Blog de Arinda

OBJETIVO :En este Blog vas a encontrar mis producciones en pintura y escultura. Además, material recopilado a través de mi trabajo como maestra, directora e inspectora, que puede ser de interés para docentes y estudiantes magisteriales .

miércoles, 8 de julio de 2026

8 DE JULIO DE 1833 LA LETRA DEL POEMA DE ACUÑA DE FIGUEROA ES DECLARADO HIMNO POR DECRETO

La letra del Himno Nacional Uruguayo

 

La letra del Himno Nacional uruguayo es una pieza literaria de alto contenido patriótico, que narra la lucha por la libertad, el sacrificio y la unión de los orientales. Su mensaje sigue vigente como símbolo de la identidad y los valores del país.



Estructura y evolución

 

Estructura original:

11 estrofas de 8 versos decasílabos cada una, más un estribillo de 4 versos que se repite.

 

 Versión extractada del original inserto en El Nacional Nº 1978, de fecha 18 de julio de 1845, respetándose la ortografía de origen, tal como se lo cita en wikipedia

 

Letra: Francisco Acuña de Figueroa

Música: Francisco José Debali

 

¡Orientales, la Patria ó la tumba!

¡Libertad ó con gloria morir!

Es el voto que el alma pronuncia,

Y que heróicos sabremos cumplir.

 

I

Libertad, libertad Orientales!

Este grito a la Patria salvó

Que a sus bravos en fieras batallas

De entusiasmo sublime inflamó.

De este don sacrosanto la gloria

Merecimos Tiranos temblad!

Libertad en la lid clamaremos,

Y muriendo, también libertad!

 

II

Dominando la Iberia dos mundos

Ostentaba su altivo poder,

Y a sus plantas cautivo yacía

El Oriente sin nombre ni ser;

Mas, repente sus hierros trozando

Ante el dogma que Mayo inspiró,

Entre libres y déspotas fieros,

Un abismo sin puente se vio.

 

III

Su trozada cadena por armas,

Por escudo su pecho en la lid,

De su arrojo soberbio temblaron

Los feudales campeones del Cid:

En los valles, montañas y selvas

Se acometen con muda altivez,

Retumbando con fiero estampido

Las cavernas y el cielo a la vez.

 

IV

Al estruendo que en torno resuena

De Atahualpa la tumba se abrió,

Y batiendo sañudo las palmas

Su esqueleto, venganza! gritó:

Los patriotas el eco grandioso

Se electrizan en fuego marcial,

Y en su enseña más vivo relumbra

De los Incas el Dios inmortal.

 

V

Largo tiempo, con varia fortuna,

Batallaron liberto, y señor,

Disputando la tierra sangrienta

Palmo a palmo con ciego furor.

La justicia, por último, vence

Domeñando las iras de un Rey;

Y ante el mundo la Patria indomable

Inaugura su enseña, y su ley.

 

VI

Orientales, mirad la bandera,

De heroísmo fulgente crisol;

Nuestras lanzas defienden su brillo,

Nadie insulte la imagen del sol!

De los fueros civiles el goce

Sostengamos; y el código fiel

Veneremos inmune y glorioso

Como el arca sagrada Israel.

 

VII

Porque fuese más alta tu gloria,

Y brillasen tu precio y poder,

Tres diademas, oh Patria, se vieron

Tu dominio gozar, y perder.

Libertad, libertad adorada,

Mucho cuestas tesoro sin par!

Pero valen tus goces divinos

Esa sangre que riega tu altar.

 

VIII

Si a los pueblos un bárbaro agita,

Removiendo su extinto furor,

Fratricida discordia evitemos,

Diez mil tumbas recuerdan su horror!

Tempestades el Cielo fulmina,

maldiciones desciendan sobre él,

Y los libres adoren triunfante

de las leyes el rico joyel.

 

IX

De laureles ornada brillando

La Amazona soberbia del Sud,

En su escudo de bronce reflejan

Fortaleza, justicia y virtud.

Ni enemigos le humillan la frente,

Ni opresores le imponen el pie:

Que en angustias selló su constancia

Y en bautismo de sangre su fe.

 

X

Festejando la gloria, y el día

De la nueva República el Sol,

Con vislumbres de púrpura y oro,

Engalana su hermoso arrebol.

Del Olimpo la bóveda augusta

Resplandece, y un ser divinal

Con estrellas escribe en los cielos,

Dulce Patria, tu nombre inmortal.

 

XI

De las leyes el Numen juremos

Igualdad, patriotismo y unión,

Inmolando en sus aras divinas

Ciegos odios, y negra ambición.

Y hallarán los que fieros insulten

La grandeza del Pueblo Oriental,

Si enemigos, la lanza de Marte

Si tiranos, de Bruto el puñal.

 


 

Temática y significado

 

Patriotismo:

La letra exalta valores como la libertad, la gloria y el heroísmo, elementos centrales en la construcción de la identidad nacional uruguaya.

 

Lucha y sacrificio:

Hace referencia al sacrificio de los orientales por la independencia y la defensa de la patria.

 

Unidad y justicia:

Destaca la importancia de la unión, la igualdad y el respeto a las leyes como pilares de la nación.

 

 USO ACTUAL



Por su extensión, en actos oficiales solo se canta la primera estrofa y el estribillo, repetido dos veces.


Fragmento destacado (Estribillo y primera estrofa)

 

¡Orientales, la Patria o la tumba!

¡Libertad o con gloria morir!

Es el voto que el alma pronuncia,

Y que heroicos sabremos cumplir.

 

¡Libertad, libertad, Orientales!

Este grito a la Patria salvó

Que a sus bravos en fieras batallas

De entusiasmo sublime inflamó.

De este don sacrosanto la gloria

Merecimos ¡Tiranos, temblad!

Libertad en la lid clamaremos,

Y muriendo, también libertad.

 

 

HISTORIA DEL HIMNO NACIONAL


Óleo Batalla de Sarandí | Autor: Juan Manuel Blanes 


Himno Nacional de la República Oriental del Uruguay es uno de los símbolos nacionales, junto al escudo de armas, el pabellón y las banderas nacionales.

Su letra fue declarada como himno por decreto el 8 de julio de 1833 y fue modificada a su forma definitiva a solicitud de su autor.

Uruguay nació a la vida independiente en 1828, cuando se firmó la Convención Preliminar de Paz entre Argentina y Brasil con la mediación interesada económicamente de Reino Unido.

El nuevo país no poseía símbolos nacionales: ni bandera, ni escudo, ni himno. 

El Gobernador Provisorio, José Rondeau, recibió entonces el ofrecimiento de Francisco Acuña de Figueroa de colaborar en la redacción de un himno y, para la Jura de la Constitución el 18 de julio de 1830, presentó un proyecto de Himno Nacional. 

Este fue aceptado, pero debió esperar tres años para convertirse en el oficial.

El país estaba en pleno proceso de consolidación de la independencia. 

Refleja el espíritu patriótico y la determinación del pueblo uruguayo tras las luchas contra España, Portugal y Brasil.

 

Monumento al Himno Nacional en Paysandú.

El himno fue presentado nuevamente por Francisco Acuña de Figueroa al gobierno del primer presidente, Fructuoso Rivera, que lo aprobó el 8 de julio de 1833. 

Si bien hubo consenso casi desde el principio de que la obra poética tendría ese carácter, algunos la ponían en tela de juicio debido a las violentas diatribas contra España, Portugal y Brasil que contenía. 

En el acto de gala en el Teatro San Felipe el 25 de mayo de 1833 se cantaron sus versos con música de Antonio Sáenz, pero cuando se ejecutó por primera vez como himno oficial, el 18 de julio del mismo año, la música era de Barros.


 

El 12 de julio de 1845 se aprobó una reforma en las estrofas, realizadas por el propio autor, que finalmente sería la versión definitiva. Francisco Acuña de Figueroa quitó las referencias más duras a España, Portugal y Brasil y agregó a la primera estrofa la frase «Tiranos, ¡temblad!», que posteriormente se haría célebre. 



 Francisco Acuña de Figueroa también es autor de la letra del Himno Nacional de Paraguay


Curiosidades y relevancia

El himno uruguayo es uno de los más extensos del mundo, aunque rara vez se interpreta completo.

 Ha sido elogiado internacionalmente por su belleza y simbolismo, ocupando posiciones destacadas en rankings internacionales.

La letra es un símbolo de la identidad uruguaya y se asocia con momentos de unión nacional, especialmente en eventos deportivos y patrióticos.

 FUENTES:

https://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_Acu%C3%B1a_de_Figueroa

https://rea.ceibal.edu.uy/elp/el-himno-nacional-uruguayo/letra_del_himno.html

https://www.oas.org/sap/peacefund/VirtualLibrary/NationalAnthems/URUGUAY.pdf

https://rea.ceibal.edu.uy/elp/el-himno-nacional-uruguayo/letra_del_himno.html

https://okdiario.com/curiosidades/letra-significado-del-himno-uruguay-10013781

 

 

 

 


8 DE JULIO DE 1593 NACÍA ARTEMISIA LOMI GENTILESCHI - BIOGRAFIA

Artemisia L. Gentileschi : El pincel femenino que marcó

 el Barroco italiano

Artemisia Gentileschi. Grabado sobre papel- Museo: Biblioteca Nacional de Francia-París

Artemisia Lomi Gentileschi nació en Roma, el 8 de julio de 1593 en Roma. Fue una pintora caravaggista italiana
Fue una de las primeras mujeres pintoras. Con 34 pinturas de su autoría y otras que se cree fueron pintadas por ella, Artemisia Gentileschi, fue la primera mujer en pintar motivos o escenas religiosas, la primera mujer en ser admitida en la Academia de Arte de Florencia (1616), la primera mujer en ganarse la vida a través de la pintura, la primera y única mujer en adoptar el Caravagismo y, lo más importante, una de las grandes artistas del Barroco Italiano. 
 
Autorretrato como mártir


Horacio Gentileschi (padre de Artemisia) - Grabado de Van Dyck 

  Retrato del pintor Caravaggio, dibujado por Ottavio Leoni

Fue la hija mayor del pintor toscano Orazio Gentileschi  (1563-1639), uno de los grandes representantes de la escuela romana de Caravaggio. Artemisia fue introducida a la pintura en el taller de su padre, mostrando más talento que sus hermanos, que trabajaron junto a ella.
Tomó de su padre, Orazio, el límpido rigor del dibujo, injertándole una fuerte acentuación dramática, tomada de las obras de Caravaggio, cargada de efectos teatrales; elemento estilístico que contribuyó a la difusión del caravaggismo en Nápoles, ciudad a la que se trasladó en 1630.
Aprendió dibujo, cómo empastar los colores y dar brillantez a los cuadros. Dado que el estilo de su padre, en aquellos tiempos, se remitía explícitamente al arte de Caravaggio (con el que Orazio tenía relaciones de familiaridad), también los primeros pasos artísticos de Artemisia se situaron, por motivos diversos, en el despertar del gran pintor lombardo. Pero su aproximación a los temas era diferente de la de su padre.

Susana y los viejos (1610)

En el año 1610, a los 17 años, firmó su primera obra, (aunque muchos sospecharan entonces que fue ayudada por su padre): Susana y los viejos, 1610, colección Schönborn en Pommersfelden). El cuadro muestra cómo Artemisia había asimilado el realismo de Caravaggio sin permanecer indiferente al lenguaje de la escuela de Bolonia, que tuvo a Annibale Carracci entre sus mejores artistas.
En esa época , año 1612, el acceso a la enseñanza en las academias profesionales de Bellas Artes era exclusivamente masculino y por tanto le estaba prohibido el ingreso a  las mujeres. El padre de Artemisia  contrató un profesor privado, Agostino Tass para su hija que mostraba un extraordinario talento.
Con él estaba trabajando en aquel tiempo Orazio, en la decoración de las bóvedas de Casino della Rose dentro del Palacio Pallavicini Rospigliosi en Roma. 

Un escándalo marcó su vida. Tassi la violó teniendo ella 19 años. Al principio, él prometió salvar su reputación casándose con ella, pero más tarde renegó de su promesa, pues ya estaba casado, y Orazio lo denunció ante el tribunal papal. La instrucción, que duró siete meses, permitió descubrir que Tassi había planeado asesinar a su esposa, cometió incesto con su cuñada y había querido robar ciertas pinturas de Orazio Gentileschi. 

 La pintura Giuditta che decapita Oloferne (Judith decapitando a Holofernes) (1612 - 1613), que se exhibe en la Galleria degli Uffizi de Florencia impresiona por la violencia de la escena que representa, y ha sido interpretada en clave psicológica y psicoanalítica, como un deseo de venganza respecto a la violencia que ella había sufrido.

Del proceso que siguió se conserva documentación exhaustiva, que impresiona por la crudeza del relato de Artemisia y por los métodos inquisitoriales del tribunal. Artemisia fue sometida a un humillante examen ginecológico y torturada usando un instrumento que apretaba progresivamente cuerdas en torno a los dedos — una tortura particularmente cruel para un pintor. De esta manera se pretendía verificar la veracidad de sus acusaciones, pues se creía que si una persona dice lo mismo bajo tortura que sin ella, la historia debe ser cierta. Tassi fue condenado a un año de prisión y al exilio de los Estados Pontificios. Las actas del proceso han influido grandemente en la lectura en clave feminista, dada en la segunda mitad del siglo XX, a la figura de Artemisia Gentileschi.

Su padre arregla su matrimonio un mes después de finalizado el juicio con un pintor florentino, Pierantonio Stiattesi, que le permitió a Artemisia recuperar una buen aparte de su honorabilidad perdida.

 Artemisia Gentileschi, " Autorretrato con laúd ", 1617-18 - óleo sobre lienzo, 65,5 x 50.2 cm -Minneapolis, galerías de Curtis,

 Ciudad de Florencia 

La Accademia delle Arti del Disegno ("Academia de las Artes de dibujo") de Florencia promueve la salvaguarda de las obras de arte en Italia. Fundada en 1563, fue la primera Academia de dibujo establecido en Europa.

Artemisia y su marido se instalan en Florencia en 1614 y allí disfrutó de gran éxito y reconocimiento y fue la primera mujer en ingresar en la Accademia del Disegno en Florencia. Esta temporada la convirtió en una exitosa pintora de corte, manteniendo buenas relaciones con otros pintores de gran prestigio como Cristofano Allori, alcanzando la protección de personas influyentes como el duque Cosme II de Médici, pero sobretodo de la gran duquesa Cristina. También en este tiempo conoce a Galileo Galilei con quien mantendría por muchos años una fluida comunicación epistolar, incluso ya habiendo abandonado Florencia.

Allegoria dell'Inclinazione

Esta es una tela que esta insertada en el cielo raso della Galleria de la Casa Buonarotti, realizada por la pintora durante su estadía en Florencia.
Artemisia habría recibido muchas instrucciones de cómo debía pintar ese cuadro. Allí se representa una espléndida joven semidesnuda de florida y fecunda naturaleza, un autorretrato  realizada por la pintora cuando estaba embarazada.
 

Entre sus admiradores tiene un puesto de especial relieve Buonarroti el joven (sobrino del gran Miguel Ángel): empeñado en construir la Casa Buonarroti para celebrar la memoria de su ilustre antecesor, encargó a Artemisia la ejecución de una tela destinada a decorar el techo de la galería de pinturas.
La pintura en cuestión representa una Allegoria dell'Inclinazione (esto es, una alegoría del «talento natural»), representada en forma de una joven mujer desnuda que sostiene una brújula. Se cree que la atractiva figura femenina tenía los rasgos de la propia Artemisia, que -como sostenían las informaciones mundanas de la época- fue una mujer de extraordinario atractivo.
En efecto, se suele entender que en las telas de Artemisia, los rasgos faciales de las hermosas y enérgicas heroínas que allí aparecen tienen un parecido al rostro que aparece en sus retratos o autorretratos: a menudo el que le encargaba cuadros debía desear tener una imagen que le recordase visualmente a la autora, cuya fama iba creciendo. Su éxito y la fascinación que emanaba de su figura, alimentaron, a lo largo de toda su existencia, rumores sobre su vida privada.

La Conversione della Maddalena 

 Giuditta con la sua ancella 

Se ha considerado que durante este periodo florentino Artemisia también pintó La Conversione della Maddalena (La conversión de la Magdalena), y Giuditta con la sua ancella (Judith y su doncella), hoy en el Palacio Pitti. Artemisia pintó una segunda versión de Giuditta che decapita Oloferne (Judith decapitando a Holofernes), mayor que la versión de Nápoles y hoy en los Uffizi. Esta Judith y Holofernes o Degollación de Holofernes está considerada su obra maestra. Ella pone sus mismos rasgos en el rostro de Judith, atribuyendo a Holofernes los de Tassi. La oscuridad y gráfica violencia de esta obra, la frialdad con que Judith decapita a Holofernes, se atribuyen a su violación y al proceso humillante que le siguió.

Ciudad de Roma

Mientras estuvo en Florencia, Artemisia y Pierantonio tuvieron cuatro hijos y una hija. Pero sólo la hija, Prudenzia, llegó a la edad adulta. A pesar de su éxito, debido a un exceso de gastos suyos y de su marido, el periodo florentino estuvo lleno de problemas con los acreedores y con su esposo, por lo que es razonable suponer que fue esto lo que motivó su regreso a Roma que realizó de manera definitiva en el año 1621. Con ella llevó a su hija Prudenzia, con la que más tarde se trasladó a Nápoles. 
Ese mismo año en que, separada de su marido, Artemisia llegó a Roma, su padre Orazio dejó la ciudad y se trasladó a Génova. Algunos creen que Artemisia siguió a su padre a la capital ligur (incluso para explicar la persistencia de una afinidad de estilos que, aún hoy, dificultan determinar quién de los dos pintó ciertas obras); pero no hay suficientes pruebas al respecto. La mayor parte de las evidencias apoyan la idea de que Artemisia permaneció en Roma, como mujer independiente, intentando encontrar una casa y criar a sus hijas. Además de Prudenzia, tuvo otra hija natural, probablemente nacida en 1627. Artemisia intentó, prácticamente sin éxito, enseñarles el arte de la pintura.
Artemisia demostró tener la sensibilidad justa para tomar las novedades artísticas y la determinación precisa para vivir como protagonista esta extraordinaria estación artística de Roma, meta obligada de artistas de toda Europa. Artemisia entró a formar parte de la Accademia dei Desiosi. Con motivo de ello fue celebrada con un retrato grabado que, en la dedicatoria, la califica como «Pincturare miraculum invidendum facilius quam imitandum». De esta misma época data su amistad con Cassiano dal Pozzo, un humanista, coleccionista y gran mentor de las bellas artes.

Artemisia Gentileschi - 1623-25 - Lucrezia 

Sin embargo, a pesar de su reputación artística, su fuerte personalidad y la red de buenas relaciones, Roma no fue tan lucrativa como ella esperaba. Se apreciaba su arte en los retratos y su habilidad para poner en escena a las heroínas bíblicas, pero a ella le estaban vedados los ricos encargos de ciclos de frescos y de los grandes retablos. La ausencia de suficiente documentación hace difícil seguir los movimientos de Artemisia en este periodo. Es seguro que entre 1627 y 1630 se trasladó a Venecia, quizá en busca de encargos más lucrativos: lo documentan los homenajes que recibió de los letrados de la ciudad de la laguna que alabaron la calidad de la pintora.

 Ritratto di gonfaloniere
 Aunque a veces es difícil datar sus pinturas, y es a menudo motivo de divergencia entre los críticos de arte, es verosímil asignarle estos años el Ritratto di gonfaloniere (Retrato de un gonfaloniere), hoy en Bolonia (único ejemplo hasta ahora de su célebre habilidad como retratista); la Giuditta con la sua ancella, (Judith y su doncella) hoy en el Detroit Institute of Arts (que refleja el dominio de la pintora sobre los efectos de claroscuro de la luz de la vela, por las cuales fueron famosos en Roma pintores como Gerrit van Honthorst, Trophime Bigot, y muchos otros); su Venere Dormiente (Venus durmiente), y su Ester ed Assuero (Esther y Asuero) ubicado en el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, que testimonia su asimilación de las lecciones del luminismo veneciano.

Venere Dormiente (la Venus durmiendo o Cupido y Venus), óleo sobre lienzo de la pintora italiana del barroco temprano Artemisia Gentileschi (1593-1652) Obra expuesta en Museo de Bellas Artes de Virginia, Richmond, Virginia

En 1630 Artemisia se trasladó a Nápoles, una ciudad rica con talleres y amantes de arte, en busca de nuevas y más lucrativas oportunidades laborales. Muchos otros artistas, incluyendo a Caravaggio, Annibale Carracci o Simon Vouet habían estado en Nápoles durante algún momento de sus vidas, y en aquella época, José de Ribera, Massimo Stanzione, y Domenichino estaban trabajando allí y más tarde, Giovanni Lanfranco y muchos otros acudirían a esta ciudad.



Virgen con el Niño y dos ángeles (San Gennaro nell'anfiteatro di Pozzuoli)
Artemisia Gentileschi, 1636-37- Óleo sobre lienzo • Barroco-200 cm × 300 cm
Museo de Capodimonte, Nápoles, Bandera de Italia Italia


 El debut napolitano de Artemisia está representado por la Anunciación en el Museo de Capodimonte. Permaneció en Nápoles durante el resto de su carrera con la excepción de su breve estancia en Londres y algún otro viaje. Nápoles (para constante lamento por Roma) representó para Artemisia una especie de segunda patria donde ocuparse de su familia (ambas hijas se casaron en Nápoles, con dote propia). Recibió muchas pruebas de la gran estima en la que se la tenía, y estuvo en buenas relaciones con el virrey, el Duque de Alcalá. Tuvo relaciones de intercambio con sus pares y con los mayores artistas que allí estaban, comenzando por Massimo Stanzione, con quien, según el escritor del siglo XVIII Bernardo de' Dominici, comenzó una colaboración artística basada en una auténtica amistad y parecidos artísticos.
 


Nacimiento de San Juan Bautista (Nascita di San Giovanni Battista) - Artemisia Gentileschi, 1633-1635 Óleo sobre lienzo- 164 cm × 258 cm - Museo del Prado, Madrid, España

 «La Corte ninfa y sátiro ",Artemisia Gentileschi,
Óleo sobre lienzo, cm 155 x 210 

En Nápoles, por primera vez, Artemisia empezó a trabajar en cuadros para una catedral, dedicados a San Gennaro nell'anfiteatro di Pozzuoli (San Jenaro en el anfiteatro de Pozzuoli) en Pozzuoli. Durante su primer periodo napolitano pintó Nascita di San Giovanni Battista (Nacimiento de san Juan Bautista) que se conserva en el Museo del Prado de Madrid, y Corisca e il satiro (Corisca y el sátiro), en una colección privada. En estas pinturas Artemisia demuestra nuevamente su capacidad de renovarse según los gustos artísticos de su tiempo y de manejar diferentes temas, en lugar de las usuales Judith, Susana, Betsabé, y Magdalena penitente, por las que ya era conocida.



Artemisia Gentileschi - 1636-38 - Betsabea

Autoritratto in veste di Pittura ("Autorretrato como la Alegoría de la Pintura").Artemisia Gentileschi


En 1638 Artemisia se reunió con su padre en Londres en la corte de Carlos I de Inglaterra, donde Orazio se convirtió en pintor cortesano y recibió el importante encargo de decorar un techo (alegoría del Trionfo della pace e delle Arti [Triunfo de la paz y de las artes]) en la Casa delle Delizie de la reina Enriqueta María de Francia en Greenwich. El padre y la hija estaban una vez más trabajando juntos, aunque ayudar a su padre probablemente no fuera su única razón para viajar a Londres: Carlos I la había llamado a su corte, y no era posible rechazarlo. Este rey era un coleccionista fanático, dispuesto a arruinar las finanzas públicas para satisfacer sus deseos artísticos. La fama de Artemisia probablemente lo intrigase, y no es una coincidencia que su colección incluyera un cuadro muy sugerente, el Autoritratto in veste di Pittura ("Autorretrato como la Alegoría de la Pintura").

Orazio murió repentinamente, cuidado por su hija, en 1639. Artemisia tuvo que cumplir sus propios encargos después de la muerte de su padre, aunque no hay obras que puedan asignarse con certeza a este periodo. Se sabe que Artemisia ya había abandonado Inglaterra en 1642, cuando se producían las primeras escaramuzas de la guerra civil.

No se sabe mucho de sus movimientos posteriores. Se cree que partió definitivamente a Nápoles en 1642 donde pasó el resto de su vida. Los historiadores saben que en 1649 estaba de nuevo en la ciudad partenopea, en correspondencia con Don Antonio Ruffo de Sicilia quien se convirtió en su mentor y buen comitente durante su segundo periodo napolitano. La última carta conocida a su mentor data de 1650 y deja claro que ella estaba aún plenamente en activo.



 «Giuditta e la fantesca Abra con la testa di Oloferne», Artemisia Gentileschi - Obra de alrededor de los años1645-50 circa -Óleo en tela, cm 272 x 221- 
Nápoles, Museo Nazionale di Capodimonte.

Se pensó que Artemisia había muerto en 1653. Evidencias recientes, sin embargo, muestran que aún aceptaba encargos en 1654, aunque dependía cada vez más de su asistente, Onofrio Palumbo. Por lo tanto, puede especularse con su muerte en la devastadora plaga que asoló Nápoles en 1656 y virtualmente barrió a toda una generación de artistas napolitanos.



  Por la mañana


 Virgen con el Niño y un rosario-  Artemisia Gentileschi

Susana y los viejos. 1649 - Artemisia Gentileschi

Algunas obras de este periodo son Susanna e i vecchioni (Susana y los viejos) hoy en Brno y Madonna e Bambino con rosario (Virgen con el Niño y un rosario) hoy en El Escorial.
Su tumba se encontraba en la iglesia de San Juan de los Florentinos de Nápoles, que fue destruida tras la Segunda Guerra Mundial. En su lápida estaba escrito HEIC ARTEMISIA.
Después de su muerte fue prácticamente olvidada.

HOMENAJES



A Artemisia Lomi Gentileschi se le han dedicado diversos homenajes póstumos, especialmente a partir del siglo XX, cuando su figura fue redescubierta y reivindicada tanto en el ámbito artístico como en el feminista.

 


Incorporación en "The Dinner Party" de Judy Chicago (1979):

Gentileschi es una de las 39 mujeres representadas con un cubierto propio en esta emblemática instalación feminista, que celebra el papel de mujeres influyentes en la historia occidental.

Además, su nombre aparece inscrito en The Heritage Floor junto a otras 999 mujeres.

El diseño de su cubierto hace referencia a su obra y simboliza su fuerza física y emocional como artista y mujer.

 

Retrospectivas y exposiciones internacionales:

En el siglo XXI, museos de renombre han dedicado grandes exposiciones a su obra, destacando la retrospectiva organizada por la National Gallery de Londres en 2020, que presentó una visión integral de su vida y producción artística, consolidando su lugar en la historia del arte.

 


Reconocimiento en la cultura popular y digital:

El 8 de julio de 2020, Google le dedicó un doodle en conmemoración de su natalicio, visibilizando su legado como pionera y referente del arte feminista ante una audiencia global.

 


Literatura y biografías:

Su vida ha inspirado novelas y ensayos, como la novela Artemisia de Anna Banti (1947), considerada la primera novela sobre la artista.

Esta obra ayudó a difundir su historia y a renovar el interés por su figura, especialmente en el contexto del feminismo y la reivindicación de mujeres artistas.

 Estos homenajes han contribuido a rescatar la memoria de Artemisia Gentileschi, situándola como una figura central tanto en la historia del arte barroco como en la lucha por el reconocimiento de las mujeres en la cultura occidental.

 

LEGADO


 

Artemisia Gentileschi no solo revolucionó la representación de la mujer en el arte, sino que abrió caminos para la igualdad de género y el reconocimiento de las artistas mujeres, consolidando un legado que sigue inspirando y transformando la cultura visual hasta nuestros días.

Artemisia Gentileschi dejó una huella profunda y duradera en la historia del arte, cuya influencia se percibe hasta hoy.

 

1. Representación de la mujer fuerte y empoderada

Fue pionera en retratar a mujeres como protagonistas activas, valientes y complejas, alejándose del rol pasivo tradicional.

Sus obras, como Judith decapitando a Holofernes y Susana y los viejos, muestran a mujeres que enfrentan el poder y la adversidad desde una perspectiva inédita para su época.

Estas representaciones han servido de inspiración para generaciones de artistas y han sido adoptadas como símbolos de lucha y resiliencia femenina.

 

2. Apertura de caminos para mujeres artistas

Artemisia fue la primera mujer admitida en la Accademia delle Arti del Disegno de Florencia, rompiendo barreras en un mundo artístico dominado por hombres.

Demostró que una mujer podía vivir de su arte, negociar sus propios encargos y alcanzar reconocimiento internacional, sentando precedentes para las artistas posteriores.

 

3. Innovación estilística y técnica

Su dominio del claroscuro y el dramatismo, influido por Caravaggio, le permitió dotar a sus obras de una intensidad emocional única.

Logró transmitir emociones auténticas y una profunda psicología en sus personajes, especialmente en los femeninos, lo que la distingue dentro del Barroco italiano.

 

4. Temática feminista y denuncia social

Fue una de las primeras artistas en abordar temas como la violencia de género y la injusticia social desde una perspectiva femenina, dotando a sus obras de un mensaje reivindicativo que sigue siendo relevante en la actualidad.

Su vida y arte son hoy referentes del feminismo en la cultura visual y han sido objeto de revalorización y estudio contemporáneo.

 

5. Vigencia y reconocimiento actual

Sus pinturas se exhiben en museos de todo el mundo y su figura es objeto de exposiciones, investigaciones y homenajes internacionales.

Su influencia se extiende a artistas contemporáneos y su nombre es sinónimo de resistencia, talento y superación en el arte.

 FUENTES