EL PINTOR DE LOS
Puntos de Luz
De familia bastante acomodada, su padre era alguacil y su familia poseía una serie de tierras que generaban unos buenos ingresos.
Aquí conoce a Dember Eliezer, con el que mantuvo una estrecha amistad toda su vida.
A pesar de su buena voluntad, Georges no destaca por su talento artístico, obteniendo unos resultados mediocres.
La familia Seurat se mudó al
136 boulevard de Magenta (ahora 110 boulevard de Magenta) en 1862 o 1863.
Su padre, Antoine Chrysostome
Seurat, originario de Champaña , era un ex funcionario legal que se había
enriquecido especulando con propiedades, y su madre, Ernestine Faivre, era de
París.
Georges tenía un hermano,
Émile Augustin, y una hermana, Marie-Berthe, ambos mayores. Su padre vivía en
Le Raincy y visitaba a su esposa e hijos una vez por semana en el bulevar de
Magenta.
Georges Seurat estudió arte
por primera vez en la École Municipale de Sculpture et Dessin, cerca de la casa
de su familia en el bulevar Magenta, dirigida por el escultor Justin Lequien.
En 1878, se trasladó a la
École des Beaux-Arts, donde fue enseñado por Henri Lehmann , y siguió una
formación académica convencional, dibujando a partir de moldes de esculturas
antiguas y copiando dibujos de antiguos maestros.
Los estudios de Seurat dieron
como resultado una teoría de los contrastes bien meditada y fértil: teoría a la
que a partir de entonces estuvo sujeta toda su obra.
Su educación artística formal
llegó a su fin en noviembre de 1879, cuando dejó la École des Beaux-Arts para
realizar un año de servicio militar.
Después de un año en la
Academia Militar de Brest, regresó a París donde compartió estudio con su amigo
Aman-Jean , al mismo tiempo que alquilaba un pequeño apartamento en el número
16 de la rue de Chabrol.
Durante los dos años siguientes,
trabajó para dominar el arte del dibujo monocromático.
Su primera obra expuesta, en
el Salón de 1883, fue un dibujo a lápiz de Conté de Aman-Jean.
También estudió detenidamente
las obras de Eugène Delacroix , tomando notas sobre su uso del color.
Este era un tema reiterado por el impresionismo: los bañistas en una isla del Sena llamada la Grande Jatto, en Asnieres, cerca de París, que se vislumbra al fondo "con sus fábricas de altas chimeneas, en un domingo canicular (el título completo de la obra es precisamente
Ese cuadro fue uno de los primeros en experimentar a fondo con los avances del cromo-luminismo; como su nombre indica, esta técnica pretende resolver a través del color el problema de la luz en el cuadro, que a través del punteado minucioso destacaría con un brillo propio.
La composición recuerda el "Doux Pays" de Puvis de Chavannes y replantea su atmósfera plácida relajada.
Es prodigioso cómo Seurat logró conseguirla partiendo de una quincena de dibujos y otros tantos bocetos al óleo tras haber registrado el desorden de la vida cotidiana en sus cambiantes aspectos llega a la síntesis de realidad y fantasía, en un silencio inmóvil que remite la visión a la eternidad.
Seurat hizo una escrupulosa preparación de este lienzo -más de sesenta estudios- muchos de ellos de una vitalidad más vibrante que la de la obra
definitiva.
Los expertos creen que durante los dos años que duró el trabajo, el artista, tras haber establecido el planteamiento de conjunto, se ocupase al mismo tiempo de la fase preliminar y de la ejecución definitiva, tomando apuntes del natural por la mañana, para luego elaborarlos por la tarde, en algunos casos traduciéndolos sobre el lienzo.
El esquema compositivo resulta mucho más complejo y meditado que el de la “Baígnade", aunque sólo sea por la necesidad de insertar unas cuarenta figuras constituyendo un todo armónico con el paisaje.
En el tratamiento de los diversos elementos destacan algunos caracteres primordiales de Seurat:
* ambiente paisajístico bien dispuesto en un único plano perspectivo, con la gran masa transversal del río y el fondo plano del cielo, que exaltan su horizontalidad:
*figuras por lo general fijadas en el perfil absoluto y contrapuestas a otras decididamente frontales (incluso las de tres cuartos, que son pocas,( presentan zonas frontales o perfiladas), todas ellas cristalizadas en movimientos interrumpidos un instante antes de alcanzar su completa actuación; de ahí brota un estatismo riguroso, que se hace arcanamente melancólico por la presencia de varios personajes vistos de espaldas, mientras ciertas "formas" casi indescifrables por su síntesis exasperada, aportan ulteriores notas de misteriosa incertidumbre (así, la forma -¿acaso de mujer sentada?- situada entre el árbol y la pareja acurrucada bajo la sombrilla, a la derecha hacia la mitad de la altura; o la barquita con el pescador, algo más arriba; o, más arriba aún, el remolcador que parece hundirse entre el hombre de la trompeta y los dos soldados bolos ) .
Probablemente, en su origen este lienzo tenía las mismas dimensiones que la “Baígnade" y es posible que hacia 1887 se ampliara para acoger el marco pintado.
La técnica tiene algo de impresión japonés.
El cuadro "Las modelos" es un Óleo (200 x 249.9 cm.) Museo: Fundación Barnes, Philadelphia (Estados Unidos)
Las Modelos, obra del pintor francés Georges Pierre Seurat, realizada entre 1884 y 1886. Se encuentra en exhibición en la Barnes Foundation, Estados Unidos. Esta obra es representativa del estilo distintivo de Seurat, que incluye el uso innovador de la técnica del puntillismo, en la que pequeños puntos de color se combinan en la retina del espectador para crear tonos más intensos y luminosos.
Seurat decidió responder a los
críticos que decían que con su estilo de pintura no se podía pintar vida, ya
que era fría y carente de sentimiento.
Con este desnudo. Tres en
realidad, aunque de la misma modelo. Con estas tres poses de frente, de costado
y de espalda, con un género tradicional y académico como es el desnudo, con una
temática que alude a iconografías como las Tres Gracias, Seurat quiso dejar muy
claro que su famoso y criticado Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte
(que vemos al fondo a modo de auto-homenaje) era el camino que iba a seguir, no
le importaban mucho las críticas.
Seurat colocó sus modelos de
manera simultánea e ingeniosa con La Grande Jatte a la izquierda en la pared de
su estudio, lo que permite una comparación entre desnudos y vestidos entre
interiores y exteriores, entre la tradición pictórica del pasado y el futuro
tecnológico que se avecinaba. No se equivocó el pintor: gran parte de las
imágenes que vemos hoy en día es a través de píxeles, puntos de color que
mezclamos en nuestro cerebro.
En La parada (1888, Metropolitan Museum, Nueva York), Seurat representó un espacio nocturno iluminado por luz de gas, bajo una atmósfera densa y tenebrosa.
En esta ocasión las formas geométricas deshumanizan a los personajes, dotándolos de cierta rigidez arcaizante.
En general, su obra se caracteriza por sus figuras hieráticas que nos recuerdan, en cierto modo, la escultura egipcia y a Piero della Francesca.
Sus cuadros son un claro rechazo de la pintura de carácter
"romántico" cultivada por Manet, y su obra estableció las premisas de
lo que más tarde sería el fauvismo y el cubismo.
Nueva York, Seliglan
Óleo sobre tabla, 24x 15,3; h. 1889
Paris, Niarchos
Oleo sobre lienzo, 70 x 86,5
El marco aparece pintado sobre una primera capa más tenue.
En el desierto silencio del conjunto, algunos elementos —como las grandes masas redondeadas de las nubes y las estrías curvas sobre la arena— introducen unas directrices que contrastan con la regularidad de las líneas compo¬sitivas fundamentales.
Londres, Courtauld Institute Galleries- Óleo sobre lienzo, 94 x 79,5: firmado, 1889/90
En el lugar de la ventanita con el florero, el pintor en principio había realizado su único autorretrato; luego lo eliminó. porque hubiera podido suscitar algunos comentarios groseros
Tras la muerte de Seurat, Madeleine dio a luz a su segundo hijo, cuyo nombre es desconocido. Los dos niños murieron a la edad de 2 años
"Gravelines" es el nombre de una serie de pinturas del artista francés pintó en el año 1890.
Estas obras representan escenas costeras de la ciudad de Gravelines, ubicada en el norte de Francia. Seurat, conocido por ser uno de los fundadores del Neoimpresionismo y del Puntillismo, aplicó su distintiva técnica de pequeños puntos de color en estas pinturas para capturar la luz y la atmósfera del lugar.
Georges
Seurat, el canal en Gravelines, Noche 1890 Óleo sobre lienzo. Museo de Arte
Moderno de Nueva York, Estados Unidos.
Playa En El Gravelines 1890
Algunas de las obras de esta serie incluyen "El canal en
Gravelines" y "Paisaje marino (Gravelines)". Estas pinturas
reflejan la maestría de Seurat en el uso del color y la luz para crear
composiciones vibrantes y evocadoras
Can Can es una pintura
neoimpresionista fechada 1889-90. Fue la primera expuesta en el Salón de la
Société des Artistes Indépendants de 1890 (titulada Chahut, cat. no. 726) en
París. Chahut se convirtió en blanco de los críticos de arte, y fue ampliamente
debatida entre los críticos del simbolismo.
La pintura representa un
quadrille en el Moulin Rouge e influyó sobre los fauvistas, cubistas,
futuristas y orfistas.
Le Chahut es una pintura al óleo sobre lienzo que mide 170 por 141cm. Seurat empleó un estilo divisionista, con puntos de color puntillistas.
La obra está dominada por un esquema de color que tiende hacia el extremo rojo del espectro, de tonos tierra que se extraen de una paleta de marrones, tostados, grises cálidos y azules, intercalados no solo con los colores primarios (rojos y amarillos), ni siquiera con los seis colores principales, sino con dieciocho mezclas en su paleta antes de la aplicación en el lienzo (cualquiera de las cuales podría mezclarse con el blanco).
Un borde azul más profundo pintado alrededor del borde del lienzo
culmina en un arco poco profundo en el borde superior.
La pintura se divide en tres espacios principales.
Los músicos ocupan la sección inferior izquierda, uno de los cuales está ubicado en el centro, de espaldas al espectador, con el contrabajo erguido a la izquierda.
Una fila de bailarines, dos mujeres y dos hombres con las piernas levantadas, ocupan la parte superior derecha.
Se caracterizan por las curvas y la repetición rítmica, creando una sensación sintética de movimiento dinámico.
El fondo consta de adornos de iluminación estilo cabaret y algunos miembros del público sentados en la primera fila, con los ojos fijos en la actuación.
En la parte inferior derecha, otro cliente está
mirando de reojo, indicativo de deseo sexual o intención maliciosa y astuta; el
arquetipo de un voyeur masculino, a menudo retratado en ilustraciones
periodísticas de mediados de siglo del can-can
El Circo-
"El Circo" es una de
las pinturas notables de Georges Seurat, creada en 1891.
Es una obra maestra del neoimpresionismo que destaca por la meticulosa aplicación de la técnica puntillista.
En la pintura, se representa un circo en acción, capturando la emoción y la dinámica del espectáculo circense.
Seurat utiliza pequeños puntos
de colores puros, aplicados de manera ordenada, para crear una imagen vibrante
y detallada.
En la escena, los acróbatas realizan sus actos mientras el público observa desde las gradas.
La cuidadosa disposición de los puntos de colores da vida a cada figura y resalta la interacción entre la luz y la sombra.
La paleta de colores brillantes y la
yuxtaposición de tonos crean una sensación de luminosidad y movimiento,
características distintivas del estilo neoimpresionista.
A través de "El Circo", Seurat no solo demuestra su maestría técnica, sino también su habilidad para transmitir la atmósfera y la energía de un momento específico.
La obra refleja la influencia de la observación científica en la representación artística, una característica clave del enfoque puntillista de Seurat.
La combinación de colores es la clave. Seurat utiliza básicamente los tres colores primarios: rojo, amarillo y azul, que distribuye en pequeñas pinceladas (como podemos apreciar si nos acercamos al cuadro en el Museo d’Orsay, o si no es posible, en esta humilde web…)
Con todo esto, el artista
consigue dos espacios yuxtapuestos: el escenario y los artistas, de líneas
curvas, arabescos estilizados y dinámicas espirales; y las gradas, de líneas
rígidas, ortogonales, inmóviles.
Con esta pintura inacabada –
el pintor murió de difteria a los pocos días – Seurat vuelve a unir arte y
ciencia. Recordemos que en esa época la ciencia estaba viviendo un momento de
gran florecimiento que causaba furor pues también tenía mucho de espectáculo.
Seurat murió en París en casa
de sus padres el 29 de marzo de 1891 a la edad de 31 años.
La causa de su muerte es
incierta y se ha atribuido a una forma de meningitis, neumonía, angina
infecciosa y difteria.
Su hijo murió dos semanas
después por la misma enfermedad.
Su última obra ambiciosa, El
circo, quedó inacabada en el momento de su muerte.
El 30 de marzo de 1891 se
celebró un servicio conmemorativo en la iglesia de Saint-Vincent-de-Paul.
Su último trabajo ambicioso, "El circo", quedó incompleto.
Obras
Baño en Asnières (Une baignade à Asnières), 1884, National Gallery, Londres
Les Bords de Seine.
Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte (Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte), 1886, Art Institute, Chicago
Poseuse de face, 1887, Estudio para «Las modelos», Museo de Orsay, París
La Seine à la Grande-Jatte -1888- Museos reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas
El desfile del circo, 1888, MOMA, Nueva York
Las modelos (Les Poseuses), 1888, M.º de Orsay, París
La Manche à Gravelines -1890- MOMA de Indianápolis
El chahut (Le Chahut), 1890, K.-M., Otterloo
L'Île de la Grande Jatte, fue vendida en mayo de 1999 por la suma de 32,78 millones de euros.
La torre Eiffel
Periferia
El circo (Le Cirque), 1891, Museo de Orsay, París
https://www.nationalgallery.org.uk/
https://www.biografiasyvidas.com/
No hay comentarios:
Publicar un comentario