jueves, 29 de febrero de 2024

29 DE FEBRERO DE 1792 NACÍA GIOACHINO ROSSINI


Gioachino Rossini: La

 Sinfonia de una Vida

 Apasionada

 



"Todos trabajamos por tres cosas: la fama, el oro y el placer. Tengo fama, no necesito oro, y los placeres de antaño me aburren"- Gioachino Rossini

Gioachino Antonio Rossini nació el 29 de febrero de 1792 en Pésaro, una ciudad en la costa adriática de Italia que entonces formaba parte de los Estados Pontificios.

Fue un compositor italiano que ganó fama por sus 39 óperas, aunque también escribió muchas canciones, algunas piezas de música de cámara y piano y algo de música sacra.

Estableció nuevos estándares tanto para la ópera cómica como para la seria antes de retirarse de la composición a gran escala cuando aún estaba en la treintena de edad, en el apogeo de su popularidad.

 

Giuseppe Rossini padre de Gioachino

Anna Rossini, née Guidarini (1771–1827), mother of Gioachino Rossini


Fue el único hijo de Giuseppe Rossini, trompetista y trompista, y su esposa Anna, de soltera Guidarini, costurera de oficio e hija de un panadero. 

Giuseppe Rossini era encantador, pero impetuoso e irresponsable.

La carga de mantener a la familia y criar al niño recayó principalmente en Anna, con algo de ayuda de su madre y de su suegra. 

 

A los seis años ya tocaba en la banda municipal.

Estudió música con su padre y cursó estudios en el conservatorio de Bolonia.

Rossini comenzó a componer a los 12 años y fue educado en la escuela de música de Bolonia.

Autor de la ópera Demetrio y Polibio en el año 1806.

Su primera ópera se representó en Venecia en 1810 cuando tenía 18 años.

Otra de su ópera cómica fue L'italiana in Algeri del año 1813.

En el año 1814 compone otra ópera cómica Il turco in Italia.

Gioachino Rossini en 1815



En 1815, se comprometió a escribir óperas y dirigir teatros en Nápoles.

En el período 1810-1823 escribió 34 óperas para la escena italiana que se representaron en Venecia, Milán, Ferrara, Nápoles y otros lugares.

Esta productividad requería un enfoque casi formulado para algunos componentes (como las oberturas) y una cierta cantidad de autopréstamo.

 En 1816, en Roma, escribió su obra más famosa, El barbero de Sevilla, basada en la trilogía literaria del barón francés Pierre-Augustin de Beaumarchais, cuya segunda parte, Las bodas de Fígaro, fue musicalizada por W. A. Mozart.


Isabella Colbran, esposa del compositor, en 1817


En el año 1817 compone La Cenicienta, que llevó a su máxima expresión la tradición de la ópera bufa que heredó de maestros como Domenico Cimarosa y Giovanni Paisiello.

Sus óperas tenían fama por su dificultad vocal, hasta el punto de que hasta los años setenta del siglo XX muchas de sus obras se creían imposibles de cantar, especialmente para la cuerda de tenor.

Rossini ha sido descrito por los biógrafos como hipocondríaco, colérico y depresivo, pero también como un bon vivant, amante de la buena comida y de las mujeres hermosas.

Gioachino Rossini en 1820


En el año 1822 Rossini contrajo matrimonio en Castenaso con la soprano española Isabel Colbran, que interpretó varias de sus primeras óperas.

Encuentro entre Gioachino Rossini y Jorge IV en Brighton Pavilion en 1823. Litografía de Charles Motte


En 1823 se trasladó a vivir a Francia donde compuso ese año la ópera Semiramide.

En 1824, la Ópera de París lo contrató, para que produjera una ópera para celebrar la coronación de Carlos X, El viaje a Reims (reutilizada más tarde para su primera ópera en francés, El conde Ory), revisiones de dos de sus óperas italianas, Le Siège de Corinthe y Mosè in Egitto.

El nuevo y altamente remunerado contrato de Rossini con el gobierno francés se negoció bajo el reinado de Luis XVIII, quien murió en septiembre de 1824, poco después de la llegada del compositor a París. Se acordó que el compositor produciría una grand opéra para la Académie Royale de Musique y una ópera bufa o una ópera semiseria para el Théâtre-italien.

 También iba a ayudar a dirigir el último teatro y revisar una de sus primeras obras para un nuevo montaje allí.

 La muerte del rey y el ascenso de Carlos X al trono cambiaron sus planes y su primera obra nueva para París fue El viaje a Reims, un entretenimiento operístico ofrecido en junio de 1825 para celebrar la coronación del rey. Fue la última ópera de Rossini con libreto italiano.

Permitió sólo cuatro representaciones de la pieza, con la intención de reutilizar lo mejor de la música en una ópera menos efímera.

La jubilación forzada de Colbran puso a prueba el matrimonio de los Rossini, dejándola desocupada mientras él continuaba siendo el centro de atención musical y constantemente solicitado. 

Para Rossini, París ofrecía continuas delicias gourmet y comenzó a aparecer su forma cada vez más oronda.

La primera de las cuatro óperas que Rossini escribió con libretos franceses fueron Le Siège de Corinthe en el año 1826 y Moïse et Pharaon del año 1827.

Ambas fueron reelaboraciones sustanciales de piezas escritas para Nápoles: Maometto II y Mosè in Egitto.

Tuvo mucho cuidado antes de comenzar a trabajar en la primera, ya que aprendió a hablar francés y se familiarizó con las formas operísticas tradicionales francesas de declamar el idioma. Además de dejar caer parte de la música original que tenía un estilo ornamentado pasado de moda en París, se acomodó a las preferencias locales al agregar bailes, números de himnos y un papel más importante para el coro.

Su madre murió en 1827. Se había dedicado a ella y sintió profundamente su pérdida. Ella y Colbran nunca se habían llevado bien y Servadio sugiere que después de la muerte de Anna, Rossini sintió resentimiento hacia la mujer sobreviviente en su vida.

 En 1828, Rossini escribió El conde Ory, su única ópera cómica en francés.

En el año 1829 Rossini escribió su largamente esperada grand opéra francesa, Guillermo Tell, basada en la obra de 1804 de Friedrich Schiller que se inspiraba en la leyenda de Guillermo Tell y fue típico de su estilo el crescendo orquestal en una frase repetida, que ha sido inmortalizado con la expresión crescendo rosiniano.

Guillermo Tell tuvo una buena recepción. La orquesta y los cantantes se reunieron fuera de la casa de Rossini después del estreno y realizaron el emocionante final del segundo acto en su honor.

El periódico Le Globe comentó que había comenzado una nueva era de la música. Gaetano Donizetti comentó que los primeros y últimos actos de la ópera los escribió Rossini, pero que el acto intermedio lo había escrito Dios.

La obra fue un éxito indudable, sin ser un gran éxito; el público tardó un poco en asimilarla y algunos cantantes la encontraron demasiado exigente. Sin embargo, fue producida en el extranjero pocos meses después del estreno y no había sospechas de que sería la última ópera del compositor.

Junto con Semiramide, Guillermo Tell es la ópera más larga de Rossini, con tres horas y cuarenta y cinco minutos, y el esfuerzo de componerlo lo dejó exhausto.

Aunque al cabo de un año estaba planeando un tratamiento operístico de la historia de Fausto, los acontecimientos y la mala salud se apoderaron de él.

Después de la inauguración de Guillermo Tell, los Rossini habían abandonado París y se alojaban en Castenaso.

Al cabo de un año, los acontecimientos de París hicieron que Rossini se apresurara a regresar.

Carlos X fue derrocado en una revolución en julio de 1830 y la nueva administración, encabezada por Luis Felipe I, anunció recortes radicales en el gasto público.

Entre los recortes estaba la anualidad vitalicia de Rossini, ganada después de duras negociaciones con el régimen anterior. Intentar restaurar la anualidad fue una de las razones del compositor para regresar. La otra era para estar con su nueva amante, Olympe Pélissier.

Dejó a Colbran en Castenaso y ella nunca regresó a París ni volvieron a vivir juntos.

Las razones de su retirada de la ópera se han discutido continuamente durante su vida y desde entonces.  Algunos han supuesto que a los treinta y siete años y con una salud variable, haber negociado una anualidad considerable con el gobierno francés y haber escrito treinta y nueve óperas, simplemente planeaba retirarse y cumplir con ese plan.

Rossini hacia 1830

Olympe Pélissier en 1830


En 1831 abandonó la composición y durante el resto de su vida tan solo escribió dos obras importantes. A pesar de este largo retiro siguió figurando como una de las personalidades más relevantes del mundo operístico.

En el año 1837 se realiza la separación formal de Rossini de su esposa, que permaneció en Castenaso.

En el año 1839 ocurre la muerte de su padre a la edad de ochenta años.

En el año 1842 compuso la obra Stabat Mater .

En 1845, Isabella Colbran enfermó gravemente y en septiembre Rossini la visitó. Un mes después murió.

En el año 1846 Rossini y Olympe Pélissier se casaron en Bolonia.

El 15 de marzo de 1847 Rossini obtuvo el título de noble de la República de San Marino.

 Los acontecimientos del Año de las Revoluciones en 1848 lo llevaron a alejarse del área de Bolonia, donde se sentía amenazado por la insurrección, y se estableció en Florencia, donde permaneció hasta 1855.

Gioachino Rossini, circa 1850



A principios de la década de 1850, su salud física y mental se había deteriorado hasta el punto en que su esposa y amigos temían por su cordura o por su vida. A mediados de la década, estaba claro que necesitaba regresar a París para recibir la atención médica más avanzada disponible en ese momento.

En abril de 1855, los Rossini partieron para su último viaje desde Italia a Francia.

Regresó a París a los sesenta y tres años y lo convirtió en su hogar por el resto de su vida.

Recuperó la salud y la alegría de vivir. Una vez establecido en la ciudad, mantuvo dos viviendas: un piso en la rue de la Chaussée-d'Antin, una elegante zona central, y una villa neoclásica construida para él en Passy, una comuna ahora absorbida por la ciudad, pero entonces semirrural.

Él y su esposa establecieron un salón que se hizo famoso internacionalmente.  La primera de sus reuniones del sábado por la noche: las samedi soirs, se celebró en diciembre de 1858.

En 1860, Richard Wagner visitó a Rossini a través de una introducción del amigo de Rossini, Edmond Michotte, quien unos cuarenta y cinco años más tarde escribió su relato de la genial conversación entre los dos compositores.

Una de las pocas obras tardías de Rossini destinadas a ser publicadas fue su Petite Messe Solennelle, estrenada en 1864.

Ese mismo año de 1864 mismo año, Napoleón III lo nombró gran oficial de la Legión de Honor.

La última reunión en el salón la realizó dos meses antes de su muerte en 1868.

Gioacchino Rossini murió el 13 de noviembre de 1868 en Passy, Francia, tras una larga lucha contra un cáncer de recto.

Después de un funeral al que asistieron más de cuatro mil personas en la iglesia de la Santa Trinidad de París y en el que se entonó la plegaria de su Mosè in Egitto.

Tumba ahora vacía de Rossini en el cementerio del Père Lachaise en París


Fue enterrado en el parisino Cementerio del Père-Lachaise. Sus restos fueron trasladados en 1887 a Florencia y descansan en la Basílica de la Santa Croce.

Tumba de Rossini en su ubicación final, la Basílica de la Santa Croce de Florencia. Escultura obra de Giuseppe Cassioli (1900)


Dejó a Olympe un interés vitalicio en su propiedad, que tras su muerte, diez años más tarde, pasó a la Comuna de Pésaro para el establecimiento de un Liceo Musicale, y financió una casa para cantantes de ópera jubilados en París.

HOMENAJE

La estatua de Gioacchino Rossini en Pesaro Italia


Pesaro - Conservatorio Gioachino Rossini

El Conservatorio Statale di Musica "Gioachino Rossini" es un conservatorio de música en Pesaro , Italia.

Fundado en 1869 con un legado del compositor Gioachino Rossini , el conservatorio abrió oficialmente en 1882 con 67 estudiantes y entonces era conocido como el Liceo musicale Rossini . 

En 2010 contaba con una matrícula de aproximadamente 850 estudiantes que cursaban diplomas superiores en canto, interpretación instrumental, composición, musicología, dirección coral, jazz o música electrónica.




Fachada del Teatro Rossini en Pésaro, donde tiene lugar el Rossini Opera Festival

Teatro Rossini es el nombre de un teatro de ópera en Pésaro (Italia), que sirve como sede del Rossini Opera Festival.

 Construido como el Teatro Nuovo (en el sitio original del Teatro del Sole de 1637), fue inaugurado el 10 de junio de 1818 con una actuación de La gazza ladra de Gioachino Rossini, dirigida por el compositor en su ciudad natal. Tiene capacidad para 860 personas, con un auditorio diseñado en forma de herradura clásica con cuatro niveles de palcos más la galería.



Rossini (1942) dirigida por Mario Bonnard y con Nino Besozzi en el personaje del compositor y o en Rossini! Rossini! (1991) de Mario Monicelli, con Sergio Castellitto y Philippe Noiret interpretando a Rossini de joven y anciano, respectivamente, y con Jacqueline Bisset en el papel de Isabella Colbran.


Turnedó Rossini

Rossini era un gran gourmet y varios platos de alta cocina recibieron su nombre por él. Algunos de ellos aparecieron más tarde en los menús de su casa después de que regresara a vivir a París en la década de 1850. Incluían Turnedó Rossini, Crema alla Rossini, Frittata alla Rossini y eran platos sofisticados que generalmente involucraban el uso de trufas y foie gras.



El cóctel Rossini, elaborado con vino blanco espumoso (generalmente Prosecco) y pulpa de fresas también recibe su nombre por el compositor.


El asteroide (8181) Rossini, descubierto por Liudmila Zhuravliova el 28 de septiembre de 1992, recibe su nombre en su honor.



El punto Rossini, punto cubierto de nieve en la costa sur de la isla Alejandro I en la Antártida, lleva su nombre por el compositor.






Sellos postales

FUENTES

https://iopera.es/

https://www.biografiasyvidas.com/

https://www.buscabiografias.com/

https://es.wikipedia.org/


miércoles, 28 de febrero de 2024

EL 28 DE FEBRERO DE 1811 SE PRODUJO EL GRITO DE ASENCIO EN LA BANDA ORIENTAL (HOY R.O.DEL URUGUAY)

 ASENCIO: CUNA  DE  LA LIBERTAD   EN  URUGUAY

El óleo titulado "La Mañana de Asencio" del artista Carlos María Herrera representa el Grito de Asencio, un evento crucial en la historia de Uruguay que tuvo lugar el 28 de febrero de 1811. Esta pintura captura el momento en que el contingente revolucionario liderado por Pedro José VieraVenancio Benavides decide iniciar la lucha contra las autoridades realistas españolas en la Banda Oriental


El 28 de febrero de hace 210 años, se produjo el hecho histórico conocido como “Grito de Asencio” o la “Admirable Alarma”.


El cuadro "El Grito de Asencio" del reconocido artista uruguayo Pedro Figari es una representación artística que captura el momento histórico del Grito de Asencio pintado en el año 1925.

A través de su obra visual, Pedro Figari logró plasmar la esencia y el significado del Grito de Asencio, permitiendo que este evento trascendental perdure en la memoria colectiva a través del arte.

Causas del Grito de Asencio

Entre las causas del Grito de Asencio se destacan las siguientes:

El vacío de poder generado en el Imperio español, tras la invasión napoleónica a España, la farsa de Bayona y la disolución de la Junta Central de Sevilla.

La Revolución de Mayo, que en 1810 desplazó del poder al virrey Cisneros y lo reemplazó por una junta de gobierno que trató de imponer su autoridad sobre todo el territorio del Virreinato del Río de la Plata.

Las humillaciones que sufrían los criollos orientales a manos de los funcionarios españoles, que los trataban con desdén y desprecio.

El malestar provocado por las medidas fiscales impulsadas por el virrey Elío para hacerse de recursos con los cuales financiar la guerra contra los gobiernos patrios asentados en Buenos Aires.

 



El óleo "Grito de Asencio" del artista Enrique Castells Capurro es una representación visual de este importante evento histórico. La obra refleja la valentía y determinación de aquellos patriotas que se alzaron en busca de la libertad y la independencia en la Banda Oriental.

Desarrollo

El Movimiento Emancipador en el Río de la Plata, se inició en Buenos Aires Capital del Virreinato, con el establecimiento de la Junta del “25 de Mayo” de 1810. 

Las Autoridades de la Junta sabían que para tener éxito en la Banda Oriental, había que conseguir un fuerte Líder Militar con liderazgo en los Pueblos y habitantes de la Campaña, porque  Montevideo era un bastión militar de España en el Río de la Plata y el Atlántico Sur y Apostadero de la Real Armada Española, la mayor base naval del Atlántico Sur de la “Real Armada Española”, que controlaba las islas Malvinas y toda la Patagonia hasta el sur de Chile actual.

Siempre había al menos cuatro fragatas y bergantines de apoyo en tiempos normales. Además buena parte de la población criolla montevideana era fiel a la Corona Española.

El 12 de febrero de 1811 en el territorio oriental, se produce la declaración de guerra de los españolistas de Montevideo encabezados por el virrey Elío contra el Gobierno de Buenos Aires.

En la Banda Oriental comienza cuando los orientales al mando de José Gervasio Artigas, se rebelaron por primera vez ante la autoridad de la Corona Española, en un episodio que fue fundamental para lograr la independencia de la Banda Oriental.

Estos hechos históricos, permitieron avanzar hacia la conquista de la Independencia de la Banda Oriental.

El 15 de febrero de 1811, el prestigioso Capitán del Cuerpo de Blandengues José Artigas, deja su cargo en el Cuartel de Colonia del Sacramento, rompiendo con las Autoridades Coloniales fieles al Consejo de la Regencia del Reino de España.

Don José Artigas fue acompañado al principio desde Colonia, por el Capitán Rafael Hortiguera, Fray José María Enriques de la Peña, un esclavo del religioso que se les unió llamado el “Tío Juan” -que será toda su vida leal a Artigas y luchará hasta el final de su vida por la Patria- un cabo y diez soldados  de  la 3era.Compañía de Blandengues.

Luego Artigas y su grupo partieron por la noche al Cerro de las Armas, ubicado sobre la margen oeste del Rio San Juanderrotero a la estancia de la Quinta en el actual Departamento de Soriano.

Su idea era incorporarse a las fuerzas patriotas de la “Junta de Gobierno de Buenos Aires “ y de esa forma incorporar a la Banda Oriental a la Revolución Emancipadora del Rio de la Plata, como deseaba el distinguido Secretario de la Junta, el Dr. Mariano Moreno.

Moreno había dicho que para el éxito de la revolución en la Banda Oriental, de importancia estratégica para el Río de la Plata, era fundamental incorporar al “Capitán José Artigas”, por su gran ascendencia en la Campaña y su liderazgo  natural en las fuerzas militares de los Cuerpos de Milicias como Blandengues y después Dragones.

La  Revolución Oriental fue del Campo a la Ciudad, a diferencia de lo que ocurrió en casi toda América, donde los Movimientos Emancipadores  estuvieron liderados  por el Patriciado Criollo, como en Buenos Aires, Santiago de Chile, Asunción del Paraguay, Quito, Santa Fe de Bogotá y Caracas, entre otros.

La Revolución Oriental es similar al gran Movimiento Emancipador del “Grito  de Dolores”, con el Cura Hidalgo en México (1810-1811) que fue un enorme movimiento campesino y miliciano rural, contra las Autoridades Virreinales  Coloniales.

El territorio de la Banda Oriental se vio conmovido por la formación de pequeños grupos insurgentes que esperaban el momento para iniciar la lucha.

El grupo que inició la revolución se había comenzado a reunir en forma muy modesta, y con muy pocos apoyos procedentes de la revolución, en enero de 1811 bajo el mando del vecino de Río Grande Pedro Viera quien hacia el 20 de febrero había convocado unas 130 personas. 

En ese momento se une a éste grupo inicial el otro líder de la conjura, Venancio Benavidez reuniendo en total unos 300 hombres que se ocultan en los montes de Asencio, que se encontraban en connivencia con el comandante  Ramón Fernández. 

Allí son descubiertos por fuerzas realistas pero por un ardid desarrollado por los revolucionarios se logra engañar a una partida de 25 blandengues y 30 españoles que fueron capturados el 27 de febrero al ingresar al monte.

Movimiento revolucionario

El 28 de febrero de 1811 se produjeron los episodios recordados como el llamado “Grito de Asencio”, un hito militar poco relevante pero de una gran significación simbólica. 

Bajo un mando disputado, entre cuyos cabecillas sobresalían Pedro José Viera y Venancio Benavides, un grupo de vecinos y pobladores realizó ese día un pronunciamiento revolucionario.

Su siguiente movimiento no se hace esperar,  las fuerzas patriotas se colocan a la vista del pueblo de Mercedes, cuyas fuerzas realistas realizan a su vez demostraciones de fuerza. Al día siguiente los patriotas envían a Enrique Reyes para parlamentar la rendición, acordándose ésta luego de varias dudas y discusiones.

Es así que los primeros encuentros fueron auspiciosos a los patriotas, con la ocupación del principal centro de poder español en la zona, Mercedes y su extensión a las zonas vecina. 

Se cierra así el primer hecho trascendente de la Revolución Oriental, semilla que pronto germinará en una serie de hechos emblemáticos para nuestra Patria:

 El Grito de Asencio y la subsiguiente toma de Mercedes y de Soriano fueron el inicio de un levantamiento general en la campaña al que un documento artiguista denominaría más tarde como “admirable alarma”.

Así narró el episodio el propio Artigas, rápidamente convertido en el “Jefe de los Orientales”, en su célebre oficio del 7 de diciembre de 1811 dirigido a las autoridades de la Junta paraguaya

“Un puñado de orientales, cansados ya de humillaciones, había decretado su libertad en la Villa de Mercedes (…) y la primera voz de los vecinos que llegó a Buenos Aires fue acompañada de la victoria del 28 de febrero de 1811: día memorable que había señalado la Providencia, para sellar los primeros pasos de la libertad en este territorio y día que no podrá recordarse sin emoción cualquiera sea nuestra suerte”. José Artigas

El enorme prestigio de Artigas en la Campaña Oriental y en los Cuerpos de Milicias fueron fundamentales en la Revolución Oriental.

Posteriormente Don José Artigas obtendrá de la Junta de Gobierno de Buenos Aires, el grado militar de “Teniente Coronel de Caballería del Ejército “y “Jefe de las Milicias de la Banda Oriental”.


El Monumento al “Gaucho de Asencio” se inauguró en el año1942, con la presencia del mismísimo creador, José Luis Zorrila de San Martín y el 24 de agosto de 1976 fue declarado Patrimonio Histórico Nacional. Se encuentra emplazado en la plaza principal de Mercedes departamento de Soriano.

Consecuencias

Las principales consecuencias del Grito de Asencio fueron las siguientes:

La avanzada patriota hacia Montevideo, que alcanzó su punto culminante el 18 de mayo, cuando fuerzas dirigidas por Artigas vencieron a los realistas en la batalla de Las Piedras y los obligaron a atrincherase en la ciudad puerto, que quedó rodeada.

La extensión de la influencia del gobierno de las Provincias Unidas del Río de la Plata sobre el territorio de la Banda Oriental.

El envío de tropas portuguesas en auxilio de Elío, que llevó al gobierno de las Provincias Unidas a firmar el Tratado Herrera-Rademaker, por el cual se pactó el retiro de las tropas revolucionarias de la Banda Oriental.

La abolición del Virreinato del Río de la Plata, proclamada por Elio, que viajó a España y dejó a José Gaspar de Vigodet como gobernador de la Banda Oriental.




En plena rambla de la capital sorianense, como surgidos de la nada, un quinteto de briosos corceles parecería cabalgar hacia el “Hum” que fluye inmutable.

Mural del Bicentenario le llamamos a falta de nombre oficial, mas no es necesaria una denominación para comprender su significado, pues los elementos que exhibe,  bastan para entender cual es el tema de la obra.

Su autoría corresponde a ALQUIMIA, un grupo de artistas locales integrado por Aldo Difilippo, Enrique (Quique) Rey, Milka Muñiz y Ángel Juárez. Ellos, de forma totalmente independiente, idearon y crearon esta obra como un simple homenaje más a la Gesta Independentista.

Protagonistas del Grito de Asencio

Los principales protagonistas del Grito de Asencio fueron los siguientes:

Pedro José Viera (1779-1844): desertor riograndense que se radicó en la Banda Oriental y luchó por su Independencia. Se lo conoció con el apodo de Perico el Bailarín, por su habilidad para bailar con zancos. En 1805 se alistó en el ejército colonial y en 1806 intervino en la Reconquista de Buenos Aires, que había sido ocupada por una fuerza expedicionaria británica. Cuando Artigas se hizo cargo de la conducción del movimiento revolucionario, lo acompañó en la batalla de las Piedras, el primer sitio de Montevideo y el Éxodo del Pueblo Oriental. Pero luego de varios roces se alejó de su lado. Participó más tarde del cruce de los Andes y combatió en la batalla de Chacabuco bajo las órdenes de José de San Martín.

Venancio Benavides (1782-1813): militar oriental que protagonizó el Grito de Asencio y participó en la ocupación de las poblaciones de Mercedes, Soriano, San José y Colonia. Por su valentía y capacidad de combate le fue conferido el grado de capitán, integrándose al ejército revolucionario en el primer sitio a Montevideo. Tras tener diferencias con Artigas, se incorporó al Ejército del Norte. Murió el 20 de febrero de 1813, en la batalla de Salta, en la que luchó bajo las órdenes de Manuel Belgrano.

Justo Correa (fines del siglo XVIII-principios del siglo XIX): militar oriental que se desempeñaba como alférez de blandengues al producirse la Revolución de Mayo. En diciembre de 1810, al enterarse de la proximidad de tropas porteñas, hizo un llamamiento a la población de la campaña para alzarse en armas contra las autoridades realistas de Montevideo.

Ramón Fernández (fines del siglo XVIII-principios del siglo XIX): militar oriental que se desempeñaba como capitán de blandengues en 1810. Fue uno de los protagonistas del Grito de Asencio y acompañó a Viera y Benavides en la toma de Mercedes, Soriano, San José y Colonia.


Parque de la ADMIRABLE ALARMA














Monumento a la Admirable Alarma en tierras de Soriano, Uruguay. El Escudo de Uruguay y los escudos departamentales de todo el país, hechos en hormigón. En ellos hay tierra de cada uno de los departamentos. Está ubicado en el Parque Asencio, lugar del hecho histórico.

El parque “Admirable Alarma” fue ideado por Wilde Marotta Castro, e inaugurado en 1979. Actualmente cuenta con un monte de flora nativa y equipamiento para picnics. Puede visitarse todo el año.

Está ubicado en el kilómetro 37 de la Ruta 95, entre Villa Soriano y Mercedes, a 10 kilómetros de esta última aprox.

FUENTE

https://www.anep.edu.uy/

https://enciclopediadehistoria.com/

 https://docs.google.com/

 https://mnav.gub.uy/

https://uruguayeduca.anep.edu.uy/

 

martes, 27 de febrero de 2024

EL 27 DE FEBRERO DE 1863 NACÍA JOAQUÍN SOROLLA

PINTOR DE LA LUZ Y EL MOVIMIENTO

Autorretrato -  1906
Óleo sobre lienzo, 70x50.
Museo Sorolla, Madrid.

Joaquín Sorolla y Bastida  nació en Valencia, 27 de febrero de 1863.
Fue un pintor y artista gráfico español. Está considerado uno de los máximos representantes del Impresionismo español, del que hizo una interpretación muy personal basada en el protagonismo de la luz y el movimiento de las figuras representadas.


Joaquín Sorolla Gascón y María Concepción Bastida Prat


Sus padres fueron Joaquín y María Concepción. La pareja tuvo dos hijos siendo Joaquín el mayor. 
La pareja, desde el día que llegó de Teruel para abrirse camino en Valencia, instaló una modesta tienda de tejidos “de los Sis dits”.

Durante el calor sofocante del verano de 1865 estalla una epidemia de cólera en la ciudad y   muere su madre. 
Su padre no puede superar este dolor y fallece tres días después.

Al quedar huérfanos, Joaquín que contaba con dos años de edad y su hermana Concha de un año fueron recogidos por su tíos, Isabel Bastida y José Piqueras, de profesión cerrajero. 
Este matrimonio no tenían hijos. 

Joaquín mostró una gran inclinación por el dibujo desde muy temprana edad. El niño observaba a su tío en la fragua, mientras pintaba con pasión. 
Los tíos, a pesar de su condición humilde, se preocuparon por la educación del niño,
Además su tío intentó enseñarle, el oficio de la cerrajería, pero era evidente que
la verdadera vocación de Joaquín  era la pintura.
Tanto sus tíos como el director de la escuela a la que concurría, reconocieron esa inclinación por el dibujo y la pintura. El docente aconseja que el pequeño Joaquín sea matriculado en la Escuela de Artesanos, donde asiste a las clases nocturnas de dibujo del escultor Cayetano Capuz.
En su adolescencia  desarrolló dos trabajos, como cerrajero y coloreando fotografías. 

A la vez asiste a las clases.

Antonio García Peris 

Joaquín y Clotilde

En 1878, a sus 15 años, Sorolla conoció a Antonio García Peris (1841-1918), entonces el más prestigioso fotógrafo de Valencia. Pronto se estableció un mutuo aprecio entre ambos, y algún tiempo después Sorolla se casaría con Clotilde, hija del fotógrafo.

La cercanía que el pintor mantuvo con la fotografía durante toda su vida se debe, en buena medida, a la estima profesional y al cariño que profesó siempre a su suegro, a quien le debemos los mejores retratos del joven pintor.

Entre los años 1878 y 1881 estudió en la Escuela de Bellas Artes, dependiente de la valenciana Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, donde tuvo como maestros a Salustiano Asenjo y al paisajista Gonzalo Salvá.


El joven Joaquín Sorolla

A los dieciséis anos Sorolla se ha convertido ya en un brillante alumno de la Escuela de Bellas Artes de San Carlos.
En la Exposición Regional de Valencia, consigue una medalla de cobre por su acuarela de adolescente, «El patio del Instituto».
Su tío estaba entre orgulloso y preocupado y decía "Ser artista es negocio de corazón caliente y estómago frío". 

Por ello insistió para que aprendiera su mismo oficio.

Moro acechando la ocasión de venganza

En 1880, una sociedad de recreo, valenciana, "El Iris”, convoca un Concurso y este muchacho a medias herrero y a medias pintor gana un premio con un Oleo sorprendente... "Moro acechando la ocasión de venganza”.
En ese momento, un fotógrafo de prestigio, Antonio García, sorprendido por su talento, le contrata en su taller como iluminador de fotografías.
Al año siguiente, Sorolla envía a la Exposición Nacional de Bellas Artes tres marinas que pasan inadvertidas. No se desanima. 

Retrato de Sorolla tomado en 1883



 Monja en oración- 1883 -
Sorolla, - (propiedad particular)

Posteriormente, viajó a Madrid, ciudad en la que tuvo oportunidad de descubrir a los grandes maestros del Prado, como Velázquez, Ribera y Ribalta, los cuales constituirían influencias decisivas en su carrera.
 Al año siguiente vuelve y se encierra durante meses frente a Velázquez, Ribera y Ribalta,
 A los veinte años, en 1883, obtiene su primera Medalla de Oro en la Exposición Regional de Valencia por su obra “Monja en oración” 


El dos de mayo (Diputación Provincial de Valencia)
Fecha: 1884
Museo: Museo del Prado
Medidas: 400 x 580 cm
Estilo: Impresionismo
Material: Oleo sobre lienzo

El sentimiento trágico de la vida invade el alma española. Después comentaría Sorolla que para triunfar aquí era necesario «hacer un muerto». Por eso, enfrentándose al tema histórico, decide pintar un inmenso cuadro "El dos de mayo" que presenta en una Exposiciòn en 1884 El lienzo representa la resistencia del pueblo madrileño, al mando del capitán Luis Daoíz, en el Parque de Artillería de Monteleón frente al asalto de las tropas napoleónicas. El herido capitán se aposta ante uno de los cañones e invita a los soldados franceses al ataque. Junto a la rueda del cañón cae mortalmente herido otro oficial y a las puertas del parque un agitado pelotón se abalanza sobre los franceses, sembrando la calle de cadáveres mientras al fondo tienen lugar episodios de lucha. Lo mejor de esta obra debemos buscarlo en la representación  de la escena al aire libre, captando del natural la atmósfera de la batalla, ubicándose las figuras a pleno sol, empleando una pincelada rápida y empastada que ya preludia el genio de años posteriores. 
Obtiene  con él una segunda Medalla y el Estado se lo compra.


EL GRITO DEL PALLETER 1884
óleo sobre lienzo 154x 205cm

 La Diputación Provincial de Valencia ha creado una beca de 3.000 pesetas anuales para perfeccionarse en Bellas Artes en Italia, a lo largo de tres años, que incluye estadía y pensión. Para acceder a ella había que pintar un tema obligado: "El grito del Palleter", conmovedor desafío de un vendedor de pajas al mismísimo Napoleón. En reñida  competición Sorolla en 1884  es declarado ganador y en enero de 1885 sale para Italia, y pasa unos  meses en París, disfrutando de  su vibrante alegría.
Este viaje lo pone en contacto con el naturalismo. Pinta cafés, bulevares, calles, gentes, aire puro. 
De regreso a Roma, comienza a viajar por distintas ciudades italianas, tomando pequeñas notas de color. 
En 1887 se instala en Asís y allí empieza a hacer escenas de ambiente valenciano bajo la influencia de José Benlliure y Gil. Es el inicio de su costumbrismo, que repercutirá en gran medida en su futura obra.


 ”El entierro de Cristo”
Grabado de la ilustaración Ibérica año 1887.(sin montar).Medidas -44X24 

Termina su encargo anual para la Diputación: "El Padre Joke protegiendo a un loco".
En 1887 se presenta a la Exposición Nacional de Bellas Artes con el cuadro ,”El entierro de Cristo”
 La crítica afirma: «Ha pintado no el entierro de Cristo sino la hora en que le enterraron.» Sin embargo, Giner de los Ríos se impresiona: Encierra ese algo misterioso que seduce.»
 

 Clotilde García del Castillo

El 8 de septiembre de 1888 vuelve a España para casarse con Clotilde, hija de su protector y amigo Antonio García.
 



El artista se presenta a la Exposición Universal con su cuadro “EI bulevar de París", donde la atmósfera de Ia tarde parece suspendida en Ia alegre conversación de un café iluminado. 
Vista urbana de una gran avenida de la ciudad francesa con iluminación nocturna. Por la calzada cista en escorzo avanza un automóvil, y las aceras se ven animadas por numerosas figuras. Una serie de farolas de luz blanquecina ilumina la calle, en cuyo flanco izquierdo se alza la fachada y la torre de un edificio religioso.
Realizado durante su estancia en París durante la primavera y el otoño del año 1885.
La fachada del edificio religioso que se observa a la izquierda podría identificarse posiblemente con la Abadía de Saint Denis de París.

En 1889 vuelve a París para ver la Exposición Universal: allí descubre a los pintores nórdicos y su peculiar tratamiento de la luz, en el que él basará su propia versión del luminismo: se abre su etapa de consolidación. Su paleta va cobrando nuevos matices en su esfuerzo por plasmar la luz. Surgen nuevas temáticas, como el costumbrismo marinero, el que trata de las gentes del mar, o el realismo social, demandado en los certámenes oficiales.

En el año 1890 nace en Madrid su primera hija, María Clotilde. 


 
 La otra Margarita- 1892

En 1892 participa de nuevo en la siguiente Exposición Nacional con su obra "La otra Margarita" que obtiene Ia primera medalla y un triunfo resonante. El cuadro se exhibe en Ia Exposición Universal de Chicago de 1893. 
Se dice que Joaquín Sorolla, cuando viajaba en tren de Valencia a Madrid, fue testigo del traslado esposada, de una mujer acusada de haberle quitado la vida a su bebé. Una pareja de policías custodiaba a la detenida. Esta escena impresionó mucho al pintor, y un día se dispuso a abocetar en el estudio la tremenda escena. 
 Para pintarlo, Ilevó a sus modelos a un vagón de tercera y así describe a la madre infanticida y a los guardias civiles que la custodian.
En los primeros bocetos mostraba un abigarrado conjunto, como solía viajarse entonces, incluyendo inicialmente hasta la figura de algún niño.
Pero, al final, tomó la decisión de expresar el drama con la mayor simplicidad: y así retrató a la desgraciada madre en el centro de un vagón sin pasajeros, la cabeza inclinada sobre un hombro, mirando el piso, con frías esposas rodeando sus muñecas. Y a la diestra un atado con sus humildes pertenencias. La representó joven, muy triste y abatida. Al fondo, una pareja de la Guardia Civil, medio adormilada, vigila a la detenida. No podía faltar la representación maravillosa de la luz del sol, entrando por los altos balcones e iluminando la escena.



 “El día feliz”

También presenta otro cuadro, “El día feliz” , una playa levantina, donde el sol se refresca entre las barcas, dentro del agua. 

Con el primero conseguirá su primer éxito internacional con La vuelta de la pesca en 1895, con el segundo varias medallas en la Nacionales de 1892, 1895 y 1901, en esta última con una Medalla de Honor.


  
El resbalón del monaguillo

En 1893 pinta el divertido cuadro “El resbalón del monaguillo” 

En estas obras de pequeño formato, que normalmente son sencillas escenas de género, Sorolla comienza a trabajar la luz, la captación de la realidad "sin literatura". Además, su buena venta resulta fundamental para completar su pobre pensión de estudiante.

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El beso de la reliquia. -1893
  Óleo sobre lienzo, 103x125. Museo de Bellas Artes, Bilbao.

Ese año pinta ”El beso de las reliquias” de influencia naturalista. Sorolla sigue buscando su estilo
Recibe su tercera medalla en el Salón de París con ”El beso de las reliquias” y con la misma obra-  en el año1894 - obtiene la segunda medalla en la IV Exposición Internacional de Viena.

 María sentada 1894
óleo sobre lienzo 64x80cm
Colección particular

La vuelta de la pesca - 1894.
Óleo sobre lienzo, 265x325. Museo d´Orsay, París.

Aún dicen que el pescado es caro - 1894
Óleo sobre lienzo, 151x204. Museo del Prado, Madrid.

En el año 1894, frente al mar, Sorolla pinta varios cuadros decisivos.« La vuelta de la pesca»  Paris) y el tan conocido «Aún dicen que el pescado es caro», donde presenta a la muerte de un joven
pescador en el mar.
Con ambos acude a la Exposición Nacional de 1895. «Dicen que el pescado es caro» gana por unanimidad Ia Primera Medalla.


Joaquín Sorolla,  Trata de blancas - 1894
Óleo sobre lienzo, 166x195.( Museo Sorolla, Madrid)

Otro cuadro interior y patético es «Trata de blancas», donde un grupo de muchachas duermen en una estación, indiferentes a su destino. El autor ha de adaptarse al realismo social, dominante en los certámenes de la época. Para ello, mantiene su temática costumbrista, siendo los títulos los que aportarán la denuncia social.
Las alabanzas se multiplican pero todavía Sorolla no ha conseguido su meta que era ganar una Medalla de Honor.

Desde que pintó ese magnifico cuadro, «La vuelta de la pesca», con los bueyes arrastrando la barca hasta la orilla —tema constante en su obra—, Sorolla se ha encontrado a si mismo, a su mundo marino y claro. 
Esto lo lleva a pintar con impaciencia.
Sorolla expresaba -"La ansiedad es lo que más me consume la vida. Me falta la flema de un Velazquez".

Madre -1895
Óleo sobre lienzo, 125x169
 ( Museo Sorolla, Madrid.) 

Mientras tanto, la familia se ha completado.
 En 1895 Joaquín y Clotilde son padres por segunda vez.
 Nace su hijo varón, Joaquín y ésta circunstancia es aprovechada por el pintor para plasmar un momento familiar entrañable creando su obra "Madre". 
Todo el cuadro emana paz, el cansancio de la madre y, al mismo tiempo, su cuidado constante por el pequeño. Nótense los volúmenes tanto de la colcha como de la almohada. En esta obra es sumamente parco, centrándose solamente en las cualidades de la madre.

En el año 1895 nace Elena, Ia última de sus hijos. Sorolla comienza a interesarse por ese mundo vital y apasionante de la infancia. 

“Cosiendo la vela” 1896. 
Óleo sobre lienzo, 93 x 130 cm. 
Colección particular.

“Cosiendo la vela” se trata de una obra genial, donde la vela, deslumbradora, recuerda a una nube atrapada entre las agujas y las manos de las mujeres. Fue expuesto en Munich,
Viena, Madrid, París y Venecia y con el obtuvo dos medallas de oro. 

La Investigación -1897

El el artista sigue presentándose a las Exposiciones Nacionales. 
A la de 1897 envía once obras, entre las que destaca -"Una investigación", magnifico estudio de luces. 
Esta obra está fechada en 1897 y realizada en el laboratorio del doctor Luis Simarro Lacabra, amigo y protector de Sorolla. Un único foco de luz, la lámpara de la izquierda, incide sobre la bata blanca del doctor, que analiza unas pruebas rodeado por su equipo de colaboradores. Éstos prácticamente están iluminados por la reflexión de la luz en la habitación.

“Comiendo en la barca”-1898

De 1898 pinta otro cuadro, derroche de sensibilidad y técnica, es “Comiendo en la barca”, bajo esa bóveda luminosa de la vela. El tema del cuadro es sencillo: un grupo de pescadores se dispone a comer en la cubierta de una barca de pesca que se encuentra varada en la arena. Se protegen del sol con la vela que descansa sobre la botavara de la embarcación a modo de toldo. En un segundo término la proa de la barca reverbera al sol de un día resplandeciente; más allá se recorta el azul del cielo sobre el del mar. Representa una escena costumbrista a orillas del Mediterráneo, esta fue la pintura más cara de su época.


Sorolla se mantuvo fiel a la pintura al aire libre, principio básico de la Escuela de Barbizón que retomaron después los impresionistas.

En 1899 se presenta a la Exposición Nacional con siete cuadros.


“Triste Herencia” 1899.
 Óleo sobre lienzo, 210 x 285 cm. 
Caja de ahorros de Valencia. 

En esta importante Exposición francesa se le concede el Gran Premio del Pabellón Español por su cuadro .”Triste herencia”, una patética escena contemplada en la playa de Cabaña. Varios niños lisiados, apoyados en sus muletas, se bañan en el mar sostenidos por un fraile.

Clotilde con los hijos, día de Reyes.1900

 La vida familiar proporciona estabilidad e instinto de superación. a Sorolla. El matrimonio recién casado, vuelve a Italia ya que aún no se ha terminado la beca, y viven en Asís.
Sin embargo, Sorolla no acaba de encontrarse a si mismo. Sufre entonces una penuria artística espantosa pero sigue trabajando mucho, 
con gran ahínco, con gran fe, a pesar de su desfallecimiento moral. 

María Clotilde- 1900
Óleo sobre lienzo 110x 80 cm
Colección particular 

El matrimonio Sorolla- 1900

La delicada estampa de Sorolla y Clotilde (1900), sentado él en un banco de atrezzo simulando dibujar mientras ella le observa protegiéndose con una sombrilla de un sol inexistente, fue un retrato que rompió con todas las convenciones estéticas del género; el fotógrafo Káulak lo elogió calurosamente: “Desde que yo me ocupo de fotografía, no he visto nada más hermoso, tan colosal, tan `brutalmente´ bello, tan ajustado y justo en fotografía como este retrato del pintor Sorolla y su mujer. 

 Sorolla, 1901

Pero Sorolla parece que no puede vivir sin presentarse a las Exposiciones Nacionales. En 1901 envía dieciséis cuadros y recibe  la tan deseada y cotizada Medalla de Honor, ese trofeo que había estado persiguiendo largos años.

La familia Sorolla - 1901

En 1901 posa toda la familia para el objetivo de Antonio García Peris: Clotilde y Sorolla leen con María que está sentada en el pupitre, atento los escucha su hermano Joaquín mientras Elena, la pequeña, mira distraída a su abuelo que les fotografía.


Pescadoras en la playa de Valencia
Autor: Joaquín Sorolla
Fecha: 1907
Museo: Museo Sorolla
Características: 82 x 106,5 cm.
Estilo: Impresionismo
Material: Oleo sobre lienzo

 





Sol de la tarde - 1903.
Óleo sobre lienzo- 299 x 441 cm.

Nueva York, The Hispanic Society of America



Después del baño - 1904

Sorolla es nombrado vicepresidente del Jurado de la Exposición Nacional de 1904.
Fuera de concurso expone cuadros de gran belleza plástica como “Después del baño”, ese niño al que dos mujeres cubren con una sábana dentro de una barca.



Verano- 1905

En 1905 envía al Salón de Artistas Franceses dos cuadros de enorme fuerza, “Sol de la tarde”, a su juicio su mejor obra, y la bellísima composición  infantil “Verano”.

Antonio Joaquín y Elena Sorolla García, 1905 


 
 Nadadores- 1905

En 1906 inaugura la primera en París, a la que envía 500 cuadros. El crítico Rochefort escribe..”Un magnifico pintor ha nacido... desgraciadamente no en Francia”
Vende 60 cuadros. Después de este esplendido resultado se anima a exponer al año siguiente en Berlín.
Una enfermedad de su hija María le impide a Sorolla asistir a la Exposición que no queda bien organizada y por lo tanto resulta un fracaso.
Pero para Sorolla los fracasos son estímulos.



En 1908 expone en las Galerías Graffond de Londres  con 268 cuadros y a pesar de la buena aceptación de su obra Ramiro de Maeztu corresponsal en Londres. no le dedica grandes elogios.
Seis meses después envía a Nueva York Hispanic Society, 350 cuadros y ahora sí el  éxito es delirante.


Pintado en 1908 Corriendo por la playa es una obra extraordinaria.
 El artista sabía muy bien que las cosas no llegan a nuestros ojos con su forma propia perfectamente definida, sino que llegan alteradas por el ambiente y la luz que las rodean.

De ahí que las composiciones del pintor sean tan geniales. En “Corriendo por la playa” por ejemplo, llama la atención la composición equilibrada, situando cada cosa en armonía para transmitirnos luz y movimiento en el agua, y un espacio sólido en la arena.

Las figuras principales son los tres niños del primer plano (uno de ellos  desnudo, para que el sol de Levante se refleje en su piel mojada), pero hay muchos más dándose un baño al fondo. Todos ayudan a destacar al protagonista de todo: el mar mismo. Como en muchas otras obras de Sorolla, se elimina toda referencia al horizonte y todo es mar, salvo la franja inferior de arena seca y mojada que equilibra la composición.



Paseo por la playa, 1909.

Paseo a orillas del mar, pintado en 1909, es un cuadro  donde aparece representada su mujer, Clotilde García, la cual sostiene una sombrilla, junto a su hija mayor, María Clotilde, caminando al atardecer por la playa de Valencia mientras la brisa marina hace ondear sus ropas.

 Este cuadro fue realizado en el verano de 1909 a la vuelta de la cuarta exposición internacional de Sorolla a comienzos de ese mismo año en varias ciudades de Estados Unidos. El éxito que alcanzó en la ciudad de Nueva York se aprecia en el vitalismo y gran colorido de esta obra. Es difícil su clasificación estilística, aunque la mayoría de autores la sitúa en el impresionismo español, debido al tipo de pincelada suelta, la luz, el color y el movimiento que transmite la obra, que en realidad pertenece al Luminismo Valenciano, también conocido como Instantismo, pues su objetivo es el de captar el instante lumínico.



El fotógrafo Esparza retrata a Sorolla instalado  en 1909, en la playa del Cabañal pintando "El baño del caballo". La fotografía nos muestra cómo trabajaba el pintor en sus cuadros. Sorolla ha resguardado la pintura del sol y la arena con un parapeto de madera, a la izquierda tiene una escalerita para poder llegar a las partes altas del lienzo y en mangas de camisa trabaja, al natural, al pleno sol de Valencia, directamente en su obra final.

“EI baño del caballo”- 1909
(Museo Sorolla - Madrid) 

El punto de vista en la composición está alto, recurso habitual de Sorolla, y lo sitúa en la cabeza del chico que sujeta la brida del caballo y cuya grupa termina de conformar un primer plano largo e inclinado que consigue reducir la línea del horizonte a una delgada franja. Posiblemente, de este modo, el artista evita el deslumbramiento del claro cielo valenciano y centra su atención en la arena de la playa y la ondulante línea del agua con sus peculiares sombras, reflejos de luz y destellos, que Sorolla sabía plasmar de modo magistral a base de una pincelada empastada, suelta y ágil


La herida del pié - 1909
Óleo sobre lienzo, 109x99.
Museo J. Paul Getty, Santa Mónica, California

La obra "La herida en el pie" de Joaquín Sorolla, pintada en 1909, muestra a un niño y una niña en la playa. La niña tiene una herida en el pie, mientras que el niño la examina con atención. En un segundo plano, otros niños se sumergen en el agua. La pintura impresionista de Sorolla no revela la causa exacta de la lesión, pero se especula que podría ser por un erizo marino, cuyas espinas calcáreas podrían haber causado la herida. Esta obra refleja la vida cotidiana en la playa y la interacción entre los niños en un entorno marítimo.

Niños en la playa- 1909 -1910

En 1909  pinta en Javea ese maravilloso cuadro de niños jugando con el mar y sus orillas, entre el reflejo cristalino de sus cuerpos y el temblor de las aguas.
Para Sorolla comienza una nueva etapa. Le espera el mundo y se lanza a conquistarlo en una forma  difícil, las exposiciones individuales.

Con el dinero obtenido en las Exposiciones de París y de Estados Unidos decide dar forma a un viejo sueño y así se inicia la construcción de su casa en Madrid, hoy día convertida en el Museo Sorolla.

 
 Retrato de Alfonso XII

Colón partiendo del puerto de Palos- 1910


Retrato de Menéndez Pelayo

Pérez Galdós

Pio Baroja

En 1910 termina un cuadro que le encarga el rey del tabaco americano..”Colón partiendo del puerto de Palos”. También pinta retratos a los personajes más representativos del momento. Alfonso XII, Menéndez Pelayo, Pérez Galdós  Echegaray y Pio Baroja.
Un año más tarde el artista emprende el segundo viaje a Estados Unidos y expone en
Chicago. Se calcula que ven sus obras más de 100.000 personas, se venden muchas de ellas y le encargan una serie de retratos. A su vuelta pasa el verano en Zarauz pero el mar no es el mismo, ni el cielo. Ni el aire.

 
  The Hispanic Society of America


Inicia Sorolla el último y más apasionante de sus trabajos, que para  muchos es también el mejor. Libre de otros cuidados, deja materialmente la vida tratando de convertir en cuadros el alma plural de España.
Viaja por todas las regiones, busca modelos, realiza estudios y bocetos. Toda su pintura se realiza al aire libre excepto el panel del Patio sevillano.
 

Sin embargo, muy pronto los lienzos se le quedan pequeños. Sorolla decía,"Esta obra de las regiones me tiene un tanto contrariado, porque quiero hacer una capa y solo me han dado tela para una montera. Setenta metros de lienzo. Cómo se puede, por ejemplo, pintar toda Castilla en catorce metros? "
Descubre Castilla y se siente hondamente conmovido ante la grandeza de su parda Ilanura. La región que más lo ha emocionado . Decía Sorolla que hay en Castilla una conmovedora melancolía.-
Trabaja sin descanso y empieza a manifestarse los síntomas del  cansancio. Comienzan las molestias físicas, los dolores cabeza. Sorolla se siente viejo pero sigue  pintando con ansiedad, con inquietud. Le consume la tension interior.


Ese año 1910 el presidente de The Hispanic Society of America le encarga a Sorolla, en nombre de la Sociedad, el más ambicioso de sus proyectos: decorar el gran salón de su biblioteca con paneles que representen a las distintas regiones españolas. La obra consistiría en un mural de 70 metros de longitud con 14 escenas diferentes que terminaron siendo en realidad la visiónde Sorolla de España y Portugal de esa época.
Sorolla se recorre media España para reflejar sus cuadros tipos más representativos.


 
Tipos de Ávila (1912). 

Novios salmantinos (1912)



Casa en Madrid


Entre 1910 y 1912 construyó su casa en Madrid, hoy Museo Sorolla, en el número 37 del paseo del General Martínez Campos. La casa y el jardín fueron ideados y diseñados por él mismo, creando así un lugar íntimo en cuya luz y vegetación encontró inspiración para sus pinturas.

Casa de Sorolla

Una vista parcial del primer jardín de la Casa hacia 1929, la vegetación del jardín ya está crecida, y en la fuente podemos ver la pila polilobulada que la marquesa de Lébrija regaló a Sorolla en 1914 a cambio de su retrato.

 Joaquín Sorolla Bastida fotografiado por Ragel- (1915) 

Elena Sorolla García, 1915



El encierro- Andalucía- 1916

 Esta es la historia de dos jinetes, Alberto Ramos Hidalgo, montado en un caballo rojizo y Antonio Vargas Heredia, montado en un caballo gris plateado; ayudados por tres jinetes más. Era un día en el que tenían que hacer el traslado de unas reses desde el cortijo de los frailes a un pueblo cercano en fiestas llamado Fuente Genave (Sevilla),en el que por la mañana habrá un encierro y por la tarde estas mismas reses servirán para hacer una corrida de toros en la plaza del pueblo.
El momento más crucial de esta historia es cuando el ganado tiene que atravesar la vía del tren, ya que los protagonistas de esta historia Alberto y Antonio saben que tienen un tiempo limitado para cruzar la vía.
En cabeza del ganado van dos mansos muy grandes, robustos y buenos guias, que junto con Alberto y Antonio dirigen el paso del ganado. Las reses debido ha su peso no están muy ágiles, pero contando con la profesionalidad y maestría de estos dos buenos jinetes y los otros tres restantes en la cola del ganado realizan el recorrido y el paso de la vía con gran éxito. Llegando a Fuente Genave con tiempo suficiente para que el ganado bebiera , descansara y estuviera listo para el encierro.
El encierro de la mañana fue todo un éxito, los animales resultaron ser muy nobles. La corrida de la tarde fue aún mejor, con abundante público en la plaza; llegando a indultar a uno de los toros. 


El hijo del pintor, Joaquín Sorolla y García sentado (1917)

Óleo - "Patio de la Casa de Sorolla (1917)

Clotilde con su primer nieto

Clotilde, sentada en la escalera del pórtico de entrada a la casa, con su primer nieto, hijo de su hija mayor María, sentado sobre sus rodillas.

Está escalera, nexo entre el jardín y el pórtico donde se encontraba en origen la entrada de la casa, decorada con azulejos que el propio pintor escogió, es el lugar elegido para realizar varios retratos de familia.

Jardín de la casa Sorolla-1919- Sorolla

  
 Contrabando en Ibiza

 En junio de 1919 finaliza la grandiosa obra y comunica Ia noticia a su familia por telegrama.
“Hoy quedó definitivamente cuadro compuesto. Tiene fuerza emocionante. Abraza a todos. Padre”.. 

En el mes de agosto pinta su ultimo cuadro, "Contrabando en Ibiza".

Jardín de la Casa Sorolla

Jardín de la Casa Sorolla es una obra del pintor postimpresionista. Se trata de un óleo sobre lienzo pintado en 1920. Forma parte de la colección del Museo Sorolla. ​

La pintura, enmarcada en el luminismo, muestra uno de los jardines de la casa madrileña del pintor (donde actualmente está el Museo Sorolla).

Dentro de la abundante obra de Joaquín Sorolla, los óleos que pintó inspirado por los jardines que contempló y de los que disfrutó, el de su propia casa en Madrid o los del Alcázar de Sevilla, del Generalife y de la Alhambra de Granada, le sirvieron para experimentar sobre las posibilidades de la luz y del color aplicadas a la vegetación propia de estos entornos, así como a otros elementos como el agua, las fuentes o la arquitectura

Sorolla pintando en su jardín 

En la mañana del 17 de julio de 1920, mientras se encontraba pintando en el jardín de su casa, sufrió un ataque de hemiplejía que le impidió continuar con su pintura
Tres años vive como sin vida sobre un sillón de ruedas.
 Falleció en su hotelito de Cercedilla (madris), en la sierra de Guadarrama el 10 de agosto de 1923



Sorolla fue enterrado en Valencia con los honores de Capitán General.

ANÁLISIS DE ALGUNA DE LAS OBRAS 


Niños en la playa
Autor: Joaquín Sorolla
Fecha: 1910
Museo: Museo del Prado
Características: 118 x 185 cm.
Material: Oleo sobre lienzo

"Si hay un pintor que ha sabido captar la luz del Mediterráneo es, sin lugar a dudas, Joaquín Sorolla. Fue un especialista en reflejar en sus obras la luminosidad y la alegría del Levante español. Valencia, su ciudad natal, será su lugar preferido de inspiración y donde encontrará su temática favorita: pescadores, niños bañándose, jóvenes en barco, etc. Por eso los retiros del artista a Valencia van a ser cruciales para su producción. Era habitual encontrarle por las playas captando en sus lienzos a sus gentes y su luz, esa luz dorada y brillante que tan bien ha sabido mostrar Sorolla en sus cuadros. Niños en la playa es una de las obras cumbres del pintor. Tres niños aparecen tumbados en la playa, en el lugar donde el agua de las olas se mezcla con la arena, muy cerca de la orilla. Los niños desnudos, como se bañaban en los primeros años de siglo los muchachos del pueblo, demuestran el perfecto dominio del pintor sobre la anatomía infantil. Pero el tema no deja de ser una excusa para realizar un estudio de luz, una luz intensa que resbala por los cuerpos desnudos de los pequeños. Las sombras para Sorolla no son de color negro tal y como dictaba la tradición, sino que tienen un color especial según consideraba el Impresionismo. Por eso aquí emplea el malva, el blanco y el marrón para conseguir los tonos de las sombras. Una de las preocupaciones del pintor eran las expresiones de los rostros, que ha sabido captar perfectamente en el niño que nos mira aunque su cara no esté claramente definida. Observando este cuadro, el espectador puede respirar la atmósfera del Mediterráneo, que Sorolla tan bien conocía."
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Dos de mayo
Autor: Joaquín Sorolla
Fecha: 1884
Museo: Museo del Prado
Características: 400 x 580 cm
Estilo: Impresionismo
Material: Oleo sobre lienzo

"Sorolla envió este cuadro de historia a la Exposición Nacional de 1884, obteniendo una segunda medalla. El lienzo representa la resistencia del pueblo madrileño, al mando del capitán Luis Daoíz, en el Parque de Artillería de Monteleón frente al asalto de las tropas napoleónicas. El herido capitán se aposta ante uno de los cañones e invita a los soldados franceses al ataque. Junto a la rueda del cañón cae mortalmente herido otro oficial y a las puertas del parque un agitado pelotón se abalanza sobre los franceses, sembrándose la calle de cadáveres mientras al fondo tienen lugar episodios de lucha. Lo mejor de esta obra debemos buscarlo en la plasmación de la escena al aire libre, captando del natural la atmósfera de la batalla, ubicándose las figuras a pleno sol, empleando una pincelada rápida y empastada que ya preludia el genio de años posteriores."
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Saliendo del baño
Autor: Joaquín Sorolla
Fecha: 1915
Museo: Museo Sorolla
Características: 130 x 150,5 cm.
Estilo: Impresionismo
Material: Oleo sobre lienzo

"Pintado en Valencia durante el mes de junio, el lienzo aporta una luz característica de la mañana más fría y azulada. El tema recogido es muy frecuente entre los lienzos de playa, de los que el pintor hace numeroso versiones porque tuvieron muy buena acogida por el público y la crítica."
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 Sorolla pintó esta escena de una madre y su hijo al borde del mar resultando una composición radiante y luminosa, fiel a su estilo 'luminista'. El niño está cubierto por una toalla blanca con la que le ha envuelto su madre, a la que mira con recelo (probablemente porque no quería salir del agua), mientras ella contempla maravillada a su hijo, que le parece lo más hermoso del mundo. La barca encallada y las olas del fondo componen un cuadro de gran armonía cromática. En esta obra quedan patentes los distintivos rasgos impresionistas, no hay negro ni contornos y las sombras que proyectan las distintas figuras son de color malva. 


Retrato de Beruete
Autor: Joaquín Sorolla
Fecha: 1902
Museo: Museo del Prado
Características: 115 x 105 cm.
Material: Oleo sobre lienzo

"Sorolla se traslada con su familia a Madrid, donde existe una importante demanda de retratos. Para superar el bajo momento económico en el que se encontraba inicia una frenética actividad como retratista, precisamente gracias a su amigo, el también pintor Aureliano de Beruete que aquí vemos retratado. Fue Beruete quién sugirió a Sorolla que trabajase como retratista porque podría obtener mucho éxito y dinero, como así fue. En los primeros años del siglo XX, los retratos de Sorolla se pondrán de moda en Madrid siendo el artista muy solicitado. Aureliano de Beruete era paisajista, crítico e historiador del arte, uno de los primeros que realizó un estudio crítico sobre la obra de Velázquez. Le vemos en su estudio, sentado en un sillón cubierto con una tela, vistiendo traje gris azulado, con guantes y sombrero en las manos; al fondo se aprecia un caballete con un paisaje, para recordarnos la actividad en la que destacaría el retratado. La característica que define todos los retratos de Sorolla es la familiaridad con la que representa a sus modelos, mostrándolos al espectador como si éste le conociera. Siempre intenta que la atención se centre en el rostro, más iluminado por la luz para contrastar con el traje y el fondo, como en este caso. Existe una importante base dibujística pero la pincelada es suelta, como apreciamos en el sillón, la barba o el cabello. Los detalles dejan paso a la luz y a la expresividad, como ya había hecho la Escuela barroca española en cuyas fuentes bebió Sorolla. Su fama como retratista será tan grande que llegará a recibir importantes encargos del exigente mercado americano."
http://www.artehistoria.jcyl.es



La siesta
Fecha: 1912
Museo: Museo Sorolla
Medidas: 200 x 201 cm.
Estilo: Impresionismo
Material: Oleo sobre lienzo

La siesta , fue pintada durante el mes de agosto de 1911 en la finca del doctor Madinaveitia de San Sebastián.
Sorolla se entusiasma tanto con el lienzo, que anula los billetes para regresar a Madrid antes de concluir la tela. Ésta nos presenta a su mujer, sus dos hijas y una prima hermana de estas últimas descansando sobre una frondosa pradera. El cuadro  es una clara muestra del estilo de Sorolla donde se perciben grandes y largas pinceladas con pigmento muy disuelto cubren que la mayoría del soporte y grandes empastes en las zonas que quiere destacar, en las figuras, para que el ojo del espectador tenga que desplazarse de un lado a otro. El pintor en este lienzo cuenta con la participación del observador

 HOMENAJES



Casa de Sorolla actualmente "Museo Sorolla"

El Museo Sorolla fue creado por deseo de la viuda del artista, Clotilde García del Castillo, que en 1925 dictó testamento donando todos sus bienes al Estado Español para fundar un Museo en memoria de su marido. Ya fallecida doña Clotilde se acepta el legado el 28 de marzo de 1931, y el 11 de junio del año siguiente se inaugura el Museo. Joaquín Sorolla García, único hijo varón del matrimonio Sorolla, fue el primer Director de este Museo hasta su fallecimiento, por deseo expreso de su fundadora. En 1941 hizo Joaquín testamento legando nuevos fondos al Estado. Tras su muerte en 1948, la donación fue aceptada en 1951. Estos últimos fondos son hoy propiedad de la Fundación Museo Sorolla, según el Estatuto Jurídico que la reglamenta, del 30 de julio de 1993. Desde 1973 el Museo es estatal y depende del Ministerio de Cultura








Sellos postales

El monumento a Sorolla en su emplazamiento original





TÍTULO: Monumento a Joaquín Sorolla Bastida, 1933

UBICACIÓN: Plaza de la Armada Española, Valencia (junto a la playa de la Malvarrosa) - Busto en bronce -Medidas del busto: 0,87 x 0,75 x 0,54 m.

Fue inaugurada el 31 de diciembre de 1933 en su primer emplazamiento .

El 27 de febrero de 1963 en la Plaza de la Armada Española. 

En 1974 se traslada a la ubicación actual



Glorieta y Monumento "A Sorolla" - Jardines de las Delicias de Arjona - Sevilla


FUENTES
http://www.artehistoria.jcyl.es
http://www.artespain.com
http://es.wikipedia.org/