Blog de Arinda

OBJETIVO :En este Blog vas a encontrar mis producciones en pintura y escultura. Además, material recopilado a través de mi trabajo como maestra, directora e inspectora, que puede ser de interés para docentes y estudiantes magisteriales .

lunes, 3 de agosto de 2026

3 DE AGOSTO DE 1492 CRISTOBAL COLÓN PARTÍA DEL PUERTO DE PALOS

NAVEGANDO HACIA LO DESCONOCIDO PERO IMAGINADO

Puerto de Palos, pintura realizada por Evaristo Dominguez, se encuentra en el Ayuntamiento de Palos de la Frontera

El 3 de agosto de 1492, la expedición comandada por Cristóbal Colón, parte del Puerto de Palos de Moguer (hoy Huelva),  con tres naves armadas por los reyes católicos con el fin de encontrar una ruta a Las Indias. Las embarcaciones eran una nao, la Santa María, de 150 a 200 toneles, cuyo capitán era Cristóbal Colón, y el dueño y maestre Juan de la Cosa; La Pinta, carabela de 105 a 115 toneles, capitaneada por Martín Alonso Pinzón, y una segunda carabela, La Niña, dirigida por Vicente Yánez Pinzón. La tripulación estaba formada por unos 90 hombres en total y víveres para tres meses de navegación. El 2 de agosto de 1492 Cristóbal Colón mandó embarcar a toda su gente, y al día siguiente, antes de salir el sol, zarparon del Puerto de Palos. Este primer viaje de Colón culminó con el descubrimiento de una pequeña isla llamada por los indígenas Guanahaní, a la que Colón denominó San Salvador, el 12 de octubre de 1492. La isla donde desembarcó Cristóbal Colón pertenecía al territorio que más tarde se conocería como América.

 CRONOLOGÍA DE CRISTOBAL COLÓN



1451    Nace en Génova.
1469    Viaje por el Mediterráneo.
1476    Se establece en Portugal como agente comercial y realiza diversos viajes.
1477    Boda en Lisboa con Felipa Moniz.
1482    Propone a la corte portuguesa llegar a las Indias atravesando el Atlántico. Su plan es rechazado.
1485    Se traslada a vivir a España.
1486    Es recibido por los Reyes Católicos.
1491    Los Reyes Católicos se avienen a su proyecto.
1492    Zarpa del puerto de Palos. El 12 de octubre llega a las Bahamas, y más tarde a Cuba y Santo Domingo.
1493    Segundo viaje y fundación de La Española.
1498    Tercer viaje, partiendo de Sanlúcar de Barrameda, con seis carabelas. Descubre Trinidad y llega a tierra firme.
1500    Apresado en Santo Domingo por Bobadilla, es devuelto a España.
1502-1504    Cuarto y último viaje.
1506    Muere en Valladolid.  

 
 Para saber más haz clic aquí

12 DE OCTUBRE CRISTOBAL COLÓN DESEMBARCA EN AMÉRICA

http://arindabo.blogspot.com/2014/08/cristobal-colon-para-ninos.html

FUENTES
http://www.historyenespanol.com/
http://www.biografiasyvidas.com

3 DE AGOSTO DE 1811 NACÍA ELISHA GRAVES OTIS- BIOGRAFIA

 

Elisha Graves Otis : La revolución vertical, un inventor del siglo XIX que redefinió la vida urbana


Elisha Graves Otis nació el 3 de agosto de 1811 en Halifax, Vermont, Estados Unidos.

Fue el fundador de la empresa Otis Elevator Company. Fue un inventor estadounidense conocido principalmente por su invención del freno de seguridad para ascensores. Su invento revolucionó el diseño y la construcción de edificios de gran altura, permitiendo el desarrollo de rascacielos y transformando la arquitectura urbana moderna.

Elisha fue el cuarto de siete hijos en una familia de agricultores. Su padre, Stephen Otis, era un granjero y su madre, Nancy Graves Otis, cuidaba del hogar.

La familia vivió en condiciones modestas y Elisha recibió solo una educación básica.

Desde joven, Otis mostró habilidades mecánicas y un interés por la ingeniería. Trabajó en diversos oficios, incluyendo como carpintero y fabricante de muebles.

Durante su juventud, adquirió conocimientos prácticos que más tarde serían fundamentales en su carrera como inventor.

En la década de 1830, Otis comenzó a trabajar en la fabricación de ascensores.

Elisha Graves Otis se casó con Elizabeth Ellsworth en 1836, y juntos tuvieron dos hijos, Charles y Susan.

En 1851, mientras trabajaba como maestro mecánico para una empresa dedicada a la construcción de somieres para camas, observó que se debían elevar grandes piezas mecánicas con ayuda de polipastos.

En 1852, fundó su propia empresa en Yonkers, Nueva York. En ese momento, los ascensores eran dispositivos peligrosos y poco confiables, ya que no contaban con mecanismos de seguridad adecuados.

En 1852 ideó un dispositivo de seguridad que aseguraba la integridad de las piezas en caso de rotura de las cuerdas. A lo largo de la pared del hueco del elevador discurría una barra vertical dentada. En la parte superior de la cabina se sujeta un muelle de banda que, en caso de rotura de la cuerda, salta y clava sus extremos en la rueda dentada, deteniendo su caída.

Con su empresa la Otis Steam Elevator Company en Nueva York y montó el primer montacargas en un pequeño edificio en Yonkers el 20 de septiembre de 1853.

Primera demostración pública del ascensor (Nueva York, 1853)


Los contratos fueron escasos hasta que decidió hacer una demostración pública de su sistema de seguridad en el Palacio de Cristal neoyorquino, levantando a una gran distancia una plataforma y ordenando que cortaran la cadena que lo izaba. El éxito fue sonado.

En 1853, Otis presentó su freno de seguridad para ascensores en la Feria Mundial de Nueva York. Su invento consistía en un sistema de frenos que se activaba automáticamente si el cable del ascensor se rompía, evitando que la cabina se precipitara al suelo. Esta invención no solo mejoró la seguridad de los ascensores, sino que también permitió la construcción de edificios más altos y grandes.

La demostración pública del freno de seguridad de Otis tuvo lugar en 1854 en la tienda de venta de muebles de la empresa de Otis. Otis subió a un ascensor en un escenario y, en un acto sorprendente, cortó el cable que sostenía el ascensor.

El mecanismo de freno se activó automáticamente, deteniendo el descenso de la cabina y demostrando la efectividad del invento. Esta demostración fue un gran éxito y atrajo la atención de arquitectos e ingenieros.

Después de la exitosa demostración, Otis continuó desarrollando y perfeccionando su freno de seguridad. Su empresa creció rápidamente, y los ascensores equipados con su sistema de freno se instalaron en edificios de todo el país

Patente de Otis

En 1857, Otis recibió una patente por su invento, y su empresa se convirtió en la principal proveedora de ascensores en los Estados Unidos.

Almacenes E.V. Haughwout

En el año 1857, instaló el primer ascensor de pasajeros en los grandes almacenes E.V. Haughwout, de 5 pisos, en Nueva York, que funcionaba con una máquina de vapor.

La invención de Otis tuvo un impacto profundo en la arquitectura y la construcción.

El freno de seguridad permitió la construcción de rascacielos, ya que los arquitectos y constructores ahora podían diseñar edificios más altos con la seguridad de que los ascensores serían confiables.

Esto facilitó el crecimiento de las ciudades y el desarrollo de nuevas áreas urbanas.

Otis era conocido por su dedicación al trabajo y por su carácter íntegro. Sin embargo, en los últimos años de su vida, enfrentó problemas de salud.

Elisha Graves Otis murió el 8 de abril de 1861 a la edad de 49 años, en Yonkers, Nueva York.

Después de la muerte de Elisha en 1861, sus hijos, Charles y Norton, continuaron su actividad en la empresa Otis Brothers & Co.

A pesar de su prematura muerte, su legado perdura a través de su invento, que sigue siendo fundamental en la industria de la construcción.

 

HOMENAJES

No se encontraron referencias específicas en las fuentes consultadas sobre homenajes post mortem concretos dedicados a Elisha Graves Otis, como monumentos, museos o conmemoraciones oficiales para mantener vivo su recuerdo.

 Sin embargo, se sabe que su legado perdura principalmente a través de la gran influencia que tuvo su invento en la movilidad vertical y la arquitectura moderna, y mediante la empresa que fundó, Otis Elevator Company, que es un nombre emblemático mundialmente reconocido asociado a su invento y a la historia del ascensor seguro.

Es común que figuras históricas de esta importancia en la ingeniería y la industria sean reconocidas en museos de ciencias, en la historia de la ingeniería, y por la empresa que perpetúa su legado, aunque no se encontró un homenaje público o monumento destacado específicamente dedicado a Otis en las fuentes revisadas. 

 

LEGADO

El legado de Elisha Graves Otis que perdura hasta hoy es la invención del dispositivo de seguridad para elevadores, concretamente un freno automático que evita la caída del ascensor en caso de rotura del cable de suspensión. 

Este mecanismo revolucionó la movilidad vertical al hacer los ascensores seguros, lo cual posibilitó la construcción de edificios mucho más altos y transformó la arquitectura, la economía urbana y la vida moderna. 

Su invento permitió el desarrollo de los rascacielos y cambió radicalmente el crecimiento de las ciudades, haciendo posible la evolución de las urbes modernas como Nueva York y Chicago.

Elisha Otis presentó su invento en 1854 en la Feria Internacional de Nueva York, donde demostró públicamente la efectividad del freno de seguridad al cortar la cuerda que sostenía un ascensor en el que él mismo estaba subido, deteniendo la caída a pocos centímetros sin causar daños ni accidentes. 

Esto aumentó la confianza pública en los ascensores y fomentó su aceptación y uso masivo.

 Además, Otis fundó en 1853 la empresa Otis Elevator Company, que se convirtió en la compañía de ascensores más grande del mundo y continúa siendo sinónimo de innovación y seguridad en este sector hasta la actualidad, casi 170 años después. 

Su legado tecnológico y empresarial ha sido clave para la movilidad urbana y la expansión vertical de las ciudades

FUENTES

https://es.wikipedia.org/wiki/Elisha_Graves_Otis

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/o/otis_elisha.htm

https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/1861/Elisha%20Otis


El 3 DE AGOSTO DE 1910 NACÍA AMALIA NIETO - BIOGRAFIA

AMALIA NIETO : UNA  ARTISTA  PLÁSTICA  URUGUAYA


Amalia Nieto


Felisberto Hernández y Amalia Nieto, algo más que una relación epistolar

María Amalia Nieto Perichón nace en Montevideo el 3 de agosto de 1910. 

Fue una pintora, pintora, grabadora y escultora uruguaya de larga trayectoria, integrante de la Asociación de Arte Constructivo liderada por  Joaquín Torres García y creadora de un estilo propio que la destaca en el arte uruguayo del siglo XX.

Su padre fue el Dr Manuel Benito Nieto, destacado médico, pionero en cirugía cardíaca y por entonces Director del Hospital Maciel. Su madre, también uruguaya, fue Angela Perichón. Amalia Nieto es la segunda de tres hermanos; María Dolores que se dedicará al magisterio y Jorge a la pintura, con lucida trayectoria.

Desde muy pequeña Amalia Nieto manifiesta su gusto por la plástica, siendo muy apoyada por su familia.

En el año 1925 pinta los óleos "La estación de tranvías de Pocitos" y paisajes de Colonia Suiza. 

 Amalia Nieto ingresó en 1925 al Círculo de Bellas Artes en Montevideo, donde estudió pintura con el profesor Domingo Bazzurro.

Durante ese tiempo, entre sus condiscípulos se encontraban Héctor Sgarbi, Carbajal Victorica, María Rosa de Ferrari, Lola Lecour, y los hermanos Soledad y Luis Fayol, formando parte de una generación de artistas en formación en ese centro de estudios.

En el año 1928, Amalia Nieto participó en el VII Salón de Primavera organizado por el Círculo de Bellas Artes en Montevideo.
 Esta participación fue uno de sus primeros pasos públicos en el circuito artístico local.

La muestra organizada por el Círculo constituyó un espacio relevante para que Nieto mostrara sus obras y se insertara en el ambiente artístico de su época, junto a otros artistas de su generación.

Este VII Salón de Primavera fue una plataforma importante que introdujo a Amalia Nieto en el panorama artístico nacional, marcando un paso previo a su evolución hacia el constructivismo y a su posterior consolidación como una de las figuras destacadas del arte uruguayo en el siglo XX.


Academia de André Lothe

Academia de la Grande Chaumiere

  
 La Sorbonna

En el año 1929, emprende su primer viaje de estudios a Europa, estimulada por sus padres que le brindan los medios económicos para hacerlo. 

En los tres años de su estadía, asiste en Paris a la Academia de André Lothe, a la Academia de la Grande Chaumiere, estudia Historia del Arte en la Sorbonna y se familiariza con una época rica en corrientes artísticas que no habían llegado a Montevideo.


 Pedro Figari en su taller de Paris

En 1932, Amalia Nieto visitó a Pedro Figari en su taller en París, donde le mostró algunas de sus pinturas.

Durante esta visita, Figari le sugirió que realizara obras en el soporte de cartón-paja, medio que él utilizaba con frecuencia; de esa etapa surge la obra "Arlequines", que es la única que realizó en ese material.

Esta experiencia constituyó un encuentro significativo con uno de los grandes referentes del arte uruguayo, influyendo en su práctica pictórica.

Posteriormente, tras esta visita, Amalia Nieto regresó a Montevideo, donde en ese mismo año realizó su primera exposición individual, marcando un paso importante en su carrera artística.

Este periodo de formación y contacto con figuras clave como Figari y luego Joaquín Torres García fue crucial para la consolidación de su trayectoria dentro del arte moderno uruguayo.

Al regreso a Montevideo, Amalia Nieto realiza su primera exposición individual, exhibiendo 23 obras en el Salón Moretti y Catelli. Da clases de plástica en el Liceo Francés, donde además completa su bachillerato. 
Comienza a frecuentar las tertulias en casa de los Dres. Alfredo y Esther de Cáceres.

En el año 1934, con el regreso de Joaquín Torres García a Montevideo, Amalia Nieto formó parte de un grupo que colaboró activamente para que la labor del maestro pudiera concretarse. 

Este grupo organizaba reuniones en la casa paterna de Amalia, ubicada en la calle Victoria casi Colonia, que funcionaban como un espacio de difusión y estudio de la teoría constructiva propuesta por Torres García.

 Nieto no solo apoyó la difusión de esta teoría, sino que también mantuvo un vínculo cercano con Torres García como discípula, asistiendo a su taller y participando en la labor que parecía vital para el desarrollo del arte moderno en Uruguay. 

Su adhesión a la teoría constructiva y su rol en la organización de estas reuniones la convirtieron en una colaboradora clave para el movimiento artístico emergente.


Milo Beretta 

En 1935 es miembro de la Asociación de Arte Constructivo creada por Joaquín Torres García. Conoce en el taller de Milo Beretta la pinacoteca que éste ha formado. Beretta visita a Amalia Nieto por temas relacionados con el movimiento constructivista y le cuenta que está llevando un diario con anécdotas referidas a gente del ambiente artístico que ellos frecuentan.

En el año 1936 participa con obra en la exposición-venta de Artes Plásticas a beneficio de los intelectuales españoles en el Ateneo de Montevideo, donde también habrá obra de Del Prete, Michelena, Barradas, Arden Quin, Rosa Acle, Augusto y Horacio Torres. En mayo realiza una muestra de sus pinturas constructivas en Amigos del Arte cuyo catálogo será prologado por J. Torres García.

PASEO FAMILIAR. Felisberto Hernández, Amalia Nieto y su hija Ana María Hernández caminan de la mano por las calles de Buenos Aires, en 1941.

En 1937 se casa con Felisberto Hernández a quien conoció en casa de amigos comunes: los Cáceres. Acompaña a su esposo en las giras por el interior del país . 
Presenta obra en el 1 Salón Nacional de Artes Plásticas. Publica en la página "Para luego" de El Plata, dos extensas notas sobre el arte constructivo en la obra de Torres García. Es comentarista de CX 48 Radio Femenina.

En el año 1938 nació su hija Ana María.

En 1939 se presenta al 11 Salón Nacional de Artes Plásticas. Realiza otra muestra individual en Amigos del Arte.

En el año 1940 muere Manuel Benito Nieto.

En 1941 Amalia Nieto se desvincula del Taller Torres, pero no de Torres y su familia con quienes mantiene prolongada amistad.
Felisberto Hernández está de gira de conciertos en la Argentina, y el intercambio de cartas tendrá la particularidad de contener dibujos de interés en cuanto a la evolución estética de la pintora. Obtiene Mención Medalla de Bronce en el V Salón Nacional de Artes Plásticas.

En el año 1942 realiza las primeras ilustraciones para publicaciones de poemas de Carlos Rodríguez Pintos, un género que continuará practicando en los años siguientes.

En 1943 obtiene la Mención Cámara de Senadores en el Salón Nacional. Finaliza su relación con Felisberto Hernández.

En el año 1944 recibe el Premio Alejandro Gallinal en el VII Salón Nacional de Artes Plásticas.

En 1945 entabla amistad con Adolfo Pastor cuya obra marcará el quehacer dibujístico de Amalia Nieto en los años siguientes.

En el año 1946 le es otorgado el Premio Especial Ilustración en el IX Salón Nacional de Dibujo y Grabado. Comienza su actividad en el Museo de la Intendencia Municipal de Montevideo, que más tarde dirigirá. Expone en Arte Bella.

El 28 de julio de 
1949  se realiza la retrospectiva de Torres García en Amigos del Arte, ocasión en que disertan la poetisa Susana Soca, el Prof. Julio Payró y el escritor José Bergamín, presentados por Amalia Nieto. Aunque estaba muy enfermo, Torres García asiste a la exposición.

En el año 1951 tiene a su cargo el Museo Circulante de la IMM. Es becada por la Institución para estudiar Museografía en Francia. Comienza a pintar su serie de calles de París.

En 1952 obtiene 2do Premio Dibujo en el XV Salón Nacional de Artes Plásticas.

En el año 1954 obtiene la Beca Gallinal para Profesores de Enseñanza Media
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Ronda en Silencio- Amalia Nieto

En 1955 parte a París con su hija. Asiste a los cursos de mosaico ravenés que dicta Gino Severini en París, al que también asiste Miguel Angel Pareja. Continúa su serie de calles de París.

En el año 1956 estudia grabado con J.Friediander.

En 1957 integra el Envío uruguayo a la III Bienal de San Pablo en la que obtiene una Mención.

En el año 1960 recibe el Premio Cámara de Representantes en el XXIV Salón Nacional.

 Ese mismo año expone en Arte Bella su serie de óleos diluidos conocidos como "piedras y frutos" y las "expansiones". 

También expone en la Muestra Internacional de Punta del Este junto a plásticos nacionales, argentinos y brasileros.

En el año 1961 es premiada en el XXV Salón Nacional

En 1963, Amalia Nieto inició su conocida serie de búhos, que se convirtió en un tema recurrente y significativo dentro de su obra. 

Durante ese año, además de comenzar esta serie, expuso en varias muestras colectivas, mostrando su trabajo dentro del circuito artístico activo y participativo de Uruguay y el exterior.

La serie de búhos se destaca como una de las más representativas junto a otras como "Calles de París" y "Naturalezas muertas mentales". 

Esta última serie, que comenzó a evolucionar más adelante en su carrera, introduce una exploración progresiva del espacio y la tercera dimensión en la pintura. 

Sin embargo, la serie de búhos marca un momento relevante en su producción pictórica en la década de 1960, consolidando su lenguaje y estilo personal.


La Luna en la Plaza (1959) Amalia Nieto. Óleo sobre tela 79 x 91 cms. Museo Nacional de Artes Visuales.

Al año siguiente de iniciar la serie, en 1964, Nieto recibió importantes reconocimientos como el Primer Premio de Pintura y la Medalla de Oro en el XXVIII Salón Nacional de Artes Plásticas.

También participa en la Bienal Americana de Arte en la Ciudad de Córdoba

En noviembre de ese mismo año de1964 expuso en el Instituto General Electric con una muestra de "búhos de color", lo que evidencia la continuidad y visibilidad de esta serie en su carrera.

En el año 1966 visita Museos, Centros de Cultura y Enseñanza de Europa y Estados Unidos.
 

En 1967 obtiene el Gran Premio Pintura en el XXXI Salón Nacional de Artes Plásticas.
 

En el año 1968 le es otorgado el premio Adquisición en el XXXII Salón Nacional. Su pintura cambia totalmente entrando en una decidida abstracción con predominio de formas elipsoidales y de sólidos elementales, el color se vuelve plano y cambia el óleo por el acrílico.
 

En 1969 participa en la Primera Bienal de Escultura al aire libre, que se realiza en el Parque Roosevelt. Gana el Gran Premio Escultura en el XXXIII Salón Nacional.

AMALIA NIETO - NATURALEZA MUERTA NOCTURNA - Acrílico sobre fibra


En junio del año 1970  expone individuamente en Galería Brela sus búhos y en octubre en Galería Losada sus palomas.
 

En el año 1972 Expone en Galería Brela.
 

En 1973 inicia su labor docente en el Círculo de Bellas Artes.
 
En el año 1974, Amalia Nieto realizó una visita a España. Este viaje se dio en un contexto en que ella ya estaba consolidada como una artista reconocida dentro del arte uruguayo moderno y continuaba en una etapa de producción activa que incluiría la exploración creciente de la tercera dimensión en su pintura.

La visita a España se enmarca en una década en la que Nieto también participaba en exposiciones y en el desarrollo de nuevas series pictóricas que reflejaban su madurez artística.

 

En 1975 en su pintura se instala la tercera dimensión mediante la sugerencia de una situación espacial en la que se ubican objetos simples y su sombra. 

En febrero exhibe esta nueva serie en el Centro de Artes y Letras de Punta del Este.
 

En el año 1976 participa en una muestra colectiva en la Galería Karien Gugelmeier
 

En 1977, Amalia Nieto realizó un viaje a Alemania.

Este desplazamiento se enmarca en un período activo de su carrera artística, después de su visita a España en 1974 y antes de sus exposiciones significativas en Uruguay, como la muestra en la Galería Bruzzone en 1978 donde presentó sus "Naturalezas Muertas" abstractas que sugieren la tercera dimensión.

Aunque no se disponen de detalles específicos públicos acerca de las actividades concretas que llevó a cabo durante su estancia en Alemania, este viaje formó parte de su trayectoria internacional y contribuyó a su diálogo con el arte contemporáneo fuera de Uruguay. 

 

 En julio de 
1978 expone en Galería Bruzzone sus Naturalezas Muertas abstractas de sugerida tercera dimensión. 

Envía obra a la Fundación Joan Miró Barcelona.

AMALIA NIETO - 1910-2003- AL RINCÓN - Acrílico y tinta sobre papel-


En el año 1979 participa de la muestra colectiva "La mujer en la plástica uruguaya" en el Centro de Artes y Letras en Punta del Este.
 
En 1980 es premiada en el Concurso de Dibujo del Banco República. 

Ese año también es invitada a participar en la Bienal Nacional del Deporte en las Artes Plásticas, en el Subte Municipal, en noviembre.
 
En el año 1984 obtiene una Mención de Honor en el Concurso de Arte Nacional organizado por el Banco Interamericano de Desarrollo.
 
En 1988 luego de un período de desánimo, exhibe en mayo su obra de la década del 50 al 60 en la Sala de la Cátedra Alicia Goyena y en julio la obra de 1960 a 1 988, en la Sala Vaz Ferreira. 

En la pintura de este último período la tercera dimensión va perdiendo profundidad y los temas son bolos o balaustres. 

Es invitada por el jurado del XXXVI Salón Municipal de Artes Plásticas a exponer junto a Vicente Martín y Manuel Espínola Gómez.

Amalia Nieto. Ilustración de Petruchka de Strawinsky en concierto de Felisberto.



En el año1989 la tercera dimensión desaparece y se consolida la frontalidad dando lugar a la serie que la autora llama Naturalezas Muertas Mentales y que expone en junio en la Embajada de Uruguay en la Argentina. 

Es seleccionada por AICA-Uruguay para integrar la muestra de lo mejor del año1988. Participa de la muestra del Concurso del NMB Bank en el Museo Nacional de Artes Visuales.
 

En mayo de 1991 expone una variante de sus naturalezas muertas en la Galería Montevideo; los objetos tienen más cuerpo, se compactan en número impar y el ¡cono humanizado que representan, operará como transición temática hacia las series siguientes. 

Es la ganadora del concurso de pintura de la Caja Notarial. Integra la muestra colectiva "Circle and Square, Geometrie, Abstraction and Constructivisme in the Americas", en Kouros Gallery, N.Y.. Participa en la muestra "La Escuela del Sur, el Taller Torres y su legado" en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid y que luego ¡tinerará hasta 1993 por los Estados Unidos y Méjico.

AMALIA NIETO -BODEGÓN

En el año 1993 es invitada por la American University College of Arts and Sciences a exponer en Washington, en la Embajada uruguaya, en ocasión del homenaje a Felisberto Hernández.

En 1994 el ícono que se venía anunciando en obras anteriores se define claramente como figura humana, pero no abandonará las naturalezas muertas que continúa pintando con los arquetípicos objetos-hombre.

En febrero de ese mismo año recibe copia de las páginas en que Beretta refiere a Amalia Nieto y su pintura.

En el año 1995 es invitada a participar en el Concurso Premio Figari. 
En diciembre se realiza la retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Artes Visuales.

Falleció en Montevideo, el 7 de febrero de 2003.

Su muerte cerró una vida dedicada intensamente a las artes visuales, manteniéndose activa en la pintura hasta los últimos años de su vida, a pesar de ciertas dificultades de salud. 

Su obra ha sido objeto de múltiples homenajes póstumos y sigue siendo muy valorada en Uruguay, como evidencia su prolongada presencia en exposiciones, museos y referencias académicas.

Su fallecimiento en 2003 supuso la pérdida de una de las figuras más emblemáticas del arte moderno uruguayo, pero su legado continúa vigente a través de sus obras y la memoria institucional que la recuerda y celebra en exposiciones y publicaciones dedicadas a su carrera.

HOMENAJES

Los homenajes post mortem más destacados que se le han dedicado a Amalia Nieto para mantener vivo su recuerdo incluyen:

 En 1995, el Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV) de Montevideo le realizó una retrospectiva que abarcó sus 70 años de pintura, convirtiéndola en la primera artista mujer en exponer individualmente en esa institución, un reconocimiento muy significativo en Uruguay.

 En el año 2009, el Centro Cultural de España en Montevideo organizó la muestra "Amalia Nieto: Cartas a Felisberto", exhibiendo dibujos en tinta china y acuarela que ilustraron las cartas que le enviaba a su esposo Felisberto Hernández, resaltando su faceta de ilustradora y su legado personal.

El MNAV celebra regularmente su obra con exposiciones que reúnen sus pinturas, esculturas, documentación personal y trabajo gráfico, destacando series conocidas como "Calles de París" y "Naturalezas Muertas Mentales".

 Participó en exposiciones benéficas durante su vida, como la dedicada a intelectuales españoles en Montevideo en 1936, que también constituyó un acto de compromiso cultural y social.

 En distintos premios nacionales e internacionales recibió distinciones, y tras su fallecimiento su obra y figura han sido reivindicadas como una de las aportantes más importantes a la historia del arte uruguayo del siglo XX, rescatando su papel más allá de su relación con personajes como Felisberto Hernández o Joaquín Torres García.

Estos actos y exposiciones contribuyen a mantener vivo el recuerdo y legado artístico de Amalia Nieto en Uruguay.


LEGADO 

El legado literario de Amalia Nieto, aunque principalmente reconocida por su trabajo en las artes plásticas, también ha dejado una huella notable en la literatura uruguaya a través de varias vías que perduran hasta hoy:

 

Cartas ilustradas y vínculo epistolar:

Su papel como destinataria y musa en el epistolario de Felisberto Hernández ha sido fundamental. La correspondencia que Felisberto mantuvo con Amalia, con ilustraciones propias de Nieto, es considerada clave para entender el proceso creativo y la transición de Hernández de músico a escritor.

 Estas cartas, ricas en introspección y sensibilidad, son un testimonio literario de un período vital de la literatura uruguaya, y han sido destacadas y expuestas en diferentes muestras artísticas y literarias.

 

Ilustración de libros y trabajo gráfico:

Amalia Nieto realizó ilustraciones para libros de destacados autores (incluido el poeta francés Paul Valéry), aportando así un diálogo entre plástica y literatura.

Su trazo delicado y sus imágenes acompañaron y enriquecieron textos literarios, trascendiendo lo visual para sumar sentido e interpretación a la palabra escrita.

 

Arte y literatura en frontera:

Nieto no sólo acompañó a escritores y poetas ilustres, sino que también incursionó en la dramaturgia y la escenografía.

Escribió y diseñó escenografías de obras de teatro propias, borrando las fronteras entre la palabra, la imagen y la performance, y enriqueciendo así el panorama literario desde una visión transdisciplinar.

 

Inspiración y mecenas indirecta:

Acompañó y promovió carreras literarias, especialmente la de Felisberto Hernández, a quien le ofreció un entorno de diálogo y apoyo intelectual que facilitó su consolidación como escritor internacionalmente valorado.

 Hoy, todo este legado se mantiene vivo en las reediciones de las cartas e ilustraciones, en exposiciones donde se rescatan sus aportes literarios y en los estudios académicos que revisan el cruce entre literatura y artes visuales en Uruguay.

Nieto representa una figura puente entre la plástica y la literatura, cuya influencia se reconoce tanto en la memoria cultural uruguaya como en la investigación contemporánea.

Fuente:

https://es.wikipedia.org/

https://redhistoria.com/

https://mujeresquehacenlahistoria.blogspot.com/

https://mujeresquehacenlahistoria.blogspot.com/

http://uruguayeduca.anep.edu.uy/

https://www.buscabiografias.com/

domingo, 2 de agosto de 2026

EL 2 DE AGOSTO DE 1834 NACÍA FRÉDÉRIC AUGUSTE BARTHOLDI - BIOGRAFIA

FRÉDERIC AUGUSTE BARTHOLDI : EL CREADOR DE LA ESTATUA DE LA LIBERTAD



Frédéric Auguste Bartholdi,  también conocido por el sobrenombre de Amilcar Hasenfratz,  nació el 2 de agosto de 1834 en Colmar, una ciudad y comuna en el departamento del Alto Rin, región de Alsacia, Francia. 

Fue un escultor alsaciano, conocido especialmente por ser el autor de la célebre Estatua de la Libertad, regalo de Francia a los Estados Unidos, que está situada en la entrada del puerto de Nueva York, así como del monumental León de Belfort, esculpido en un acantilado para celebrar la heroica resistencia de la ciudad en el asedio de 1870-71 durante la Guerra Franco-Prusiana.

Colmar, su ciudad de origen, conserva muchos rastros de su actividad profesional.

Augusta Charlotte

Auguste Bartholdi creció dentro de una familia próspera de la Renania alemana. 
Su padre, Jean-Charles Bartholdi,  fue consejero de prefectura, heredero de la riqueza familiar con muchas propiedades que le aseguraron un buen nivel de vida.
Su madre, Augusta Charlotte, nacida Beysser, era hija de un alcalde de Ribeauvillé.
La familia tuvo cuatro hijos, pero sólo sobrevivió el mayor, Jean-Charles, futuro abogado y editor y el menor, Auguste.




A la muerte del padre, en 1836, Frédéric Auguste sólo tenía 2 años. Su madre se trasladó a París, a la Calle de los Comerciantes, N°30. Esta dirección es ahora el Museo Bartholdi. Su madre administró la fortuna de su marido con inteligencia, permitiendo a sus hijos disfrutar de una buena situación económica.

Auguste estudió en el Lycée Louis-le-Grand, donde obtuvo su licenciatura en 1852, luego ingresó en la École Nationale des Beaux-Arts, donde estudió arquitectura.

Inició sus estudios artísticos como pintor, con Ary Scheffer, el famoso retratista de la alta sociedad parisina, como maestro. 

Pronto abandonó la pintura para interesarse por la escultura, influido por Jean Francois Soitoux, trabajando en una escala colosal y sintiéndose atraído por los efectos arquitectónicos.

A los 20 años realizó un largo y memorable viaje por Egipto, Oriente Medio y Yemen, efectuado entre 1855 y 1856, en compañía de sus amigos y estetas, Jean-Léon Gérôme, Édouard-August Imer y Léon Belly.

Tan impresionado quedó por el arte de la civilización egipcia, las ruinas y los colosales monumentos, que marcó su posterior evolución técnica y artística, al tiempo que confirmaba su vocación netamente escultórica. Muy probablemente tenga origen en este periplo orientalista ese exótico pseudónimo que en ocasiones adoptaría: "Amilcar Hasenfratz".
Aprovechó la oportunidad para traer una gran cantidad de ideas de este viaje a través de muchas fotos, dibujos, grabados o en Francia.

El artista en su estudio de París.Servicio de Parques Nacionales, Monumento Nacional de la Estatua de la Libertad


Su consagración como artista tuvo lugar con la presentación, en la Exposición Universal de París de 1855, de la escultura del general Jean Rapp y que posteriormente sería trasladada a Colmar, de donde también era nativo este héroe de las guerras napoleónicas

  

 Estatua del general Rapp.


En 1856 recibió su primer pedido importante de trabajo a través de su ciudad natal, Colmar, que propone llevar a cabo una estatua del general Rapp.





Torre de agua de Marsella

En el año 1857, hizo planes para el complejo arquitectónico del Palais Longchamp en Marsella.
La ciudad de Marsella, construida en el siglo xix, para hacer frente a la falta de agua que se manifestaba cada vez más con el desarrollo de la planificación urbana construyó el canal de Marsella que llevaba el agua del Durance. 

La ley del 4 de julio de 1838 otorga a la ciudad una autorización de desvío

El proyecto era tanto más urgente cuanto que Marsella había sufrido en la primavera / verano de 1834 una terrible sequía seguida en septiembre por lluvias torrenciales. Las inundaciones debidas al desbordamiento de Jarret y Huveaune habían provocado 2 epidemias de cólera  : 865 muertes a finales de 1834 y 2.576 muertes en julio de 1835. 

Ya en 1839, cuando las obras del canal apenas habían comenzado con la inauguración de la galería Taillades, el municipio tenía previsto construir en Marsella, en la meseta de Longchamp, una torre de agua para celebrar la llegada de las aguas del Durance en la finalización de el canal. 

A principios de 1859, el alcalde de Marsella, Jean-François Honnorat , pidió al escultor Auguste Bartholdi que realizara un proyecto para una torre de agua. 

Bartholdi solo pensó en una fuente monumental al principio. Tras varias entrevistas con el ayuntamiento, asocia un museo dividido en dos cuerpos aislados con una torre de agua central. Presenta un tercer proyecto conectando los edificios mediante una vasta galería que tiene su entrada en el eje del monumento. 

Ante las vacilaciones de varios de sus miembros, el ayuntamiento recurrió a un comité formado por especialistas para juzgar este proyecto: Henri Labrouste y Léon Vaudoyer , inspectores generales de edificios diocesanos, y Victor Baltard , arquitecto de la ciudad de París . Esta comisión critica el proyecto que no será seleccionado.

 La ciudad de Marsella paga sus cuotas a Bartholdi y se dirige a Espérandieu en 1861. 

Las primeras afirmaciones de Bartholdi se remontan a 1863, afirmando que la columnata semicircular es su invención. También sostiene que el proyecto propuesto al municipio era de su propiedad porque el pueblo al pagarle sus cuotas no se convirtió en dueño de los planos. Siguió un juicio, pero el tribunal de primera instancia de Marsella destituyó a Bartholdi. Después de la inauguración del Palacio de Longchamp, Bartholdi pidió que se inscribiera su nombre en la torre de agua, lo que fue rechazado. Demostrando gran perseverancia, en 1901 interpuso otra demanda en la ciudad, sin éxito, luego apeló al Tribunal de Apelación de Aix, que lo condenó a una multa y al pago de costas.

1857: medallón funerario de Jean-Daniel Hanhart, Colmar


Monumento dedicado a Martin Schongauer


En 1863 realizó para  Colmar otro monumento dedicado a Martin Schongauer.

En 1864, fue nombrado caballero de la Legión de honor, dirige la fuente dedicada al Almirante Bruat, también en Colmar.

 En 1865 participó en la famosa comida ofrecida por Edouard de Laboulaye, americanophile republicano convencido,comida durante la cual se emitió la idea de ofrecer a la joven nación de Estados Unidos una estatua colosal para sellar la Amistad franca-americano.

En el año 1866 , él hizo un busto de Laboulaye, su amigo.

"Champollion"

 "Champollion" es una escultura de yeso creada por Frédéric Auguste Bartholdi en 1867. La escultura mide 200x70 cm y tiene un grosor de 70 cm. Se encuentra en el Museo de Grenoble.
. Jean-François Champollion, también conocido como Champollion le jeune, fue un erudito, filólogo y orientalista francés conocido por descifrar los jeroglíficos egipcios y fundar el campo de la egiptología
En 1867 fue la ciudad de Corte, en Córcega, que le pide una estatua de general Arrighi de Casanova.

En 1869 hizo un segundo viaje a Egipto, uno específicamente para proponer la construcción de una estatua gigantesca de una mujer sosteniendo una antorcha, para colocarse en la entrada del canal de Suez (una creación de la ingeniería francesa), y que sería "El Oriente iluminando al mundo". Pero este proyecto fue rechazado por el Khedive de Egipto Ismail Pasha, por falta de financiación para este tipo de trabajo. 

 En Francia continuó la estatuaria de su ciudad natal y por lo tanto, la estatua de la enóloga pequeña, en Colmar.


 
El León de Beltford


Durante la Guerra Franco-Prusiana de 1870, fue jefe de escuadrón de los guardias nacionales y actuó como edecán del general Giuseppe Garibaldi y enlace del gobierno, particularmente encargado de ocuparse de las necesidades del ejército de los Vosgos. 
Participó activamente en la Guerra Franco-Prusiana, organizando la Guardia Nacional en Colmar. 
Los efectos de la guerra serán notorios en la obra de Bartholdi, convirtiéndose en un artista de marcado nacionalismo. 

Entre los trabajos de esta época encontramos el León de Beltford, colosal estatua excavada en la ladera de una montaña y levantada en homenaje a los defensores de la ciudad durante la contienda.

Un boceto temprano de la estatua realizado por Bartholdi.Servicio de Parques Nacionales, Monumento Nacional de la Estatua de la Libertad


Terminada la guerra, retomó el proyecto de la Estatua de la Libertad, viajó por vez primera a los Estados Unidos para tratar las cuestiones de su ofrecimiento y ubicación.
La vinculación de Bartholdi con los Estados Unidos se prolongaría durante varios años por medio de sucesivos viajes. 





Estatua de la Libertad

Bartholdi ingresó el 14 de octubre de 1875 en la logia Alsacia-Lorena" de Francia, logia en la que sería elevado al grado de maestro el 9 de diciembre de 1880. 
La logia "Alsacia-Lorena" había sido fundada en París, en septiembre de 1872, bajo los auspicios del Gran Oriente de Francia, por un puñado de masones alsacianos procedentes de la logia “Frères Réunis”, de Estrasburgo, con la intención patriótica de conservar la memoria de las provincias recientemente perdidas en la guerra Franco-Prusiana. 

Entre sus miembros, cabe citar a celebridades como el estadista Jules Ferry (iniciado el 8 de julio de 1875 en la logia "La Clémente Amitié", de París), el periodista Jean Maçé (miembro también de la logia "Parfaite Harmonie", de Mulhouse), el militar Joseph Joffre (iniciado en 1875), el explorador de origen italiano Pierre Savorgnan de Brazza (iniciado en 1888), así como los dramaturgos Émile Erckmann y Alexandre Chatrian.

La estatua en los talleres «Gaget, Gauthier et Cie», en la calle de Chazelles de París.

Es a partir de esta fecha cuando comienza la construcción de la Estatua de la Libertad en sus talleres parisinos, en la calle Vavin.

Tanto la masonería norteamericana como la francesa—y en especial esta logia "Alsacia-Lorena"—, participaron activamente en la promoción y financiación de la Estatua de la Libertad la cual, tras varios años de trabajo, fue concluida por Bartholdi en París, en 1884, si bien su montaje y espectacular inauguración, no tendría lugar hasta octubre de 1886, en Nueva York.

En 1876 asistió como comisario de la delegación francesa a la Exposición de Philadelphia, donde expuso varios de sus trabajos, El Joven Viticultor, Genio Fúnebre, Paz y El Genio en las Garras de la Miseria, escultura por la cual obtuvo una medalla de bronce. 



Durante la Exposición Universal de Filadelfia de 1876 (EEUU),
se expuso la antorcha de la estatua (fue una de las primeras
partes acabadas). 
Sirvió para recaudar fondos destinados a la construcción del pedestal de la misma. Quienes pagaban 50 céntimos podían subir al balcón de la antorcha.


 Jeanne-Emilie Baheux de Puysieux

El 15 de diciembre de 1876 contrajo matrimonio con Jeanne-Emilie Baheux de Puysieux en el Ayuntamiento de Newport (Rhode Island). 


En 1978 la cabeza de la estatua de la Libertad  es exhibida en la Exposición Universal de París.  

Proceso de construcción del pedestal, diseñado por el arquitecto Richard Hunt.
 
La primera piedra del pedestal  fue colocada el 5 de agosto de1884, mientras que la base, en su mayoría compuesta por piedra de Kersanton, fue construida entre el 9 de octubre de 1883 y el 22 de agosto de 1886


Efectuó su último viaje a los Estados Unidos con motivo de la inauguración de la estatua, el 28 de octubre de 1886, en Nueva York.

Como creador de la Estatua de la Libertad, su carrera tomará desde entonces una dimensión internacional y lo convirtió en uno de los escultores más célebres del siglo XIX en toda Europa y América del Norte.

Tumba de piedra de Frederic Auguste Bartholdi, el cementerio de Montparnasse Paris

  
Murió de tuberculosis el 4 de octubre de 1904 en París, y está enterrado en el cementerio de Montparnasse.

HOMENAJE


La casa donde nació Bartholdi fue convertida en museo en 1904. Muestra múltiples aspectos de su trabajo como escultor y arquitecto, como pintor y diseñador.

FUENTES

 https://www.britannica.com/

https://www.wonders-of-the-world.net/

https://museeprotestant.org/

https://en.wikipedia.org/

https://www.nga.gov/

https://www.nps.gov/