este período copia
numerosas pinturas de Tiziano de la Colección Real. Retrata a Felipe IV a
caballo, cuadro hoy perdido que sustituye, en el salón más importante del
Alcázar, a otro retrato anterior de Velázquez.
Durante la estancia de Rubens en Madrid entre los meses de agosto de 1628 y abril del año siguiente sólo tenemos un encargo documentado; se trata del retrato ecuestre de Felipe IV, original que ha desaparecido pero que conocemos gracias a una buena copia.
El lienzo estaba destinado a decorar uno de los salones más importantes del Alcázar, haciendo pareja con el Carlos V en Mühlberg de Tiziano.Felipe IV aparece con el caballo en corveta, posición simbólica del dominio y el control sobre el Estado, vistiendo armadura y portando el cetro de mando y la banda de general.
Don Felipe se rodea de figuras alegóricas: la Fe, sosteniendo en su mano izquierda una cruz sobre el globo terráqueo y coronando con laurel al monarca como defensor de la Iglesia; otra figura femenina que presenta los atributos de Júpiter, el rayo y el águila que también simbolizan la dinastía Habsburgo. En la zona derecha de la composición se encuentra un paje que sostiene el casco del rey.
Al fondo podemos contemplar una vista del río Manzanares. El dinamismo que caracteriza la obra del maestro flamenco se manifiesta de manera clara, especialmente en las figuras alegóricas y los amorcillos que coronan al monarca, mientras que el caballo se estructura en una acentuada diagonal en profundidad.
El rostro se convierte en uno de los centros de atención, captando la personalidad del monarca, aunque no con la maestría de Velázquez.
El
éxito obtenido por Rubens con este trabajo le permitió realizar los retratos
ecuestres de Felipe II -en estas fechas- y del cardenal-infante
don Fernando, años después.
El 29 abril de 1629 deja Madrid con destino a Inglaterra.
En diciembre de 1630 se casó con la joven Helena Fourment, después de una viudez de cuatro años.
Entre los años 1630 y 1635
pinta Las tres Gracias.
Este es uno de los cuadros que mejor transmite el grado de felicidad y sensualidad que manifiestan muchas de las últimas pinturas de Rubens, habiéndose interpretado como un canto del artista al amor, la felicidad y el placer derivados de su matrimonio con la joven Helena Fourment, que tuvo lugar en diciembre de 1630.
Según diversas fuentes clásicas, las tres Gracias eran diosas nacidas de los amores de Zeus que pertenecían al séquito de Afrodita, y se asociaban con el amor, la belleza, la sexualidad y la fertilidad, entendidos como fuerzas generadoras de vida.
El
cuadro fue propiedad personal del artista hasta su muerte. En 1666 colgaba ya
del Alcázar de Madrid.
En el año 1632 nace su hija Clara Johanna.
En el año 1633 nace su hijo Frans.
En 1634 dirige la decoración a
base de arcos triunfales para la entrada en Amberes del nuevo gobernador de la
región, el cardenal infante Fernando de Austria, hermano del rey Felipe IV
En el año 1635 pinta Helena Fourment con su hijo Francis
En el año 1635 nace su hija Isabella Helena.
Ese mismo año adquiere Het
Steen, residencia señorial cerca de Malinas.
En el año 1636 comienza los diseños para el pabellón de caza
cercano a Madrid conocido como la Torre de la Parada, por encargo de Felipe IV.
Entre los retratos familiares más atractivos pintados por Rubens destaca el de su segunda esposa, Helene Fourment, y sus dos hijos: Clara Joanna (18-1-1632), de cuatro años, y Frans (12-7-1633), de dos años y medio.
El retrato está cargado de espontaneidad e intimidad, lo que aumenta el encanto de la obra. Rubens emplea una técnica muy suelta y viva, lo que convierte la composición en una especie de bosquejo a gran escala en el que sólo las cabezas de las tres figuras están plenamente modeladas, mientras el resto sólo queda sugerido.
La importancia otorgada a la luz y el color enlazan directamente con la escuela veneciana, cuyo máximo representante, Tiziano, era considerado por el maestro flamenco "su padre espiritual".
Las figuras visten de manera elegante, cubriendo sus cabezas con graciosos sombreros -Helene recuerda al retrato de su hermana titulado El sombrero de paja-. Frans mira hacia el espectador y juega con un pajarito, al igual que su hermano Nicolas en el retrato junto a Albert, mientras Clara recoge su falda entre las manos y dirige su mirada a la madre.
La postura de Helene sosteniendo en su regazo a su hijo ha sido interpretada como una Madonna profana.
Bajo la inacabada silla se aprecian los contornos de un perro adormilado, símbolo tradicional del matrimonio y de la fidelidad.
Se piensa que Rubens consideró ampliar la tabla
para incorporar al niño que Helene esperaba, Pieter Paul, nacido el 1 de marzo
de 1637.
En el año 1637 nace su último hijo, llamado Peter Paul. Trabaja en numerosos encargos para Felipe IV, que llega a ser el mayor coleccionista de su obra.
Paisaje de atardecer con ovejas -Museo: National Gallery de Londres
En el año 1638 pinta Paisaje de
atardecer con ovejas - 1638
"Tras regresar a Amberes de su misión diplomática por tierras inglesas y españolas, Rubens buscó la paz y la tranquilidad en su retiro del castillo de Steen. En este lugar realizó buena parte de su producción paisajística, donde podemos observar su interés por captar la naturaleza en todo su esplendor.
Esto no quiere decir que nos encontremos ante fieles transcripciones de lo que el pintor tiene ante sus ojos, ya que Rubens nunca pintó directamente del natural como harán los impresionistas en el siglo XIX, sino que él recreará el paisaje a su gusto para mostrar escenas de gran belleza.
La mayoría de los paisajes pintados en esta última década presentan similares características: amplia perspectiva, distribución del espacio en tres bandas paralelas, empleo de figurillas que otorgan mayor realismo a la composición, interés por efectos lumínicos.
En este caso nos encontramos con un rebaño de ovejas en primer plano, vigiladas por el pastor acompañado de su fiel perro guardián. Un río zigzagueante forma una diagonal en profundidad que nos conduce hacia el punto de fuga, en el que podemos observar los últimos rayos de sol.
El ambiente atmosférico y lumínico de estos paisajes parece transportar al espectador a las llanuras de Brabante que el pintor ha recogido en sus tablas. El Paisaje nocturno también comparte las mismas características." (Artehistoria)
También en el año 1638 pinta El Juicio
de Paris .
La rivalidad existente entre
las diosas Minerva, Venus y Juno por ser la más bella, tenía que ser resuelta
por Paris, que entregaría una manzana de oro con la inscripción "a la más
bella", a la diosa más bella.
Rubens plasma el momento en el
que Paris, hijo de Príamo, rey de Troya, toma la manzana que le da Mercurio,
mientras que las tres diosas intentan convencerle con diferentes ofrecimientos.
La elegida fue Venus, que
consiguió convencerle entregándole la mujer más hermosa del mundo, Helena (la
esposa de Menéalo), provocando así la Guerra de Troya.
Otras obras famosas son El
Descendimiento de la cruz, Los cuatro filósofos, el Triunfo de la Iglesia,
Danza de aldeanos o El desembarco de María de Médicis en el puerto de Marsella.
Su pintura ha ejercido enorme influencia en otros artistas como
Jean Antoine Watteau, Delacroix o Auguste Renoir.
Entre los años 1640 y 1645 Felipe IV adquiere de los herederos de Rubens cuadros que habían quedado en la colección del pintor tras su muerte, entre ellos San Jorge y el dragón, Las tres Gracias, y otros que forman parte de la colección del Museo del Prado.
CÓMO LO RECORDAMOS
Estatua de Rubens en la
Groenplaats con la catedral al fondo - SigridSpinnox.com
SELLOS
La Casa Museo de Rubens en Amberes. Foto: Dreamstime
FUENTES
http://www.arteespana.com
http://es.wikipedia.org/
http://www.biografiasyvidas.com/
http://www.museodelprado.es
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