Blog de Arinda

OBJETIVO :En este Blog vas a encontrar mis producciones en pintura y escultura. Además, material recopilado a través de mi trabajo como maestra, directora e inspectora, que puede ser de interés para docentes y estudiantes magisteriales .

jueves, 18 de diciembre de 2025

EL 18 DE DICIEMBRE DE 1939 NACÍA HAROLD VARMUS

 

Harold Varmus:

 Padre de Proto-

Oncogenes y

 Defensor de la

 Ciencia Abierta

 


Harold E. Varmus, nació el 18 de diciembre de 1939 en Oceanside, Nueva York.

Es un científico estadounidense galardonado con el Nobel por sus descubrimientos sobre el origen celular de los oncogenes retrovirales. Su trayectoria combina investigación pionera en cáncer, liderazgo en instituciones biomédicas clave y defensa del acceso abierto a la ciencia.

Harold E. Varmus nació en una familia de origen judío con abuelos inmigrantes de Europa del Este, específicamente polacos.

Su padre, Frank Varmus, era un médico de familia que ejercía en Long Island, Nueva York, e influyó en la decisión inicial de su hijo de estudiar medicina.​

Beatrice Varmus trabajaba como trabajadora social, con especialización en servicios sociales o psiquiátricos.

Harold E. Varmus creció en Freeport, Nueva York, cerca de Oceanside donde nació en 1939, y asistió a escuelas locales en esa área de Long Island.

No se detallan escuelas primarias específicas en las fuentes disponibles, pero Varmus realizó su educación elemental en el sistema escolar público de Freeport, Nueva York, durante su infancia en esa comunidad. Esta etapa formativa ocurrió en los años 1940 y principios de 1950, influida por su familia de origen judío en un entorno suburbano.​

Completó sus estudios secundarios en Freeport High School, graduándose en 1957.

Finalizada esta etapa ingresó directamente a Amherst College en 1957 donde obtuvo un B.A. en Literatura Inglesa de Amherst College.

En el año 1962, completó un M.A. en Inglés en Harvard, pero cambió a Medicina, ingresando al Columbia University College of Physicians and Surgeons

Ese mismo año, trabajó en un hospital misionero en India y en el Columbia Presbyterian Medical Center.

En el año 1969 se casó con Constance Casey, con la que tuvo dos hijos.

Harold E. Varmus evitó el servicio militar obligatorio en la Guerra de Vietnam uniéndose al Public Health Service (PHS) de 1968 a 1970, un mecanismo común para científicos en esa época.

Durante este período, trabajó en los National Institutes of Health (NIH) en Bethesda, Maryland, bajo la supervisión del bioquímico Ira Pastan en el Laboratorio de Biología Molecular.​

Esta asignación al PHS fue una alternativa al reclutamiento directo, permitiendo a Varmus contribuir a la investigación biomédica en lugar de servir en combate; eligió este camino tras completar su doctorado en medicina en Columbia en 1966 y un breve período clínico.

El enfoque en los NIH reflejaba su transición de la literatura inglesa y medicina clínica hacia la investigación molecular básica.​

En el laboratorio de Pastan, Varmus estudió la regulación génica en bacterias, específicamente cómo el AMP cíclico (cAMP) modula la expresión de genes en E. coli, explorando mecanismos de transducción de señales y catabolito represión.

Esta experiencia le proporcionó habilidades en biología molecular que aplicó posteriormente en su trabajo post-doctoral con J. Michael Bishop en UCSF sobre oncogenes virales. Publicó varios artículos clave en revistas como PNAS durante estos años, consolidando su base científica.​




En 1970, inició estudios postdoctorales con J. Michael Bishop en la Universidad de California, San Francisco (UCSF).

Su madre que fue diagnosticada con cáncer de mama poco antes de que Varmus se involucrara en la investigación del cáncer, lo que motivó parcialmente su carrera científica, falleció en 1971.​

Nombrado profesor asistente en Microbiología e Inmunología de UCSF en 1972,

El padre de Varmus murió en 1972 por enfermedad de la arteria coronaria, poco después de que la familia se mudara a California.

En el año 1975 fue elegido miembro del Academia Estadounidense de Artes y Ciencias.

Ascendió a profesor en 1979.

Harold E. Varmus recibió el Premio Albert Lasker de Investigación Médica Básica en 1982, compartido con J. Michael Bishop, por su descubrimiento pionero del origen celular de los oncogenes retrovirales.​

Este galardón, conocido como el "Nobel americano", reconoció su trabajo en la Universidad de California, San Francisco (UCSF), donde demostraron que los oncogenes virales provienen de genes normales en células humanas, revolucionando la comprensión genética del cáncer.

La ceremonia ocurrió en Nueva York, y el premio incluyó una medalla y una suma significativa, consolidando su reputación antes del Nobel de 1989.​

El Lasker impulsó su liderazgo científico, abriendo puertas a roles en política biomédica y financiamiento; Varmus lo mencionó como un hito clave en su autobiografía nobeliana. Formó parte de una serie de reconocimientos tempranos, incluyendo Científico del Año de California ese mismo año.

En el año 1984 recibe el Premio Alfred P. Sloan, Jr


Fue nombrado Profesor de Investigación de la American Cancer Society en 1984.

Con Bishop, identificó el gen celular c-Src origen del oncogén v-Src del virus del sarcoma de Rous, desencadenando el estudio de proto-oncogenes; otros aportes incluyen mecanismos de replicación retroviral, descubrimiento del proto-oncogén Wnt-1 (con Roel Nusse), frameshifting ribosomal (con Tyler Jacks) y modelos murinos de cáncer.​

Compartió el Premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1989 con Bishop por el origen celular de oncogenes retrovirales.

En el año 1990 le otorgan el Premio Placa Dorada de la Academia Estadounidense de Logros

Participó en la política científica con colegas de UCSF y co-lideró Scientists and Engineers for Clinton-Gore en 1992.​

Nominado por el presidente Clinton en julio de 1993 y confirmado en noviembre, dirigió los NIH hasta diciembre de 1999, duplicando casi el presupuesto, nombrando directores científicos destacados, impulsando investigación en SIDA y malaria, y emitiendo políticas sobre células madre y terapia génica.​

En el año 1994 es elegido miembro del Sociedad Filosófica Americana

Harold E. Varmus recibió la Medalla Nacional de la Ciencia en 2001, el más alto honor civil otorgado por el presidente de Estados Unidos a científicos por contribuciones excepcionales.​

Otorgada por el presidente George W. Bush en la categoría de Ciencias Biológicas, reconoció su descubrimiento de proto-oncogenes junto a J. Michael Bishop, así como su liderazgo en revitalizar la investigación biomédica durante su dirección en los NIH (1993-1999).

La ceremonia de entrega ocurrió en la Casa Blanca, y Varmus fue uno de seis laureados ese año, junto a figuras como Mario R. Capecchi y Victor A. McKusick.​

Este premio consolidó su legado post-Nobel, destacando no solo su investigación pionera en oncogenes sino también su impacto en políticas científicas y financiamiento de la salud pública. Varmus lo vinculó a su rol en duplicar el presupuesto de los NIH y promover avances en cáncer y enfermedades infecciosas.​

Actualmente con su esposa viven en el Upper West Side de Manhattan.

Sus dos hijos, Jacob, un trompetista y compositor de jazz que vive en Queens, y Christopher, un trabajador social que vive en Brooklyn. 

Varmus y Jacob han realizado una serie de conferencias-conciertos titulados "Genes y Jazz" en el Guggenheim y Museos Smithsonian, el Museo de Ciencias de Boston, el Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas y el Festival de Verano del Sur de Asia en Vancouver.

En el año 2000

Desde enero de 2000 hasta junio de 2010, presidió el Memorial Sloan Kettering Cancer Center (MSKCC), expandiendo facultades de investigación, construyendo el Zuckerman Research Center, fundando una escuela de posgrado en biología del cáncer y liderando campañas de capital.​

En el año 2002 recibe el Premio Novartis-Drew

En 2005 es elegido miembro extranjero de la Royal Society (ForMemRS)

En el año 2008: Premio Internacional Henry G. Friesen en Investigación en Salud

Nombrado por el presidente Obama en mayo de 2010, dirigió el National Cancer Institute hasta marzo de 2015, creando centros de genómica y salud global, programas de grants innovadores y una iniciativa sobre oncogenes RAS en el Frederick National Laboratory.​

En 2011 se le otorga la Medalla Doble Hélice

En el año 2012 recibe la Medalla Glenn T. Seaborg

Regresó a Weill Cornell Medicine como Lewis Thomas University Professor y al New York Genome Center; co-fundó PLOS para acceso abierto y promovió PubMed Central.

 Harold E. Varmus firmó en diciembre de 2024 una carta abierta impulsada por más de 75 ganadores del Premio Nobel, oponiéndose a la nominación de Robert F. Kennedy Jr. como Secretario de Salud y Servicios Humanos por el presidente Donald Trump.​

La carta, dirigida al Senado de EE.UU., advertía que confirmar a Kennedy "pondría en peligro la salud pública" debido a sus posturas antivacunas y escepticismo hacia la ciencia establecida, especialmente en vacunas y salud pública.

 Varmus, como exdirector de los NIH y del NCI, se unió a nobeles como David Baltimore y Michael Rosbash para defender la integridad científica en agencias federales.​

Este acto refleja su compromiso continuo con la evidencia científica y políticas basadas en datos, similar a su liderazgo en NIH y su promoción del acceso abierto.

La oposición se enmarcó en preocupaciones por el impacto en investigación biomédica y respuesta a pandemias.

Aunque fechada en 2024, coincide con el proceso de nominaciones extendido hasta 2025 bajo la administración Trump reelegida.​

Harold E. Varmus, a sus 86 años en 2025, se mantiene activo como científico emérito en Weill Cornell Medicine en Nueva York, donde ocupa la cátedra Lewis Thomas University Professor.

Continúa participando en debates públicos sobre políticas científicas, criticando recortes presupuestarios en los NIH y su impacto en la investigación biomédica.​

Harold E. Varmus en 2025 en Polonia


En 2025, ha dado entrevistas y participado en podcasts como Science Friday, alertando sobre los efectos de cambios políticos en la salud pública y financiamiento de cáncer.

Sigue vinculado al New York Genome Center, enfocándose en genómica del cáncer y acceso abierto a la ciencia a través de iniciativas como PLOS.​

Varmus firma declaraciones colectivas de nobeles contra políticas antivacunas y defiende la integridad de agencias como NIH y NCI, reflejando su rol como elder statesman en biomedicina. No lidera laboratorios activos, pero asesora y escribe sobre precision medicine y oncogenes.​

 

FUENTES

https://en.wikipedia.org/wiki/Harold_E._Varmus

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/varmus.htm

https://www.nih.gov/about-nih/nih-almanac/harold-e-varmus-md

https://www.nobelprize.org/prizes/medicine/1989/varmus/biographical/

https://vivo.weill.cornell.edu/display/cwid-varmus

https://www.mskcc.org/news/decade-leadership

https://www.usc.gal/es/programa-conciencia/harold-elliot-varmus

https://www.nygenome.org/about-us/our-people/faculty-scientists/harold-varmus-md/

 https://www.cshl.edu/giving/double-helix-medals-dinner/past-dhmd/2011-2/harold-e-varmus/

https://www.science.org/content/article/harold-varmus-stepping-down-director-us-cancer-institute


EL 18 DE DICIEMBRE DE 1766 NACÍA MARIE-GUILLERMINE BENOIST

una pintora revolucionaria en la Francia del siglo XVIII


Autorretrato- 1790

Marie-Guillemine Benoist, nacida como Marie-Guillemine de Laville-Leroux en París, el 18 de diciembre de 1768.
Fue una  pintora francesa de estilo neoclásico, cultivó la pintura histórica y de género.
 

Su padre, René Delaville-Leroulx, fue durante un tiempo, funcionario real.

Desde pequeña, Marie-Guillemine demostró un destacado talento para la pintura, algo que su padre quiso potenciar.

En 1783, ella y su hermana empezaron a tomar clases de arte de la mano de una de las artistas más importantes del momento, Élisabeth Vigée-Lebrun, pintora de cámara de la reina María Antonieta.

Años después, también recibió clases de otro grande del momento, Jacques-Louis David.

En 1784, conoció al poeta Charles-Albert Demoustier, quien se inspiró en ella para el personaje de Émile en su obra Lettres à Émilie sur la mythologie (1821).

 La inocencia entre la virtud y el vicio -1790
-Óleo sobre lienzo (87 × 115 cm)
Colección privada

En 1791, presentó su primer cuadro en el Salón de París, donde presentó un cuadro de asunto mitológico, Psique despidiéndose de su familia.

 En aquella misma época, pintó otra obra,  en la que ya empezó a plasmar su personal visión del mundo.

De la misma época es La Inocencia entre el vicio y la virtud, también inspirado en la mitología, adaptando el tema de Hércules en la encrucijada y reflejando sus inquietudes feministas, pues en él aparece el vicio en forma de varón, papel tradicionalmente ligado a un personaje femenino. 

En aquella época, Marie-Guillermine se había convertido en una pintora famosa. 

En 1793 se casó con un abogado, Pierre-Vincent Benoist, con el que llegó a tener tres hijos. 

Autorretrato 1796


Retrato de una dama por Marie-Guillemine Benoist, Museo de Arte de San Diego

Los primeros años de matrimonio, Marie-Guillermine compaginó su vida de casada con su carrera profesional. Llegó incluso a colaborar con su marido en la edición de obras literarias que ilustraba con su arte. De ellas, destaca la novela Marie, de Mary Wollstonecraft.


Retrato de una negra -1800    
Óleo sobre lienzo (65 × 81 cm)
Museo del Louvre     

En 1800, presentó en el Salón parisino una obra poco convencional, Retrato de una negra. En ella Marie-Guillermine inmortalizó a una antigua esclava, criada de su cuñado.

El cuadro muestra a una joven negra sentada en un sillón. 

Su cuerpo está orientado hacia la izquierda, pero se gira para mirar al espectador con una expresión sobria y dueña de sí misma. 

El tratamiento de su rostro sugiere que se trata de una semejanza de un individuo en particular. 

La mayor parte de su cabello está cubierto por un elaborado pañuelo blanco y viste una prenda blanca brillante que se desliza desde sus hombros para revelar la cálida piel oscura de su pecho derecho. 

El fondo es un campo beige liso, pero los adornos de su silla sugieren que está sentada en un interior bien amueblado. 

Los únicos colores brillantes en esta obra en gran parte monocromática son el rojo de una cinta que sujeta la tela blanca debajo de sus pechos y el azul de un chal que cubre el respaldo de su silla.

La pintura de Benoist es consistente con las convenciones del retrato y la estética neoclásica que prevalecían en Francia en 1800. 

El traje de la mujer recuerda la vestimenta de moda de la época, y su pose es similar a las que se ven en los retratos de Jacques-Louis David, como Madame Raymond de Verninac. El pecho desnudo subraya el contraste entre la piel y el tejido: en los retratos, una representación convincente de los tonos de la piel era crucial, y en la tradición europea, ya en el siglo XVI, la piel de los “etíopes” (como se llamaba comúnmente a los africanos) Se consideró especialmente difícil de pintar. 

El trabajo de Benoist es una sorprendente demostración de sus capacidades como retratista.

Con esta obra, visibilizaba a dos colectivos, las mujeres y los negros.

 A pesar de que la Francia colonial había abolido la esclavitud seis años antes, la condición social de los negros no había mejorado sustancialmente.

La de las mujeres tampoco Es muy probable que la pintora realizara esta obra con la intención de reivindicar la dignidad de todas ellas.

El cuadro será adquirido por Luis XVIII para el estado francés en 1818.

Retrato de Madame Tallien (c.1799), por Marie-Guillemine Benoist. 


Marie-Guillermine siguió pintando retratos de personas ilustres como Teresa Cabarrús. 

Teresa Cabarrús, también conocida como Madame Tallien, fue una dama española nacida en Carabanchel Alto, Madrid. Fue una figura destacada durante la Revolución Francesa, conocida como "Nuestra Señora de Termidor" en francés.

Se casó con Jean-Lambert Tallien y posteriormente con François Joseph de Riquet, conde de Caraman y luego príncipe de Chimay.

 Fue una influyente salonnière y socialité, y su vida estuvo marcada por su participación en la alta sociedad y su relación con figuras prominentes de la época, como Napoleón y Josefina Bonaparte. Nacida en una familia de nobleza y riqueza, su vida estuvo llena de eventos políticos y sociales significativos durante su tiempo en Francia


Napoléon Bonaparte


En el año 1803 Napoléon Bonaparte, en aquél momento Primer Cónsul, le encargó su retrato con destino a la ciudad de Gante, recientemente entregada a Francia por el Tratado de Lunéville.
 
En 1804 año más tarde recibió una medalla de oro del Salón y obtuvo una pensión gubernamental. 

También por entonces abrió un taller exclusivamente para mujeres a las que enseñaba pintura.





 Elisa Bonaparte, Grand Duchess of Tuscany, c 1805

Marie-Guillemine Benoist - Retrato de una dama elegante con paisaje romántico en primer plano- 1805



Retrato de Napoleona Elisa Baciocchi -1810
Óleo sobre lienzo -146.5 × 113.5 cm
Musée National du château de Fontainbleau  
  

 Sueño de la infancia y la vejez, 
óleo sobre lienzo, (89 x 118 cm)
Colección privada. 

Pauline Borghèse, Princesa y Musa. 1806. 
Óleo sobre lienzo, (216 x 215 cm). 
Museo National de Château de Versailles. 

Louise, reina de Prusia.
 Grabado en la técnica de stipple, (25.8 x 18.3 cm.)
 Fundación de Berlín Stadtmuseum de cobre


Madame Philippe Richemont Desbassayns (Jeanne Egle Mourgue y su hijo, Eugene. 
 Óleo sobre lienzo, (116,8 x 89,5 cm.) 


 Retrato de Guillaume Marie-Anne 
 Óleo sobre tabla     215 x 140 cmMusée de l'Histoire de France, Versalles

Retrato de una dama, 
Oleo sobre lienzo - 1799, 
Museo de arte de San Diego

En el año 1810 pinta el  Retrato de Napoleona Elisa Baciocchi.

La adivina- 1812

Marie-Guillermine disfrutaba de su éxito como pintora de grandes personalidades. 

Un éxito y una carrera prometedora que se truncó cuando su marido fue elevado a miembro del Consejo de Estado tras la Restauración Borbónica de 1814. 

Que un alto cargo del estado tuviera una esposa tan famosa, que pudiera hacer sombra a su marido era inconcebible. Marie-Guillermine fue invitada sutilmente a abandonar su carrera. 

Desde entonces y hasta el final de sus días, apenas pintó un puñado de cuadros. Marie-Guillemine Benoist falleció el 8 de octubre de 1826 en París.



OBRAS


    Psique despidiéndose de su familia (1791).
    La Inocencia entre el vicio y la virtud.
    Retrato de una negra (1800, Museo del Louvre).
    Retrato de Napoleón (1804, tribunal de Gante).
    Retrato del mariscal Brune (1805, detruido, copia en el Palacio de Versalles).
    Retrato de Paulina Borghèse (1807, Museo del Castillo de Versalles).
    Retrato de Marie-Élise, gran duquesa de Toscana (Pinacoteca Nazionale, Lucca).
    Retrato de la emperatriz Marie-Louise (Palacio de Fontainebleau).
    La lectura de la Biblia, (1810, Museo Municipal, Louviers).
    La consulta o La Diseuse de bonne-aventure, (Museo Municipal Saintes).

HOMENAJES

 


Marie-Guillemine Benoist (1768-1826), pintora neoclásica francesa, ha mantenido su legado principalmente a través de la preservación y exhibición de sus obras en museos prestigiosos, aunque homenajes póstumos formales son escasos.

Su recuerdo se sostiene por exposiciones en el Louvre y reconocimientos en artículos conmemorativos de aniversarios. No se documentan monumentos o premios específicos dedicados exclusivamente a ella.

 

Obras en Museos

Sus pinturas icónicas, como Retrato de una negra (1800), se exhiben permanentemente en el Museo del Louvre, atrayendo atención continua por su valor histórico y feminista.

Otras obras residen en el Metropolitano de Nueva York, Museo de Bellas Artes de Angers y Palazzo Mansi en Lucca, asegurando visibilidad global. Estas colecciones mantienen viva su influencia en el neoclasicismo y retratos de género.​

 

Reconocimientos Modernos

En 2017, el Legion of Honor de San Francisco adquirió y exhibió Psique despidiéndose de su familia (1791), destacándola en artículos como "5 cosas sobre la artista". Publicaciones en 2018 y 2024 la ubican como figura revolucionaria, con énfasis en su impacto en el Salón del Louvre.

En diciembre de 2018, Infobae conmemoró sus 250 años de nacimiento analizando sus "gestos feministas".​

 

Ausencia de Homenajes Formales

Tras su muerte en 1826, Benoist dejó de exponer en 1812 por presiones sociales, sin evidencias de tributos inmediatos como memoriales o retrospectivas dedicadas.

Su legado persiste más por redescubrimientos académicos que por celebraciones organizadas, reflejando el olvido inicial de artistas mujeres. Artículos recientes en blogs y redes sociales reviven su figura anualmente.

LEGADO

Marie-Guillemine Benoist dejó un legado significativo no solo a través de sus obras artísticas, sino también por su papel como defensora de la inclusión y representación femenina en el arte. 

Su vida y trabajo continúan inspirando a nuevas generaciones en la lucha por la igualdad y la justicia social.

Este legado se manifiesta en su contribución al arte y su enfoque en temas de emancipación femenina, racial y social. 


 Contribuciones Artísticas

Retrato de una mujer negra (1800): 

Esta obra es quizás la más emblemática de Benoist, representando a una antigua esclava y sirvienta. Este retrato no solo fue innovador por su temática, sino que también se convirtió en un símbolo de la emancipación racial, pintado solo seis años después de la abolición de la esclavitud en Francia.

La obra destaca por su tratamiento del color y la luz, acentuando la dignidad y humanidad de la modelo, lo que refleja un fuerte componente feminista y antiracista.

 La inocencia entre el vicio y la virtud (1791): 

En esta pintura, Benoist presenta un giro interpretativo al representar a figuras femeninas como encarnaciones de la virtud y el vicio, desafiando las representaciones masculinas tradicionales. 

Esta obra es un ejemplo temprano de su interés por subvertir las narrativas patriarcales en el arte.

 Legado Social

Benoist no solo fue una artista consumada, sino también una pionera en el ámbito del arte femenino. 

Abrió su taller para enseñar a mujeres interesadas en la pintura, contribuyendo a la visibilidad y profesionalización de las mujeres en el arte. 

Su carrera fue truncada por las circunstancias políticas y sociales de su tiempo; tras el ascenso de su esposo al Consejo de Estado, se vio obligada a renunciar a su carrera artística, lo que simboliza las limitaciones impuestas a las ujeres en el ámbito profesional durante esa época.

 Impacto Cultural

El impacto cultural de Benoist radica en cómo sus obras han sido reinterpretadas como manifestaciones tempranas del feminismo y del reconocimiento racial. 

Su trabajo ha resurgido en discusiones contemporáneas sobre la representación de las mujeres y las personas afrodescendientes en el arte, destacando su relevancia histórica y social.

  FUENTES

https://es.wikipedia.org/

https://www.mujeresenlahistoria.com/

https://www.lavanguardia.com/

https://www.pinterest.es/

https://smarthistory.org/

http://www.foroxerbar.com/

EL 18 DE DICIEMBRE 1879 NACIÓ PAUL KLEE

 El Universo Creativo de Paul Klee

Paul Klee 1911


Paul Klee nació el 18 de diciembre de 1879 en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza.

Fue un pintor y dibujante suizo-alemán, uno de los de los artistas más destacados del siglo XX. Según la ley suiza, Paul Klee tenía la nacionalidad de su padre. 

Paul nació de padres músicos, lo que explica su talento musical. 

La madre de Klee, de soltera Ida Maria Frick de Basilea, y su padre, nacido en Alemania, Hans Klee, se formaron como músicos. 

Esos conocimientos se los transmitieron a su hijo que tocaba tan bien el violín que a los 11 años recibió una invitación para tocar en la Orquesta Sinfónica de Berna.

En sus primeros años, siguiendo los deseos de sus padres, Klee se enfocó en sus estudios musicales; pero decidió dedicarse a las artes visuales durante su adolescencia, en parte por rebeldía y en parte por la creencia de que la música moderna carecía de significado para él. Afirmó: "No me pareció especialmente atractiva la idea de ir a la música de forma creativa en vista del declive en la historia de la música". Como músico, tocó y se sintió emocionalmente vinculado a las obras tradicionales de la música de los siglos XVIII y XIX, pero como artista anhelaba la libertad de explorar ideas y estilos radicales

Cuando era niño, Klee hacía delicados dibujos de paisajes, en los que él y sus padres veían la promesa de una carrera, y llenó su cuadernos escolares con bocetos cómicos.

Klee se educó en la clásica Literarschule (una escuela secundaria literaria) en Berna.

Joven Paul Klee

Cuando era joven, escribió poesía e incluso intentó escribir. reproduce.

Mi habitación (1896), -Foto de la Fundación Klee 


A los diecisiete años pintó a tinta Mi habitación (1896).

Después de varios cambios de residencia con su familia, finalmente, en 1897, se mudó a su propia casa en el distrito de Kirchenfeld en Berna.

Los diarios que llevó desde 1897 hasta 1918 son documentos valiosos, ricos en relatos detallados de sus experiencias y observaciones sobre el arte y la literatura.

Al graduarse en la Literarschule en 1898 se fue a Múnich, donde fue entonces capital artística de Alemania y se matriculó en la escuela de arte privada de Heinrich Knirr.

En 1899 fue admitido en la Academia de Munich, que entonces estaba bajo la dirección de Franz von Stuck, el pintor más destacado de Múnich. Stuck era un pintor académico bastante estricto de cuadros alegóricos, pero su énfasis en la imaginación resultó invaluable para el joven Klee.

Klee completó su educación artística con una visita de seis meses a Italia antes de regresar a Berna.

La belleza del arte de la antigua Roma y del Renacimiento lo llevaron cuestionar los estilos imitativos de sus profesores y de su propio trabajo anterior. Dando rienda suelta a su actitud generalmente sardónica hacia las personas y las instituciones, Klee recurrió a su indiscutible talento para la caricatura, son grotescos de la pretensión social, el triunfo y el fracaso artístico, y la naturaleza y los peligros de la mujer alegorías renacentistas, realizadas en 1903-05 después de su regreso de Italia y dibujados con una técnica ajustada inspirada en los grabados Invenciones, grabados, convirtiéndolo en una de las piedras angulares de su arte.

Sus primeras obras importantes, una serie de pasteles de colores, tizas de colores, tizas de colores.

Paul Klee y Lily Stumpf

En 1906, Klee se casó con Lily Stumpf, una pianista a la que había conocido cuando era estudiante de arte y fueron padres de 

En ese año se instaló en Munich para seguir su carrera.

Lily Klee, de soltera Stumpf ( 1876-1946), conoció por primera vez  famoso pintor de la modernidad clásica Paul Klee  en una velada musical en Munich el 8 de diciembre de 1899. 


Mathilde Klee, Lily Klee con Felix Klee en el regazo, Hans e Ida Klee-Frick, Berna 1908


Felix Klee

Felix Klee mantenía una correspondencia muy frecuente con su madre

Realizó su debut público ese año: una exposición de Inventos en Frankfurt am Main y Munich—fue en gran medida ignorada.

Intentó ganarse la vida escribiendo reseñas de exposiciones de arte y conciertos, impartiendo clases de dibujo natural y proporcionando ilustraciones para revistas y libros.

Tuvo un pequeño éxito como ilustrador: los dibujos que hizo en 1911-12 para la novela satírica de Voltaire.Cándido.

Entre sus primeras obras más logradas, estos dibujos intentan capturar el humor y la universalidad de la sátira, y por Durante muchos años, la pequeña familia de Klee (aumentada a tres en 1907 con el nacimiento de su único hijo, Félix) se mantuvo en gran medida gracias a las lecciones de piano de Lily.idiosincrásicas de Klee, fueron rechazadas por ser demasiado caricaturas reduciendo personajes, escenarios y detalles a cómicas ráfagas de líneas. En cuanto a las

 Durante los años siguientes, Klee comenzó a abordar su relativa ignorancia del arte francés moderno.

En 1905 visitó París, donde tomó especial nota de los impresionistas, y entre 1906 y 1909 conoció sucesivamente la obra del Posimpresionistas Vincent van Gogh y Paul Cézanne y del artista belga James Ensor.

También comenzó a explorar las posibilidades expresivas de los dibujos infantiles. Estas variadas influencias impartieron a su obra una libertad de expresión y una obstinación de estilo igualadas por pocos artistas de la época.

Klee alcanzó la vanguardia en 1911, cuando entró en el círculo deDer Blaue Reiter, una organización de artistas fundada en Munich ese año por el pintor ruso Wassily Kandinsky y el pintor alemán Franz Marc. Kandinsky estaba entonces en el proceso de formular su influyente teoría del arte abstracto como expresión espiritual, y mientras Klee sólo tenía una tolerancia limitada hacia su < a i=4>misticismo, el artista ruso, junto con Marc, le mostró hasta dónde se puede llegar con la abstracción y un enfoque visionario de los contenidos.

Klee también conoció una amplia variedad de pinturas cubistas francesas de las exposiciones de Der Blaue Reiter de 1911-12 y de una visita que realizó a París en abril de 1912. Quedó especialmente impresionado por el cubismo órfico del artista francés. Robert Delaunay.

La propia adopción por parte de Klee del estilo geométrico abstracto de los cubistas se ve en una serie de dibujos que realizó en 1912-13, que van desde imágenes cómicas de lujuria y caos su nuevo descubrimiento) sino que se parecen a, y en gran medida se inspiraron en, los patrones simples de los dibujos infantiles.

Klee se unió asimilado a representaciones simbólicas del destino. No son tan complejas como las composiciones cubistas (que vendrían más tarde, después de que Klee hubiera Cubismo al arte infantil porque creía que ambos devolvían el arte a sus fundamentos: el arte infantil por sus representaciones directas e ingenuas, y el cubismo por su geometría atemporal.

Junto al gusto de Klee por la caricatura, estos elementos dan como resultado una unión característica entre lo ridículo y lo sublime significado enigmático de Klee y más tarde por la belleza de su color.

Del cubismo, Klee también derivó el uso frecuente de letras y otros signos en sus obras: en el cubismo suelen ser simples indicadores de los objetos representados, pero en Klee se convierten en objetos por derecho propio, impregnando sus escenas de portentos y composiciones, dos cualidades aparentemente contradictorias mantenidas en suspenso por las rigurosas

Hasta 1914, a Klee le resultaba difícil pintar; sentía falta de confianza en sus habilidades como colorista y la mayor parte de su trabajo hasta ese momento había sido en blanco y negro.

Pero en abril de ese año realizó un viaje de dos semanas a Túnez con su amigo de la infancia Louis Moilliet y su colega pintor.August Macke de Der Blaue Reiter.

La intensa respuesta de Klee al paisaje norteafricano y el ejemplo del uso más avanzado que hizo Macke del colorido cubismo de Delaunay le aportaron nuevos seguridad como pintor.

Sus acuarelas líricas de Túnez, en las que el paisaje se simplifica en planos de colores transparentes, son su primera obra sostenida en color.

 Serían la base, en tema y estilo, de gran parte de su pintura de los años siguientes.

En el año 1916 Paul Klee se incorpora como reservista de infantería al ejército alemán, pocos días después de la muerte de su amigo Franz Marc en el frente. 

No tardará mucho en enterarse de que su padre había movilizado todos sus contactos para que no fuera llamado a filas.

Desde enero de 1917 hasta el final de la guerra, es transferido a la Escuela de Aviación de Gersthofen como secretario de tesoro. 

Su misión consiste en fotografiar los aviones que se estrellan, lo que podría explicar la aparición en su obra de un tema recurrente: el de los pájaros que caen.

Como suizo, sentía poco del celo patriótico y el entusiasmo marcial mostrados por muchos artistas e intelectuales alemanes, y luego se le libró del servicio en primera línea. promulgó legislación que eximía a los artistas del combate. 

Permaneció en Baviera, donde pudo continuar su arte. Muchas de las pinturas que Klee pintó durante los años de la guerra son paisajes infantiles románticos, donde la guerra hace su aparición indirectamente en imágenes de demonios o conflictos con el destino. Su encanto resultó popular entre el público y su obra comenzó a venderse.

Con el fin de la guerra en 1918, Klee, como muchos artistas alemanes, vio la esperanza de una nueva sociedad.

Su optimismo político puede explicar la exuberancia de su trabajo en este momento.

Continuó pintando paisajes evocadores, pero también volvió a las imágenes ridículas que había dibujado antes de la guerra.

Visitó a los dadaístas en Zúrich, y su obra se acerca a la de ellos en su humor y espíritu de absurdo. Entre las imágenes más llamativas de Klee del período de posguerra se encuentran sus pinturas al óleo transferidas, creadas con una técnica distintiva que ideó en 1919.

Esencialmente dibujos coloreados, se hacían calcando un dibujo (normalmente sobre papel de acuarela) a través de un papel de transferencia recubierto con una capa adhesiva. tinta o pintura negra y coloreando el resultado.

La casa giratoria- 1921

Sus líneas característicamente difusas y extendidas no se parecen a nada de la época y aportan una rica pátina a las imágenes divertidas o caprichosas de Klee. Entre ellas se encuentran obras tan conocidas como Perspectiva de la habitación con habitantes (1921), cuyos habitantes no habitan en la habitación sino dentro de las líneas de perspectiva que la crean. ; y Twittering Machine (1922), que representa un aparato cómico para hacer cantar a los pájaros.

En 1920, Klee recibió un nombramiento para enseñar en la Bauhaus, la escuela de diseño moderno fundada en 1919 en Weimar, Alemania, por el arquitecto Walter Gropius. La tarea principal de Klee, al igual que la de sus compañeros artistas de la Bauhaus, Kandinsky y László Moholy-Nagy, era dar conferencias en el programa básico de diseño sobre la mecánica del arte.


Marioneta de mano sin título (autorretrato), 1922


Sus conferencias en la Bauhaus, registradas en más de 3.300 páginas de notas y dibujos, fueron un notable intento de mostrar cómo los elementos formales del arte (construcciones lineales simples y motivos geométricos) podían usarse para construir estructuras simbólicas complejas. =8>composiciones. Klee expuso sus propios métodos en el Pädagogisches Skizzenbuch (1925; Pedagogical Sketchbook).

La estética geométrica predominante de la década de 1920 y los intentos de Klee de enseñar una metodología los objetos (rostros, animales, copas, cuerpos celestes) coexisten en un espacio negro e indiferenciado.dispares determinada se reduce drásticamente.

Entre los muchos tipos de composiciones resultantes de esta práctica se encuentran cuadros hechos enteramente de cuadrados de colores, estrías horizontales o patrones que se asemejan al tejido de una cesta y, entre los más evocadores, una serie de pinturas en las que composición

El pez dorado- 1925

A mediados de la década de 1920, la reputación de Klee se había extendido mucho más allá de Alemania .

En 1925 realizó su primera exposición individual en París, la capital del arte europeo.

En 1926, se muda a Dessau y convive con los Kandinsky. En otoño, viaja nuevamente a Italia. 

El gato y el pájaro, obra de 1928, Museo de Arte Moderno de Nueva York.


A medida que avanzaba la década, sus conferencias quincenales y sus deberes administrativos, y la tensión casi constante en la Bauhaus sobre la política y la política, se volvieron cada vez más onerosos, y en 1931 renunció para ocupar un puesto menos exigente en la Academia de Dusseldorf.

En 1928, visita Egipto.

Continuó trabajando con formas geométricas, sobre todo en sus pinturas puntillista de 1930-1932, ricas pero minuciosamente representadas, con sus superficies en forma de mosaico de puntos de colores. —entre ellos su pintura más grande hasta la fecha, Ad Parnassum (1932).


¿Qué le falta? (What Is He Missing?), 1930, dibujo de sello en tinta, papel Ingres sobre cartón , Fondation Beyeler, Riehen cerca de Basilea

Pero la mayoría de sus fotografías de principios y mediados de la década de 1930 muestran diversos intentos de relajar su estilo, con composiciones y pinceladas más libres.

Klee permaneció en la Academia de Dusseldorf hasta 1933, cuando Adolf Hitler llegó al poder; A partir de entonces ya no fue posible trabajar en Alemania. Como artista moderno, Klee fue destituido de su cargo y la Gestapo registró su casa y su estudio debido a sus conocidas simpatías izquierdistas.

A pesar de estas dificultades, Klee continuó produciendo su arte sin restricciones. Los dibujos que realizó en esta época son en su mayoría representativos e incluso narrativos; muchos reflejan directamente los disturbios políticos de la época, abordando de manera irónica la demagogia, el militarismo, la violencia política y la emigración.

Pero la actividad creativa de Klee no iba a continuar ininterrumpidamente.

A finales de 1933 regresó al relativo aislamiento artístico de Suiza, donde las perturbaciones provocadas por su traslado, junto con su repentina incertidumbre financiera, tuvieron un impacto negativo. tanto en la calidad como en la cantidad de su trabajo.

Sus dificultades se vieron agravadas en el verano de 1935 por la aparición de una enfermedad incurable. Al principio se diagnosticó erróneamente como una variedad de dolencias menores, pero finalmente se reconoció como esclerodermia, una afección. en el que los tejidos conectivos del cuerpo se vuelven fibrosos.

Sus graves síntomas iniciales, que iban desde sarpullido hasta alteraciones glandulares y dificultades respiratorias y digestivas, dejaron a Klee incapaz de trabajar durante más de un año.

Revolution des Viadukts (Revolución del viaducto), 1937


Pero en 1937 la remisión temporal de su enfermedad provocó una notable efusión de energía creativa que se mantuvo hasta sólo unos meses antes de su muerte en 1940.

Las últimas pinturas y dibujos de Klee están fuertemente influenciados por las duras distorsiones de la obra de Pablo Picasso de las décadas de 1920 y 1930.

Lo que el maestro español le dio a Klee en estos últimos años fue un medio para expresar la urgencia que Klee sentía a medida que su salud empeoraba. Los pequeños detalles y los delicados matices y tintes que habían dado a su obra anterior su refinamiento característico son reemplazados por trazos atrevidos y simples y una nueva intensidad de color.

El sentido del humor de estas últimas obras queda ahora silenciado por la gravedad del estilo de Klee y, sobre todo, por las imágenes de la muerte.

Paul Klee en su estudio, Kistlerweg 6, Berna, 1938. Fotógrafo: Felix Klee. — © Zentrum Paul Klee, Berna, donación de la familia Klee


Entre esas obras se encuentran dibujos irónicos de ángeles (1939-1940), que todavía están medio apegados por recuerdos y deseos a su antiguo yo, y Muerte y fuego (1940), la evocación de Klee del inframundo, en la que un rostro arrepentido de la muerte se sitúa en un escenario infernal de color rojo fuego.

Estas últimas imágenes se encuentran entre las obras más memorables de Klee y son algunas de las representaciones de la muerte más significativas en la historia del arte.

Al final de su vida solicitó la ciudadanía suiza, pero murió pocos días antes de que se la concedieran.

En 1936 se le diagnosticó esclerodermia, una grave enfermedad degenerativa que le acompañaría el resto de su vida, aunque siguió trabajando a buen ritmo.

En 1940 fue internado en una clínica de Muralto-Locarno, donde falleció el 29 de junio de ese año.


HOMENAJES

 

Paul Klee ha recibido numerosos homenajes póstumos que mantienen vivo su legado artístico a través de museos dedicados, exposiciones retrospectivas y obras inspiradas en su figura.

Estos esfuerzos comenzaron poco después de su muerte en 1940 y continúan hasta la actualidad con conmemoraciones anuales y aniversarias.​

 

Homenajes Inmediatos

Exposiciones memoriales itinerantes se organizaron en 1941 por el Museum of Modern Art de Nueva York, recorriendo ciudades como San Francisco.

En 1942, Duncan Phillips y Karl Nierendorf crearon una muestra conmemorativa en The Phillips Collection.




Su hijo Felix colocó una inscripción en su lápida en el cementerio Schosshaldenfriedhof de Berna, reflejando su credo filosófico.​

 

Museos y Fundaciones

 Museo de Paul Klee en Berna.

En 1947, la Fundación Paul Klee se estableció en Berna por coleccionistas locales, integrada al Kunstmuseum Bern hasta 2004.

El Zentrum Paul Klee abrió en 2005, diseñado por Renzo Piano, como centro de investigación con la mayor colección mundial de sus obras (unas 9.000 en total).

En 2025 celebra 20 años con exposiciones, conciertos y eventos comunitarios como slackline, música en vivo y talleres en Creaviva.​

 

Exposiciones a Través de los Años

Retrospectivas clave incluyen Tate Gallery (1945), Stedelijk Museum (1957),

 Akademie der Künste Berlín (1961)

y Metropolitan Museum of Art con la Colección Berggruen.

En 1979, Worthington Gallery celebró su centenario.

Otras incluyen Kunstmuseum Bern (1956, 574 obras) y muestras en 2025 sobre su relación con la música y portadas de libros.​

 

Obras Inspiradas

Artistas como Frieder Nake crearon "Hommage à Paul Klee" (1965) en arte computacional. Compositores como Tan Dun ("Death and Fire", 1992) y Gunther Schuller rindieron tributo musical.

Pintores como Rubén Núñez (1992) y eventos como el 85 aniversario de su muerte en 2025 mantienen su influencia.​


El legado de Paul Klee

 


Aunque Klee no perteneció a ningún movimiento, asimiló, e incluso anticipó, en su obra la mayoría de las principales tendencias artísticas de su época. Utilizando enfoques tanto figurativos como abstractos, produjo una inmensa obra de unas 9.000 pinturas, dibujos y acuarelas en una gran variedad de estilos.

Sus obras tienden a ser de pequeña escala y destacan por sus delicados matices de línea, color y tonalidad.

En el arte altamente sofisticado de Klee, la ironía y el sentido del absurdo se unen a una intensa evocación del misterio y la belleza de la naturaleza.

Afirmando que el arte era una parábola de la Creación, Klee representó todo, desde figuras humanas y debilidades hasta paisajes y microcosmos de los reinos vegetal y animal, todo con una mirada que se burlaba tanto como alababa; fue uno de los grandes humoristas del arte del siglo XX y su ironista supremo.

La música ocupa un lugar destacado en su obra: en sus numerosas imágenes de ópera y de músicos, y hasta cierto punto como modelo para su composiciones.

Pero la literatura ejercía mayor atracción sobre él; su arte está impregnado de alusión poética y mítica, y los títulos que dio a sus imágenes tienden a cargarlas con significados adicionales.

La obra de Klee fue demasiado personal para fundar una escuela o un estilo, pero ha tenido una influencia amplia y profunda.


FUENTES

https://www.aboutswitzerland.eda.admin.ch/es/el-universo-de-imagenes-de-paul

https://es.wikipedia.org/

https://www.theartstory.org/

https://www.britannica.com/

https://www.metmuseum.org/

https://historia-arte.com/

https://www.arthistoricum.net/