Los Mundos Oníricos de
Magritte: Un Viaje a Través
del Surrealismo
Fue un pintor surrealista belga que dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.
Poco se conoce acerca de los primeros años de Magritte.
Realiza sus primeros cursos de pintura en Châtelet.
En 1915 comienza a hacer sus primeras obras en la línea del impresionismo.
En diciembre de 1920 hasta septiembre de 1921, Magritte sirvió en la infantería belga en la ciudad flamenca de Beverlo cerca de Leopoldsburg.
Su obra del periodo 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro, muestran las influencias del cubismo, del orfismo, del futurismo y del purismo.
En 1922-1923, trabajó como dibujante en una fábrica de papel pintado y fue diseñador de publicidad.
En 1922 ve una reproducción de La canción de amor de De Chirico, que le impresiona profundamente,
Este año de 1926, un contrato con la Galerie le Centaure en Bruselas hizo posible que pudiera dedicarse a pintar a tiempo completo.En esta época Magritte produjo su primera pintura surrealista, el "El Jockey perdido" (Le jockey perdu).
Ese año pinta también "La túnica de la aventura "(1926) expresa su sentido del misterio del mundo por medio de la irracional yuxtaposición de objetos en una atmósfera silenciosa.
En "El asesino amenazado" (1926), el espacio perspectivo deriva de De Chirico y de los decorados de los primeros melodramas cinematográficos. En este mismo año se une a otros músicos, escritores y artistas belgas, en un grupo informal comparable al de los surrealistas de París.
Placer-
1927
La explicación detrás de esta
pintura es bastante simple : un día Magritte vio a su esposa comiendo un pájaro
de chocolate , entonces decidió que haría una pintura de una mujer joven
comiendo un pájaro vivo . Evidentemente, decidió no utilizar un retrato exacto
de Georgette debido a la naturaleza gráfica del material del tema.
Aporta al Surrealismo parisino un resurgimiento del ilusionismo. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de debate.
En 1927 celebró su primera exposición en Bruselas que obtuvo muy mala crítica.
Deprimido por el fracaso, se trasladó a París, donde se hizo amigo de André Breton y se involucró en el grupo surrealista.
Tentativa
de lo imposible- 1928
Una obra en la que pinta, o
crea literalmente, a la modelo. Es una tentativa imposible, pero que lo hace
posible en el mismo cuadro. Una vez más vuelve a indagar la relación que existe
entre la realidad y la ilusión, ya que dibuja a la modelo tal y como el desea.
Se trata de un cuadro de 1928.
En 1928 participa en la exposición surrealista en la galería Goemans de París.
En la obra se lee "Ceci n'est pas une pipe", que significa "esto no es una pipa".
Esta
fue la afirmación del artista con esta obra, defendiendo que realmente no lo
era, sino que era la mera imagen de una pipa. Este simple argumento, el cual
refuerza la división entre realidad e imagen, lo utilizó para justificar una
buena parte de su obra, especialmente aquellas pinturas más alocadas y
surrealistas.
Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma.
Desde el punto de vista psicoanalítico, el espejo representa la confusión de identidad del falso yo. Esta confusión se da en el espectador en el momento de contemplar la obra, al no saber si "está viendo un reflejo del cielo o si mira el cielo a través del ojo" o "si el ojo del cuadro nos mira a nosotros o al cielo".
En 1930 regresa a Bruselas huyendo del ambiente polémico parisino, y allí pasa tranquilo el resto de sus días.
En 1933 hace una exposición individual en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas.
En 1936 su primera exposición individual en Estados Unidos en la galería Julien Levy de Nueva York.
En ese mismo año su obra está presente en Arte fantástico, Dadá, Surrealismo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
En el año 1937 pinta "El principio del placer", es el portarretrato de Edward James, un figura ligada al movimiento surrealista, identifica a un hombre elegante que está sentado con una postura discreta, y que su rostro es un bombillo que alumbra de una manera fuerte.
La posición del hombre denota una espera; está sentado pero a la vez esta atento de algo, esto se infiere porque su mano derecha no está puesta en su totalidad sobre el escritorio y la mano izquierda no se puede observar. Otro aspecto importante es que en diagonal a la mano derecha del señor hay una tela doblada dos veces a la mitad, arrugada y corroída; no obstante, no se alcanza a notar si esta puesta totalmente sobre el escritorio.
De acuerdo a la descripción anterior el hombre aguarda algo, esta a la espera de algo que puede llegar. La pintura, se ubica en una época surrealista, donde la visión de la vida es singular ya que su ideal va en contra de la cultura de la burguesía y adornado con una perplejidad social propio de la época. René Magritte es signo de realidad e ilusión como también de misticismo.
"El
tiempo perforado"- 1938
Esta enigmática obra, fue la
segunda que el artista regaló a su benefactor, el poeta británico amante del
surrealismo Edward James, quien invitó a su casa de Londres a Magritte, en no
pocas ocasiones. Este cuadro fue a ocupar en esa casa el espacio sobre la
chimenea.
A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.
En esta época la obra de Magritte adopta una paleta y una pincelada impresionistas.
Entre los años 1947-1948 desarrolla sus cuadros llamados fauvistas.
La respuesta de la crítica es, en general, hostil hacia estas obras, y Magritte vuelve a su acostumbrado estilo.
En los dos decenios sucesivos 50 y 60, recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica.
De esta composición surrealista no se conoce la interpretación "oficial" del artista, sino que se ha especulado en varias direcciones sobre su significado. De lo que no cabe duda es que la obra es autobiográfica, porque muestra un edificio estilo belga, y los personajes están caracterizados claramente al modo que Magritte lucía en la vida real.
"Gotas de lluvia con la forma del propio artista, que está por todas partes", es una de las interpretaciones más difundidas. Siempre intentó establecer una línea divisoria entre lo real y lo representativo, muchas veces jactándose de que su pintura era más lúdica que formal.
Desde 1953 expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra.Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas,
Son característicos de los años cincuenta los cuadros en los que tanto figuras interiores como paisajes y objetos aparecen convertidos en roca.
"Las formas básicas y los temas, sin embargo, continúan la fantasía del lugar común durante los años sesenta. Una escena urbana nocturna a la que se le superpone un cielo azul con nubes de atardecer flotando; carreras de jockeys en coches y por habitaciones; o una elegante amazona paseando por un bosque mientras es segmentada por los árboles. Pero el mundo de Magritte contiene siempre al misterioso hombre invisible con bombín y abrigo negro solo o en grupos, como en Golconda (1953), donde una multitud de ellos desciende sobre la ciudad" (Arnason).
En el año 1960 expone en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston.
"La
gratitud infinita" -1963
Esta puede ser la pintura con los visos más trascendentales que se le conoce, no por casualidad podía estar pensando en la muerte o el más allá, ya que le que cumplía 68 años, en una época en la que llegar a eso era toda una hazaña, de hecho, murió tres años después.
2 conceptos principales son
aquí representados: los dos personajes gemelos de alma y la infinidad del
cielo. Ambos de algún modo flotan y charlan mientras "ascienden" a un
estado más elevado, donde podrán seguir compartiendo.
"El hijo del hombre"-
1964
Sin duda esta es la obra más
célebre del artista, reproducida hasta la saciedad en todo tipo de decoración
impresa como posters y otros. El gran éxito de esta figura radica, a juicio de
algunos expertos, en la originalidad contenida en lo simple de la figura, a lo
que se añade la complejidad del concepto "Hijo del hombre".
Entran en el juego significados de gran cantidad de elementos, los principales son el relato bíblico de la manzana de Adán y la vida contemporánea en la Europa de aquel entonces, lo último patente en el atuendo del personaje.
"La
gran guerra" -Año: 1964
De fondo una valla de piedra y
el cielo lizo, muy similar al fondo de otros muchas pinturas de Magritte,
incluyendo "El hijo del hombre" y "El arte de vivir". Solo
que esta vez, el personaje es completamente desconcertante, una mujer vestida
completamente de blanco, a la usanza de la época, con sombrilla, bolso y unas
flores moradas con hojas verdes en el lugar de la cara. Sin duda es enigmático
¿Que conexión puede haber encontrado el artista entre este personaje y la
guerra? No hay que olvidar que Magritte vivió la Primera y Segunda Guerra
Mundial, por lo que sabía exactamente lo que hacía al conectarlas.
Quiso mostrarla como una dama
atractiva de rostro escondido, probablemente con alusión a uno de los lados más
oscuros de la guerra, es decir a las riquezas materiales que la guerra trae
consigo a algunos negocios.
Las
bellas realidades, 1964
Los términos de la relación
entre la manzana y mesa aparecen completamente invertidos: escala, posición
relativa y ubicación- flotando en el aire, con el mar o el cielo de fondo-. La
idea habitual de que una manzana se nos ofrece como posible manjar sobre una
mesa encuentra así un revés insólito y subversivo.
Viaja por primera vez a Estados Unidos en 1965, con motivo de una retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedica.
La
idea, 1966
La manzana no sustituye
exactamente a la cabeza del personaje, aunque su similitud formal permita decir
que alude a ella; más bien pone de relieve su ausencia, como si la flecha de
Guillermo Tell hubiera marrado su destino. En El arte de vivir, pintado un año
después, la cabeza del personaje ha sido reemplazada por un disco solar en cuyo
centro aparece un rostro.
La manzana es un tema recurrente en las obras de Magritte, y lo es en presentaciones diversas, ya sea flotando en el cielo, como máscara de un personaje o cómo única y contundente protagonista de la obra.
Su presencia es ambigua, dejando que el espectador interprete su significado y creando sobre ella un enigma, que era lo que más valoraba Magritte en estas creaciones.
Para él, la manzana simboliza la tensión entre lo que está oculto y lo visible, e incluso la usó para oscurecer su rostro en algunos autorretratos.
Durante el año siguiente viaja a Israel.
Muere en Bruselas el 15 de agosto de 1967, pocos días después de la inauguración de una importante muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.
En esta relación con Breton y los surrealistas,en ocasiones hubo distanciamientos entre ellos, Magritte siempre fue muy independiente, guardando su convicción por la pintura que el expresaba. En sus cuadros es muy notorio ver los juegos de duplicaciones, ausencias y representaciones dentro de representaciones, además Magritte manipulaba imágenes cotidianas como un juego con él que le muestra y hace participar a los espectadores en una apreciación por la visión.
Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.
Contrario ya al automatismo, su pintura se hizo reflexiva y minuciosa, y se caracterizó sobre todo por la asociación de elementos disímiles entre los que establece ingeniosas analogías o nexos insólitos y disparatados, pero convincentes dentro de la realidad pictórica. Así, sus referencias se van haciendo cada vez más intelectualizadas, hasta el punto de que muchas de sus obras deben leerse en relación con las tesis del estructuralismo. Son habituales en sus cuadros los juegos de duplicaciones, ausencias y representaciones dentro de representaciones.
HOMENAJES
René Magritte ha sido honrado póstumamente de múltiples maneras para mantener vivo su recuerdo y legado artístico, especialmente en Bélgica.
Museos y espacios dedicados
El Museo Magritte en Bruselas es el espacio más emblemático dedicado a su obra, albergando más de 200 de sus piezas y objetos personales.
Fue inaugurado en 2009 y es una referencia mundial para el estudio y la admiración de su trabajo. Este museo ofrece una experiencia inmersiva sobre su vida y proceso creativo.
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También sus obras forman parte de importantes colecciones en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en Madrid, el MoMA de Nueva York, y el Centro Pompidou en París, entre otros.
Además, su casa-museo en Bruselas, recreada con el mobiliario original y detalles históricos, funciona como homenaje a su vida y obra.
Estatuas, placas y
lugares conmemorativos
La tumba de Magritte, ubicada en el Cementerio de Schaerbeek en Bruselas, ha sido catalogada como monumento protegido, señalando su importancia cultural y memorial.
En la ciudad de Bruselas, donde vivió y murió, se han realizado homenajes y exposiciones que en ocasiones incluyen murales y intervenciones artísticas en espacios públicos ligados a su figura.
Cafés históricos
frecuentados por Magritte, como La Fleur en Papier Doré y Greenwich, también
forman parte del legado cultural tangible en su memoria.
Libros y
exposiciones
Numerosos libros y catálogos de arte han sido publicados para analizar y difundir la trayectoria y estilo de Magritte, destacando su originalidad en el surrealismo y su impacto en el arte contemporáneo.
Exposiciones especiales celebran aniversarios
significativos de su nacimiento y muerte, como la conmemoración de los 50 años
de su fallecimiento en 2017 en Bruselas, donde su legado fue destacado con
actividades y muestras artísticas.
Otros homenajes
Magritte ha sido homenajeado en diversas formas, incluyendo sellos postales que llevan su imagen o alguna de sus obras.
Estatuillas
La "Estatuilla
René Magritte: El terapeuta (The Healer)" es una escultura basada en una
de las pinturas más emblemáticas de Magritte, creada en 1967. Esta estatuilla
está basada en una obra original en bronce de grandes dimensiones (aproximadamente
149 x 127 x 90 cm) y fue producida en copias numeradas y limitadas.
La obra representa la idea del terapeuta, un tema recurrente en la pintura homónima de 1937, donde Magritte presenta a una figura con un sombrero de ala ancha, capa abierta y una jaula con palomas, simbolizando la condición humana, la libertad y la prisión mental.
La escultura traslada esta imagen del plano bidimensional de la pintura a una forma tridimensional, permitiendo una nueva experiencia y perspectiva del concepto del terapeuta en la obra de Magritte.
Su influencia permea también en la cultura popular, el
cine, la literatura y la publicidad, donde su estilo visual enigmático sigue
inspirando.
René Magritte permanece vivo en el imaginario artístico y cultural a través de museos dedicados, su tumba protegida, exposiciones, libros, sellos postales y murales en espacios públicos, que colectivamente garantizan que su legado siga vigente y reconocido a nivel mundial.
LEGADO
El legado artístico de René
Magritte es inmenso y sigue influyendo en el arte y la cultura contemporánea
hasta hoy.
Influencia en el arte
contemporáneo
Magritte revolucionó el surrealismo con su estilo enigmático y contenido, combinando imágenes familiares con conceptos misteriosos que desafían la percepción de la realidad.
A diferencia de otros surrealistas más caóticos, él creó un surrealismo claro, inteligente y reflexivo que invita a cuestionar lo que damos por cierto.
Su obra
es una fuente vital de inspiración para artistas contemporáneos que exploran la
mente y el subconsciente, y su forma de sugerir significados sin imponerlos
todavía se considera revolucionaria. Artistas como Andy Warhol, Jasper Johns y
Ed Ruscha han adoptado conceptos de su técnica, especialmente la
recontextualización de objetos cotidianos y la repetición.
Impacto en la cultura popular
y otras disciplinas
La influencia de Magritte trasciende las artes plásticas.
Su trabajo ha sido adoptado y referenciado en la publicidad, el cine, la literatura, la moda y la cultura popular. Obras icónicas como "La traición de las imágenes" o "El hijo del hombre" son reconocibles mundialmente y han sido reinterpretadas en diversos medios.
Esto demuestra que su legado no solo es artístico sino también
cultural y social.
Importancia conceptual y
estética
Magritte enseñó que el arte puede comunicar ideas profundas mediante imágenes aparentemente simples y comunes, desafiando las normas visuales y estéticas de su tiempo.
Su enfoque ha
ampliado la comprensión del arte y su relación con la mente humana y la
realidad, haciendo que lo absurdo se convierta en una herramienta para pensar y
cuestionar. Su influencia también se mantiene en movimientos artísticos como el
Pop Art y el Arte Conceptual.
René Magritte dejó un legado artístico que redefine la percepción y la realidad, sigue inspirando a artistas y creadores en múltiples disciplinas, y mantiene viva una invitación permanente a la imaginación y al cuestionamiento de lo evidente.
http://www.musee-magritte-museum.be/
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