Blog de Arinda

OBJETIVO :En este Blog vas a encontrar mis producciones en pintura y escultura. Además, material recopilado a través de mi trabajo como maestra, directora e inspectora, que puede ser de interés para docentes y estudiantes magisteriales .

miércoles, 18 de marzo de 2026

17 DE MARZO NACIÓ RALPH FLETCHER

 

Ralph Fletcher: el alquimista de la escritura

 


Ralph Fletcher nació el 17 de marzo de 1953 en Marshfield, Massachusetts, EE.UU..

Es un escritor estadounidense de literatura infantil libros ilustrados, ficción para adultos jóvenes, y poesía. También es consultor educativo y autor de libros tanto para niños como para educadores profesionales sobre el arte de escribir.

Sus padres son Ralph Fletcher Sr. y Jean Fletcher.

Su padre, Ralph Sr., trabajaba como editor de libros de texto (textbook publisher).


 

Fletcher creció en una familia numerosa: era el mayor de nueve hijos.

Tanto su padre como su madre provenían de familias grandes (cada uno tenía siete hermanos), lo que sugiere un entorno familiar amplio y con muchos parientes.


 

Este entorno extendido en que se crió Fletcher influyó en sus memorias y obras, como Marshfield Dreams.

Vivió en Marshfield, donde pasó toda su niñez.



Su infancia —incluida la etapa de primaria— está relatada en su libro autobiográfico Marshfield Dreams: When I Was a Kid.

Asistió a la escuela primaria local de su comunidad, un pueblo pequeño. Según datos históricos, en esa época tenía alrededor de 1.200 habitantes, lo que lo clasificaba como una comunidad rural típica del condado de Plymouth.

Su infancia estuvo muy marcada por una familia numerosa con 9 hermanos, la vida cotidiana en un barrio tranquilo, y experiencias simples que luego transformó en sus obras.

Creció nadando en historias. Las obtuvo de sus abuelos; los escuchó de sus salvajes tíos irlandeses; Las intercambió con amigos y primos. Y los leyó en libros.

Los libros le abrieron los ojos. Comenzó a leer historias deportivas y luego se diversificó en todo lo demás. Siempre le han gustado los libros. Cuando era niño terminaba de leer las historias de Edgar Allen Poe, o El llamado de lo salvaje por Jack London, y se decía a sí mismo: “¡Hombre! ¿No sería increíble si pudiera escribir un libro que afectara a otras personas incluso la mitad de lo que este libro me afectó a mí!”

Estos libros le enseñaron muchas cosas –principalmente el poder de las palabras.

Cursó a secundaria en su ciudad natal, Marshfield.

En la escuela secundaria y preparatoria tuvo la suerte de tener algunos profesores que le dieron el espacio y el estímulo que le permitieron seguir escribiendo. Cuando no recibió ese estímulo, escribió en secreto en cuadernos. Escribió para él mismo.

No se destacaba como un estudiante “brillante” desde el inicio; más bien, su vocación por la escritura fue desarrollándose con el tiempo, a partir de observar su entorno y vivir muchas experiencias cotidianas.

La secundaria fue un período de transición donde empezó a tomar forma su identidad como escritor.

Sus experiencias juveniles, al igual que las de su infancia, luego sirvieron de inspiración para varios de sus libros.

Dartmouth College-Hanover, Nuevo Hampshire.

Ingresó a Dartmouth College para continuar su formación. Esta es una universidad privada de investigación perteneciente a la Ivy League. Se encuentra en Hanover, Nuevo Hampshire.

Aunque mantiene el nombre de "College" para enfatizar su enfoque en la educación de pregrado en artes liberales, también incluye escuelas profesionales de posgrado en medicina, ingeniería, negocios y estudios avanzados.

Ralph Fletcher estudió en el extranjero durante su tiempo en Dartmouth College, participando en programas en Tonga y Sierra Leona, lo que enriqueció su perspectiva global antes de graduarse .

En Tonga, un archipiélago polinesio en el Pacífico Sur, Fletcher vivió inmerso en una cultura isleña tradicional. Esta estancia le expuso a estilos de vida comunitarios y narrativas orales, influenciando su sensibilidad hacia historias personales y memorias culturales en su obra posterior.

A continuación, en Sierra Leona, un país de África Occidental, participó en un programa que lo llevó a entornos rurales y urbanos contrastantes. Allí desarrolló mayor aprecio por la diversidad humana y la resiliencia, elementos recurrentes en sus memorias autobiográficas como Marshfield Dreams.

Estas experiencias internacionales, típicas de Dartmouth, contrastaron con su niñez en Marshfield, Massachusetts, fomentando su estilo de escritura evocador y empático.

Obtuvo su Licenciatura, Bachelor of Arts (B.A.) del Dartmouth College del cual egresó en 1975.

El B.A. de Dartmouth es un grado general en humanidades o campos afines, que preparó a Fletcher para la Universidad.

Este título de pregrado en artes liberales fue su primer grado universitario.

Entre los 21 y los 28 años (1974-1981), Ralph Fletcher atravesó un período de transición enfocado en exploración personal, trabajo y maduración antes de retomar estudios formales en Columbia.

Cuando tenía 21 años, su hermano Bob de 17 años murió en un accidente automovilístico. Esta tragedia tuvo un gran impacto en toda su familia. La muerte de Bob sería el catalizador de su primera novela, Pudín de higos.

La muerte de su hermano produjo en él un trauma emocional enorme, ira, dolor, culpa. Necesitaba algún tipo de contenedor para lidiar con todos esos sentimientos. Fue en esa época cuando comenzó a leer poemas. Los poemas le atrajeron porque eran cortos e intensos– apuntaban directamente al corazón.

Empezó a escribir poesía. Durante años, sus amigos y familiares realizaron una gran lectura de poesía a finales de año. Estas fueron fiestas BYOP: Trae tu propio poema. Se sentaban alrededor de un gran círculo escuchando y leyendo poesía hasta bien entrada la noche.

Trabajó en diversos empleos, incluyendo roles en educación y edición, mientras lidiaba con la muerte de su hermano Bob.

Viajó alrededor del mundo como guía turístico. Dondequiera que iba prestaba atención y usaba su cuaderno para anotar hechos extraños, detalles, impresiones, ideas, poemas, bocetos de personajes, jerga local, etc.

En ese periodo comenzó a colaborar con proyectos educativos compartiendo libros infantiles con estudiantes y descubriendo autores que lo inspiraron.

Trabajó con algunos escritores maravillosos (Richard Price, Gail Godwin, Edmund White) que le dejaron una huella. Tenían talleres regulares donde los estudiantes se sentaban en círculo y respondían al trabajo de los demás. En ese momento comenzó a trabajar en las aulas de la ciudad de Nueva York como parte del Proyecto de Escritura del Teachers College. Estaba ayudando a los profesores a desarrollar mejores formas de enseñar a escribir. Llevó una gran bolsa de libros de una clase a otra y los compartió con los estudiantes para estimular su escritura. No lo planeó, pero se enamoró de los libros de William Steig, Cynthia Rylant, Katherine Paterson, Gary Soto, John Steptoe y otros.

Participó en talleres de escritura y se preparó para el competitivo programa de posgrado en ficción de Columbia.

Universidad de Columbia en Nueva York 

 Fletcher retomó estudios formales ingresando a la Universidad de Columbia en Nueva York alrededor de 1981, a los 28 años, tras un período trabajando y reflexionando sobre su carrera posterior a Dartmouth.

Obtuvo su M.F.A. "Master of Fine Arts", (Maestría en Bellas Artes ), maestría especializada en escritura creativa en el año1983.

Este título de posgrado se enfoca en disciplinas creativas como escritura, artes visuales, cine o teatro, y suele requerir 2-3 años de estudio tras la licenciatura.

Su formación en Columbia School of the Arts enfatizó su narrativa creativa y poesía. Esta etapa lo inspiró directamente a escribir para niños.

Ya venía intentando escribir libros para lectores jóvenes. Pero pasarían varios años y muchas cartas de rechazo antes de que su primer libro, Yo soy alas: poemas sobre el amor fuera publicado.

Ralph Fletcher se casó con JoAnn Portalupi, una profesora, en mayo de 1989.

Tienen cuatro hijos varones y residen en Durham, New Hampshire, donde él trabaja como consultor educativo y escritor



En el año 1994 fue publicado su primer libro Yo soy alas, poemas sobre el amor.

Ese mismo año el libro de poesía de Fletcher Yo soy alas fue elegido por Diario de la biblioteca escolar como uno de sus mejores libros.



Pudín de higos, su libro de capítulos para adultos jóvenes de Fletcher, fue recomendado como uno de los diez mejores libros de 1995 por el Asociación Americana de Bibliotecas.

En 1996, Ralph Fletcher escribió el libro "Respirando hacia adentro, respirando hacia afuera; guardando un cuaderno de escritor".

Aunque este libro está dirigido a un público adulto, contribuye a una mejor comprensión por parte de los educadores de cómo llevar un cuaderno de escritura e inculcar los valores dentro del Taller de Escritores para niños.

Fletcher escribe que "llevar un cuaderno puede ser la mejor manera de sobrevivir como escritor" .

Este libro proporciona ejemplos de situaciones en las que Fletcher utilizó personalmente su cuaderno de escritor para afrontar la situación, anotar los inicios de la historia, escribir poemas, dejar escapar rabia o frustraciones o simplemente un lugar para desatar todo lo que tenía en mente.

El propósito de este libro es permitir que las personas vean el valor de tener un cuaderno de escritor y permitir que sea "Un lugar tranquilo para recuperar el aliento y comenzar a escribir".

 Fletcher proporciona muestras de su propio cuaderno de escritor a lo largo del libro para proporcionar un mejor ejemplo de lo que realmente es un cuaderno de escritor.



Ralph Fletcher ganó la Medalla Christopher con su libro "Silent Voice" (publicado en 1998).

Esta obra, también conocida en español como Voz silenciosa, aborda temas de empatía y comprensión en un contexto escolar, valores centrales del premio.

La Medalla Christopher se otorga anualmente a libros que "ayudan a construir puentes de comprensión humana", y Fletcher la recibió en la categoría de literatura juvenil por esta novela realista.

Publicado por Atheneum Books, el libro explora la amistad y el bullying a través de un niño que pierde la voz tras una tragedia familiar.

Este reconocimiento, uno de sus primeros premios importantes, consolidó su reputación como autor sensible para lectores jóvenes.

​En el año 1998 publica Flying Solo.

Esta obra recibió reseñas positivas destacadas, como una starred review de Booklist que lo describe como "sad, poignant, and funny... absorbing", y elogios de Kirkus Reviews por ser "funny, real, and often moving".

Es uno de sus libros más populares, con más de 14.000 valoraciones en Goodreads donde aparece como su obra más leída.

Fletcher vive actualmente en las cercanías de Durham, Nueva Hampshire.



 Sigue casado con JoAnn Portalupi con quien ha colaborado en varios libros para educadores profesionales.

Así se define Fletcher -“La mayoría de los escritores se especializan en un tipo particular de escritura. Yo no. He publicado novelas, colecciones de poesía, no ficción, libros para profesores y libros ilustrados. Considero que cada forma conlleva sus propios placeres y desafíos particulares. Muchos escritores sufren episodios agonizantes de bloqueo creativo, depresión o algo peor. Hasta ahora he tenido suerte de escapar de todo eso. Escribo rápido. Disfruto visitando escuelas, hablando con lectores y escritores jóvenes. Pero también he aprendido que necesito más soledad que la mayoría de la gente para poder escuchar las palabras, las líneas y las voces de los personajes dentro de mí.”

 

SU OBRA

 


Libros ilustrados para niños

El crepúsculo llega dos veces - ilustrado por Kate Kiesler (1997)

El abuelo nunca miente - ilustrado por Harvey Stevenson (2000)

La sorpresa del circo - ilustrado por Vladimir Vagin (2001)

Hola, Luna de la Cosecha - ilustrado por Kate Kiesler (2003)

El hombre de arena - ilustrado por Richard Cowdrey (2008)

 

Libros de poesía

El nido mágico (1980)

Planeta Agua (1991)

Yo soy alas (1994)

Cosas ordinarias: poemas de un paseo a principios de primavera (1997)

Enterrado vivo: los elementos del amor (1998)

Espacio suficiente para el amor (1998) - Recopilación de Yo soy alas y Enterrado vivo

Relativamente hablando: poemas sobre la familia (1999)

¿Has estado en la playa últimamente? (2001)

Un día de escritura (2005)

Día de mudanza (libro) (2007)

 

Novelas y memorias

Pudín de higos (1996)

Volando solo (1998)

Niño araña (1997)

Tommy Trouble y el mármol mágico (2000)

Tío papá (2001)

Sueños de Marshfield: cuando era niño (2005) Memorias

El corte de la una en punto (2007) Adulto joven

También conocido como Rowan Pohi (2011) Adulto joven

Recuerdos de Marshfield: más historias sobre crecer (2018) Memorias

 

Libros para educadores profesionales

Árboles andantes (1991)

Lo que necesita un escritor (1993)

Inhalar, exhalar: llevar un cuaderno de escritura (1996)

Lecciones de manualidades: enseñanza de la escritura desde jardín de infantes hasta octavo grado (con JoAnn Portalupi) (1998)

Lecciones de manualidades de no ficción (con JoAnn Portalupi) (2001)

Taller de escritura (con JoAnn Portalupi) (2001)

Enseñanza de las cualidades de la escritura con JoAnn Portalupi (2004)

Lecciones para el cuaderno del escritor con JoAnn Portalupi (2005)

Escritores jóvenes: recuperando sus voces (2006)

Pirotecnia en la página (2010)

Autor mentor, Textos mentores (2012)

Lo que necesita un escritor, 2a edición (2013)

Libros sobre escritura para niños

Un cuaderno de escritor (1996)

Escritura en vivo (1999)

Cómo trabajan los escritores (2000)

La poesía importa (2002)

Cómo escribir la historia de tu vida (2007)

Reflexiones: Autor en acción (2007)

Guy-Write: lo que todo escritor masculino necesita saber (2012)

FUENTES

https://archive.org/details/marshfielddreams0000flet/page/n7/mode/2up

https://en.wikipedia.org/wiki/Ralph_Fletcher

https://ralphfletcherbooks.com/

https://www.poetryfoundation.org/poets/ralph-fletcher

https://www.heinemann.com/authors/148.aspx

https://aeispeakers.com/speakers/ralph-fletcher/

https://us.macmillan.com/books/9781250801807/marshfieldmemoriesmorestoriesaboutgrowingup/

 

https://ralphfletcherbooks.com/about/bio/

 

 

18 DE MARZO DE 1897 NACÍA GERARDO MATOS RODRÍGUEZ

 Gerardo Matos Rodríguez, el

 Compositor que Cambió la Música





Gerardo Matos Rodríguez "Becho",    nació el 18 de marzo de 1897.

Fue un artista multifacético que dejó una huella indeleble en la historia del tango y la cultura uruguaya.

Su vida, marcada por la pasión y la creatividad, nos recuerda que el arte puede trascender el tiempo y las fronteras. "La Cumparsita", su obra maestra, sigue siguiendo un símbolo de la riqueza cultural del Río de la Plata, y su legado continúa inspirando a generaciones de músicos y artistas en todo el mundo.

Su vida estuvo marcada por una profunda pasada por la música y el periodismo, dejando un legado inigualable en la historia del tango.

Su obra más famosa, "La Cumparsita", se ha convertido en un himno cultural y popular de Uruguay, y es considerada una de las piezas más emblemáticas del género tanguero a nivel mundial.

 

Infancia y Formación

Gerardo Matos Rodríguez nació en Montevideo, hijo de Emilio Mattos, propietario del cabaré Moulin Rouge, un lugar emblemático de la vida nocturna de la ciudad.

 Esta influencia temporal en el mundo del espectáculo seguro contribuyó a su interés por la música y el arte.

Estudio arquitectura en la desaparecida Facultad de Matemáticas de Montevideo, nunca completa sus estudios.

En su juventud, comenzó a componer música, y su primera obra notable fue "La Cumparsita", creada en 1917.

 

Carrera Musical

Firpo recordó: “En 1916 estaba en la Confitería La Giralda en Montevideo, cuando un día llegó un hombre acompañado de unos quince muchachos, todos estudiantes, para decirme que tenían una humilde marcha de carnaval, y quería que la mirara y la arreglara porque pensaban que ahí había un tango.

Lo querían para esa noche, porque lo necesitaban para un muchacho llamado Matos Rodríguez. En la partitura, en dos por cuatro, había un poco de la primera parte y en la segunda parte no había nada.

Me senté al piano y recordé dos tangos míos compuestos en 1906 que no habían tenido éxito: “La Gaucha Manuela” y “Curda Completa”, y puse un poco de cada uno.

 Por la noche lo toqué con Bachicha Deambroggio y Tito Roccatagliatta.

Fue una apoteosis, y todos celebraron a Matos Rodríguez esa noche”.

 


"La Cumparsita" fue estrenada el 19 de abril de 1917 en el Café La Giralda de Montevideo por la orquesta de Roberto Firpo. Inicio fue presentada como una "marchita", pronto se convirtió en un éxito como tango.

La pieza ganó popularidad cuando le agregaron una letra en 1924, sin el consentimiento de Matos Rodríguez, obra de Pascual Contursi y Enrique Maroni.

Además de "La Cumparsita", Matos Rodríguez compuso más de setenta tangos, muchos de los cuales fueron editados en partitura y grabados en discos.

Algunas de sus otras obras destacadas incluyen "Che papusa, oí", "Botija linda", "La muchacha del circo", y "Adiós Argentina".

Colaboró con letristas como Enrique Cadícamo, Víctor Soliño y Manuel Romero, creando una serie de canciones montavideanas que reflejan la esencia cultural de su ciudad natal.




 

Carrera en el Periodismo y el Cine



Matos Rodríguez también se desempeñó como periodista, lo que le permite combinar su paso por la escritura con su interés en la cultura y el arte.

En 1931, colaboración en la musicalización de la película "Las luces de Buenos Aires", protagonizada por Carlos Gardel, filmada en Francia.

Esta experiencia en el cine le dio una perspectiva más amplia sobre la música y su aplicación en diferentes medios.

Vida Personal y Legado



Gerardo Matos Rodríguez fue un personaje carismático y apasionado, conocido por su buen humor y su capacidad para conectar con las personas.

Se casa con Reneé, una mujer de ascendencia española. A lo largo de su vida, viajó por Europa y trabajó como cónsul uruguayo en Alemania, lo que le permitió ampliar su horizonte cultural y musical.

Fallecimiento

Mattos Rodríguez falleció el 25 de abril de 1948 en Montevideo, dejando tras de sí un legado musical que trasciende fronteras.

 "La Cumparsita" se ha convertido en un símbolo cultural de Uruguay y del tango en general, con más de 1.000 versiones grabadas en todo el mundo, según el Museo y Centro de Documentación de AGADU.

 

HOMENAJES

Desde la muerte de Gerardo Matos Rodríguez en 1948, Uruguay ha preservado su legado principalmente a través de instituciones culturales y monumentos dedicados a él y a "La Cumparsita", su tango más icónico, declarado himno nacional en 1998. Estos homenajes incluyen museos permanentes, reconocimientos internacionales recientes y eventos anuales que mantienen viva su memoria.


Museos y Archivos Permanentes


El Museo del Tango La Cumparsita, en el Palacio Salvo de Montevideo (donde se estrenó el tango en 1917), exhibe documentos originales, memorabilia y objetos relacionados con Matos Rodríguez y el origen del tango.



El Museo y Centro de Documentación de AGADU resguarda su archivo personal con piano, partituras, fotos y miles de documentos; es visitable y ha sido clave en conmemoraciones.


En 2025, este archivo recibió la certificación UNESCO "Memoria del Mundo" en una ceremonia con su familia y autoridades.

Monumentos y Placas




En 2018, se inauguró una escultura en la Plaza Gerardo Matos Rodríguez (Ciudadela y Soriano, Montevideo), con placa homenaje al compositor y su obra, financiada por privados y la Intendencia.

 


Placas conmemorativas se descubrieron en 2017 en el Museo del Tango, con presencia de autoridades y descendientes.




Placa conmemorativa ubicada en Montevideo, Uruguay, en el sitio histórico de la antigua Confitería La Giralda, donde el tango “La Cumparsita” fue estrenado el 19 de abril de 1917. Hoy en día, en ese lugar funciona el Museo del Tango.

Eventos y Aniversarios

AGADU celebra anualmente su nacimiento (18 de marzo) con notas y exposiciones, como en 2021.




El Teatro Solís presenta ciclos anuales como "La Cumparsita 100 años +9" en 2026, con orquesta de tango, canto y danza.




En 2017, festejos por el centenario de "La Cumparsita" y sus 120 años incluyeron muestras itinerantes y galas.

Vinos La Cumparsita





El vino "La Cumparsita Reserva Tannat" (tinto de cepa Tannat, 750 ml) es elaborado por Bodega Montes Toscanini, también en Canelones, con ediciones como "Edition Centenario" que rinden homenaje al tango icónico de Gerardo Matos Rodríguez; presenta notas frutadas, taninos suaves 


La bodega  Las Piedras tiene una línea de cuatro etiquetas de 750cc (Tannat, Tannat Rosé, Cabernet Tannat y Chardonnay). 


LEGADO

Gerardo Matos Rodríguez dejó un legado estilístico en el tango uruguayo centrado en melodías simples pero contagiosas, con raíces en marchas carnavaleras que evolucionan hacia ritmos sensuales y nostálgicos, influyendo en compositores posteriores por su accesibilidad y universalidad.

Su obra destaca por estructuras armónicas directas, uso innovador del piano y fusión de elementos criollos, lo que facilitó adaptaciones globales y sigue inspirando arreglos modernos en orquestas de tango.

 

Estilo en "La Cumparsita"

Originalmente una marchita de carnaval (1916-1917), transformada en tango por Roberto Firpo, ejemplifica su sello: introducción marcial que da paso a un fraseo lírico y repetitivo, ideal para bailes y versiones instrumentales o cantadas.

Esta dualidad (marcha-tango) influye hoy en tangos híbridos y en la enseñanza de composición, donde se estudia su economía melódica como modelo para hits perdurables.

Influencia en Otras Obras

Compuso unos 70 tangos como "Che papusa, oí" o "Rosa reseca", con letras colaborativas que evocan montevideanidad bohemia, priorizando emoción sobre virtuosismo; este enfoque "popular" perdura en el tango canción uruguayo actual.

 Su énfasis en lo rioplatense (farra, amores, temporal) moldea festivales y academias, donde "La Cumparsita" es himno de referencia para nuevos autores.

Gerardo Matos Rodríguez es reconocido como uno de los compositores más influyentes del tango.

Su obra ha sido reconocida a nivel internacional, y "La Cumparsita" es considerada el himno cultural y popular de Uruguay desde 1998.

Además, fue uno de los fundadores de AGADU (Asociación General de Autores del Uruguay), una organización dedicada a proteger los derechos de los creadores uruguayos.

Este legado no solo refleja su contribución al mundo del tango, sino también su impacto en la cultura uruguaya y su identidad.

FUENTES

https://uruguayeduca.anep.edu.uy/efemerides/3963

https://revistadossier.com.uy/todo/musica/brecho-revelado-la-cumparsita/

https://en.wikipedia.org/wiki/Gerardo_Matos_Rodr%C3%ADguez

https://www.todotango.com/creadores/biografia/1022/Gerardo-Matos-Rodriguez/

https://www.ventanadelnorte.com/gerardo-hernan-matos-rodriguez/

https://es.wikipedia.org/wiki/La_cumparsita

https://www.agadu.org/novedad.php?nov=3107


18 DE MARZO DE 1851 NACÍA JULIEN DUPRÉE

EL  PINTOR  DEL  AMBIENTE  CAMPESINO

 



Julien Duprée nació en París el 18 de marzo de 1851, en uno de los barrios más antiguos de la ciudad y uno de los más diversos.

Fue un pintor francés y uno de los principales representantes del realismo francés en la pintura del siglo XIX.


En su obra, Duprée  logró realizar un tratamiento analítico de los personajes del campo, tratamiento casi fotográfico de ese instante de trabajo y esfuerzo. Logró la representación fidedigna del actuar campesino
Mostró en definitiva, los sentimientos más íntimos del trabajador. Pintó su sentir su esfuerzo o su tranquilidad, en resumen, con su pincel capturó su alma.

Su obra, junto con la de Breton y Millet, ejerció gran influencia en el desarrollo de la temática agraria del realismo socialista, de manera particular en la Unión Soviética y la República Popular China.

Su padre fue un  joyero llamado Jean Duprée y su madre fue Pauline Bouillie.

Julien fue bautizado dos días después en la iglesia parroquial de Saint-Jean-Saint-François (hoy Sainte-Croix des Arméniens).

Su medio hermano Jean tenía dieciséis años en ese momento, y la familia daría la bienvenida a su tercera hija, Julie, en 1852.

La familia Duprée vivían en el número 11 rue des Enfants Rouges al otro lado de la calle desde el sitio del complejo medieval de los Caballeros Templarios desde antes de 1884 hasta 1898

Durante la infancia de Dupréa, el Marais era principalmente un barrio de clase trabajadora, aunque lleno de edificios históricos, la plaza residencial de la Place des Vosges del reinado de Enrique IV; el Hotel Carnavalet, remodelado por François Mansart en la década de 1650, y el Hotel Soubise, la casa que marcó el comienzo del estilo rococó bajo Luis XV.

En contraste con estos monumentos de un pasado aristocrático el Marais era el hogar de una gran comunidad judía que se había establecido allí después de la Revolución Francesa.

A mediados del siglo diecinueve, era un vibrante distrito comercial de trabajadores, y fue en ese medio que el padre de Duprée trabajó como joyero.

Hacer bisutería y joyería fina, fue un negocio familiar durante varias generaciones, y seguiría siéndolo en la época de Julien Dupré.

Su medio hermano Jean y su hermana Julie se entrenarían como joyeros.

Julie se casaría más tarde con un joyero.

Sin lugar a dudas, se esperaba que Julien se convirtiera en un joyero, pero su padre lo llevó a una tienda de fabricación de encajes a fines de la década de 1860, tal vez debido a su aptitud para dibujar.

Su tiempo como aprendiz de lacemaker, sin embargo, fue corto.

El inicio de la Guerra Franco-Prusiana en 1870 obligó a cerrar la tienda de fabricación de encajes, y Dupré se convirtió en soldado, completando su período de servicio de dos años en 1873.

El 2 de enero de 1870 la dictadura de Napoleón III se convirtió en monarquía constitucional. 

La lucha en Wisembourg, 4 de agosto de 1870. Artista Christian Sell.


El 19 de julio de 1870, Francia declara la guerra a Prusia dando inicio así a la guerra franco-prusiana (1870-1871). 


El sitio de París- Jean-Louis-Ernest Meissonier   

Entre el 9 y el 18 de septiembre, las tropas prusianas rodean la capital francesa. 

Con el sitio de París, los Duprée se ven obligados a cerrar la tienda y Julien comenzó a asistir a cursos nocturnos en la Escuela de Artes Decorativas.

A través de estas clases obtuvo acceso a L´École des Beaux-Arts.
En l'Ecole estudió con Isidoro Pils  y Henri Lehmann.

En 1872, antes de que terminara su servicio militar, Dupré se inscribió en una clase de dibujo en la École des arts décoratifs, donde estudió con Monsieur Laporte para prepararse para su solicitud a la École des Beaux-Arts.

Una vez aceptado, entró en el estudio de Isidore Pils 

Después de 1875, en el estudio de Henri Lehman.

Allí, se conoció Georges Laugée, que se convertiría en un amigo de toda la vida.

Los años de la posguerra fueron un momento embriagador para los jóvenes artistas en París.

La derrota francesa a manos de los Prusianos fue un resultado amargo, particularmente para los parisinos, cuya ciudad había sido gravemente dañada durante la Comuna de 1871.

Las diferencias políticas fueron profundas, una situación que solo se vio agravada por la presencia de tropas prusianas ocupantes en la ciudad.

El mundo del arte se fracturó de manera similar, particularmente porque la generación realista de las décadas de 1850 y 1860 ahora tenía una fuerte influencia y una posición relativamente segura dentro de la École des Beaux-Arts.

Los Realistas más moderados fueron cada vez más aceptados en la academia, aunque los Realistas más vanguardistas como Édouard Manet y Gustave Courbet todavía se percibían como parias.

En este contexto llegó una generación más joven de artistas que habían comenzado sus carreras en la década de 1860 solo para que la guerra los interrumpiera.

 Algunos de ellos, como Camille Pissarro y Claude Monet, viajaron fuera de Francia durante el conflicto, pintando en Holanda y cruzando el Canal a Inglaterra en el otoño de 1870.

En Londres, algunos artistas franceses vieron, por primera vez, el trabajo de artistas paisajistas británicos como John Constable y J.M.W. Turner, influyendo mucho en sus pinturas en el futuro. Otros artistas, sin embargo, se quedaron en París o se mudaron a casas de campo si podían.

En 1873, la mayoría de los artistas más modernistas habían regresado a París para comenzar a planificar una exposición independiente que se había propuesto por primera vez en los últimos años de la década de 1860.

El 15 de abril de 1874, su exposición se inauguró en el estudio del fotógrafo Nadar, atrayendo considerable atención de la prensa y no poca curiosidad pública.

Sin lugar a dudas, Dupré habría visitado esta exposición, y de hecho, su pintura Paisaje boscoso con una Mujer por un Haystack (1874), revela su experimentación con algunas de las técnicas del impresionismo.


 
 Désiré-François Laugée- Autorretrato

A mediados de la década de 1870 Duprée viajó a Picardia, ubicada en la zona Septentrional Boreal (Norte) del Francia, y se convirtió en alumno del pintor naturalista, de género rural, Désiré-François Laugée.

Désiré-François Laugée fue un pintor francés. Su trabajo incluyó retratos y escenas religiosas o históricas clásicas. 

Sus grandes murales todavía decoran varias iglesias en París. También hizo paisajes naturalistas y pinturas de género de los campesinos, en especial en su vida posterior. 

Con este trabajo puede ser considerado como un precursor de la escuela de Barbizon . 



Retrato de muchacha con cofia - Marie Laugée

Confituras de grosellas -  Marie Laugée

Allí conoce a la hija de Désiré-François Laugée, llamada Marie.
Marie Laugée fue también una pintora. Expuso varios dibujos en el salón de Bellas Artes en 1874.


 Marie Françoise Eléonore Laugée


En 1876 se casa con Marie Françoise Eléonore.

Julien y Marie tuvieron tres hijos, Thérèse Marthe Françoise Dupré nacida el 19 de marzo de 1877 en París, ella se convirtió en pintora,  Jacques Dupré, nació el 18 de julio de 1879 y se convirtió en médico, dibujante e ilustrador y por último, Madeleine Dupré, nació el 14 de octubre de 1885 y se convirtió en pianista.
 
En 1976 Julien Dupré expuso su primera pintura en el Salón de París.

A semejanza de Jean-François Millet, Bouguereau y Jules Breton, a quienes admira, Dupré es uno de los mejores pintores de animales de su tiempo. Observó y pintó con fidelidad la vida de los campesinos, jugando con la luz. Dio profundidad a su pintura acentuando los efectos y haciendo resaltar la fuerza de sus obras.


Esta pintura es un ejemplo de la maestría de Dupré en capturar la luz y los efectos atmosféricos, así como en transmitir la fuerza y la belleza de las escenas rurales. Su habilidad para plasmar la vida cotidiana con fidelidad y emotividad le valió reconocimiento en su tiempo y continúa siendo apreciada en la actualidad, especialmente en Estados Unidos, donde muchas de sus obras se encuentran en museos.

Es una obra emblemática de Julien Dupré que refleja su compromiso con el realismo y su habilidad para capturar la esencia de la vida rural, destacando la labor de las mujeres en el campo y la belleza de las escenas campesinas.


Cargadoras de heno, 1880

La obra "Cargadoras de heno" de Julien Dupré destaca por su realismo y la atención a los detalles. En ella, se puede apreciar a mujeres trabajando arduamente cargando heno, mostrando la laboriosa vida campesina. Dupré, al igual que otros pintores de su época como Millet y Breton, se enfocó en representar la vida de los campesinos y la naturaleza de manera auténtica.


 
Niños alimentando a los gansos ,(1881) - Museo de Bellas Artes de Boston

La obra "Niños alimentando a los gansos" (1881) de Julien Dupré es una representación impresionante que destaca por su composición detallada y emotiva. En esta pintura, se puede apreciar a los niños en primer plano alimentando a los gansos, creando una escena pastoral y conmovedora que refleja la vida rural y la conexión con la naturaleza.

Dupré, conocido por su enfoque en la temática agraria y la vida campesina, logra capturar la inocencia y la armonía de la infancia en este cuadro. La elección de mostrar a los niños interactuando con los animales en un entorno campestre transmite una sensación de paz y serenidad, resaltando la belleza de la vida sencilla en el campo.

La obra "Niños alimentando a los gansos" es un ejemplo de la maestría de Dupré para plasmar la vida cotidiana con realismo y emotividad, destacando la importancia de la naturaleza y las actividades rurales en su obra. Esta pintura, presente en el Museo de Bellas Artes de Boston, es un testimonio del legado artístico de Julien Dupré y su habilidad para capturar la esencia de la vida rural en el siglo XIX.

La vaca obstinada 1882

El ovejero -1883

Le Ballon''(1886) - Reading Public Museum y la Galería de Arte, Reading, PA.

 
Mujer sirviendo  bebida

La forrajera
 
Mujer al Sol

Hora de la comida de las aves




Cargando heno




 Pastora



El heno 

Regresando de los campos


Al borde del agua









Momento final

Los segadores-

 

La comida del mediodía

Una pradera





Espigadora al sol






La lechera en Normandía


Una lechera con sus vacas en un día de verano

 


La Cosecha


Regreso de los campos


La pastora

Dos amores

La mujer del granjero



La pastora




La lechera


Mujer y vacas junto al agua

La hora del ordeño


Cuidando las vacas


Cosecha



Los henos, 1888

Como muchos otros artistas, su enfoque de la pintura continuó evolucionando en la década de 1890.

Entre el1898 hasta su fallecimiento en 1910 Duprée estuvo radicado por largo tiempo en el número 20 del Boulevard Flandrin en el sector XVI de París, y pocas veces solía abandonar su estudio para ir a pintar la naturaleza in situ, en la campiña.

En su caso, estaba en un estado de ánimo más meditativo con énfasis en la interacción de la luz y el color.

Su tema seguía siendo el mismo, pero sus figuras ahora eran más pequeñas en escala y a menudo solitarias.

En 1900, la ciudad de París organizó una gran feria mundial nuevamente.

Esto celebró el cambio de siglo, pero también una nueva dirección en las artes. Los desarrollos del Art Nouveau habían sido evidentes durante al menos una década, pero fue en la Exposición Universal donde se validó su importancia como movimiento internacional.

Expositores de toda Europa y América se reunieron para saludar al siglo veinte con nuevas ideas, tecnologías y estética.

Dupré estuvo bien representado en la Exposición Universal con cuatro pinturas:

Vachés à lingombre (Vacas en la Sombra);

La Valléle de la Durdent (Durdent River Valley);

Dans la plaine (En las Llanuras);

y Un Chemin au Mesnil (Una carretera en Mesnil). 

Expuso en el Salón de París con regularidad hasta su muerte y recibió la Medalla de Oro en la Exposición Universal de París de 1889 y la Legión de Honor en 1892.

Carrito de Heno con Dos Caballos, 1895


 Marie Laugée Dupré


En la primera década del nuevo siglo XX, Dupré y su esposa Marie viajaron a lugares más allá de su territorio familiar de Picardía y Normandía.

Aunque no se conoce el propósito exacto del viaje, pasaron la primavera y el verano de 1903 en Inglaterra.

Marie pintó varios lienzos de una casa de campo inglesa, sugiriendo tal vez que estaban visitando amigos allí.

En 1908, Dupré compró una parcela de tierra en la ciudad montañosa de Mont-Dore, en el centro de Francia, donde las aguas termales habían atraído a los visitantes desde la época romana.

De hecho, la casa de baños había sido reconstruida a principios de la década de 1890 para revitalizar el interés en la zona.

Es posible que Dupré estuviera buscando los beneficios para la salud de las aguas ya que su enfermedad final comenzaba a aparecer.

Aunque no hay documentación de la naturaleza exacta de su condición, lo más probable es que fuera cáncer.

Dupré exhibió sus dos últimas pinturas en el Salón en mayo de 1909: L’étél (Verano) y En la vallée (En el Valle).

Julien Dupré falleció el 16 de abril de 1910 en París.



Cementerio de Père Lachaise
 
Cuando su esposo Julien Dupré murió, Marie compró una concesión a perpetuidad, en el cementerio de Père Lachaise (División 60, a lo largo de la pared).

 Allí está enterrado el pintor. 
El 28 de noviembre de 1937, Marie Dupré-Laugee murió en París y fue enterrada junto a su marido en la Père Lachaise. Su hija Thérèse Cotard-Dupré también fue enterrada allí.  

ANALIZANDO SU OBRA

 Técnica pictórica: Dupré era hábil en la representación de paisajes rurales, animales y figuras humanas. Su técnica se caracteriza por pinceladas sueltas y realistas que capturan la atmósfera y la luz de las escenas campesinas. Analizar cómo utiliza el color, la textura y la composición puede proporcionar una comprensión más profunda de su estilo y habilidades técnicas.

Temas recurrentes: Dupré se centró principalmente en representar la vida rural, especialmente la vida de los campesinos y agricultores. Sus obras a menudo muestran escenas de trabajo en el campo, la recolección de cultivos, la cría de animales y otros aspectos de la vida rural. Explorar los temas recurrentes en su obra puede revelar sus preocupaciones artísticas y sociales.

Contexto histórico y social: La obra de Dupré refleja el contexto histórico y social de su época, marcada por cambios significativos en la sociedad rural debido a la industrialización y la urbanización. Analizar cómo representa estos cambios y cómo retrata las condiciones de vida de los campesinos puede proporcionar información sobre su visión del mundo y su posición dentro de la sociedad de su tiempo.

Influencias artísticas: Es útil examinar las posibles influencias artísticas en el trabajo de Dupré. Por ejemplo, algunos críticos han señalado similitudes entre su estilo y el de los pintores realistas franceses del siglo XIX, como Jean-François Millet y Gustave Courbet. Identificar estas influencias puede ayudar a contextualizar su obra dentro de la historia del arte.

Recepción crítica: Explorar cómo fue recibida la obra de Dupré en su época y cómo ha sido evaluada por críticos de arte posteriores puede proporcionar una perspectiva adicional sobre su importancia y su lugar en la historia del arte.

En resumen, al analizar la obra de Julien Dupré, es importante considerar su técnica pictórica, los temas que aborda, el contexto histórico y social en el que trabajó, las influencias artísticas que pueden haberlo inspirado, y cómo ha sido recibido críticamente a lo largo del tiempo.


LEGADO

Julien Dupré, dejó un legado artístico significativo que perdura hasta hoy. Su contribución se puede resumir en varios aspectos clave:

 

Legado Artístico

Representación del Realismo Francés:

 Dupré fue uno de los principales representantes del realismo francés, junto con artistas como Jean-François Millet y Jules Breton.

Su obra influyó en el desarrollo del realismo socialista, especialmente en la Unión Soviética y la República Popular China.

 

Captura de la Vida Rural:

Dupré se centró en representar la vida campesina con gran realismo y detalle.

Sus pinturas destacan la labor de las mujeres en el campo y la belleza de las escenas rurales, capturando la luz y los efectos atmosféricos de manera magistral.

 

Influencia en la Representación de las Mujeres Campesinas:

Sus obras son reconocidas por la representación de mujeres campesinas con fuerza y expresividad, mostrándolas en actividades como el manejo del heno con energía y vitalidad.

 

Presencia en Museos:

Muchas de sus obras se encuentran en museos, especialmente en Estados Unidos, lo que asegura su visibilidad y aprecio continuo.

 

Técnica Pictórica:

Dupré era conocido por su habilidad para capturar la atmósfera y la luz en sus pinturas, utilizando pinceladas sueltas y realistas. Su técnica se caracteriza por la atención al detalle y la composición emotiva.

 

Perdurabilidad de su Legado

Influencia en el Arte Contemporáneo:

Aunque no es tan ampliamente estudiado como otros artistas de su época, su obra sigue siendo relevante por su capacidad para capturar la esencia de la vida rural y su impacto en el desarrollo del realismo socialista.

 

Presencia en Colecciones Privadas y Públicas:

Su obra es valorada tanto en colecciones privadas como en museos, asegurando su legado artístico


https://es.wikipedia.org

http://www.georges-laugee.com/

https://arteyartistas.wordpress.com